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Le street art comme acte engagé ou engageant : JR et sa conception de l’art urbain

Dans un milieu urbain classique, fade et hostile, les artistes s’invitent au sein des villes en élaborant des techniques d’affichage afin de donner vie aux quartiers et de donner un sens engagé ou non dans leurs œuvres. La ville constitue un espace de création et de revendication afin de casser la stérilité du visage des murs des villes dans une période que Philippe Gargov, fondateur du blog et de l’agence Pop-up urbain, qualifie « d’uniformisation urbaine ».

Le mouvement appelé le street art est un mouvement artistique et un mode d’expression qui se sert de la rue pour affirmer sa liberté. Pourtant, cette vision de la liberté se heurte au statut juridique du street art qui varie selon les pays, mais qui apparaît comme un art « interdit », ce qui renforce l’aspect libertaire du geste. C’est principalement un art éphémère, vu par un large public qui englobe diverses techniques telles que le graffiti, le pochoir, la mosaïque, le sticker, l’affichage et le collage, la réclame, ainsi que des installations comme le tricot urbain. 

Le street art se développe dans les années 60 aux États-Unis avant de se répandre dans le monde. Il connaît son apogée sur le plan médiatique avec des œuvres comme celles de Banksy, mais aussi plus récemment celles de JR. 

Qui est JR ? 

On lui accole parfois l’étiquette de « French Banksy », bien qu’il en réfute l’expression. JR ne se voit pas comme un street artist, mais comme un artiste « engageant ». Son parcours débute en 2001 lorsqu’il décide de parcourir l’Europe à la découverte de l’art urbain, à partir d’un appareil photo trouvé. Avec son premier affichage en 2004 sur les immeubles de Clichy Montfermeil, Portrait d’une génération, il déclare que c’est « à ce moment-là que j’ai commencé à réaliser l’art engageant, pas engagé, engageant. »

Illustration 1 : Photographie de JR. Source artjuice.net,  https://artjuice.net/wp-content/uploads/2019/01/jr-artiste.jpg

C’est là, où il a grandi, que deux adolescents meurent électrocutés dans un transformateur en voulant échapper à la police en 2005. Alors que de violentes émeutes s’ensuivent, une de ses œuvres placardées sur les murs de la cité apparaît en fond dans les reportages télévisés. Il s’agit de son premier grand projet de collage de 2004 qui incarne dès lors la possible force symbolique du street art dans les combats des sociétés. 

Aujourd’hui, JR est perçu comme un pirate de l’art : il s’écarte du chemin imposé par les galeristes et dépasse le cadre autorisé tout en restant dans le respect des mœurs. Comme il l’explique, « aujourd’hui peut-être qu’on dit que c’est de l’art, à l’époque c’était clairement du vandalisme ! ». 

La Ville comme théâtre d’engagement ? 

JR veut offrir à la ville et à ses lignes verticales tels que les murs et façades un supplément d’âme. Il cherche à provoquer l’interrogation des populations locales sur le sens de l’œuvre et du monde. Comme il l’explique, « c’est l’idée de reprendre la ville, de reprendre les murs. Au milieu de toutes ces publicités, il peut y avoir un autre message qui vient des gens ». Son art se décale de l’idée élitiste de l’accessibilité de l’art, ses œuvres prennent figure n’importe où car « peu importe le contexte, peu importe le quartier que ce soit un bidonville ou le XVIe arrondissement de Paris, il n’y a pas de frontières pour ce projet, il existe partout ». 

A travers la série inaugurale, 28 millimètres – Portrait d’une génération, JR avait pour idée de créer du lien social, de rapprocher les communautés et de rendre l’art accessible et presque incontournable en affichant ses immenses fresques là où l’art fait souvent défaut : il crée un « art infiltrant ». D’ailleurs, lors des actions de collage, les communautés participent au processus artistique si bien que ses œuvres ont des significations différentes en fonction de l’identité du passant. Ainsi, « la ville est un musée à ciel ouvert » : que ce soit à Paris, en Corée ou en Tunisie, on lève les yeux de son téléphone, on s’élève à travers les gravures et on s’émerveille tout en se questionnant. 

Depuis sa première série inaugurale, JR n’a cessé de traverser le monde pour y mettre sa patte artistique, que ce soit à Paris avec JR au Louvre & le secret de la grande pyramide en 2019 afin de symboliser les 30 ans de la pyramide du Louvre (ill. 2), ou encore à la frontière Mexique/Etats-Unis, avec Migrants, picnic across the border en 2017 (ill. 3) dénonçant la démarcation que le mur induit pour les sociétés mexicaines et américaines. Il est également allé au Proche-Orient avec sa série Face to face en 2007 à la frontière Palestine/Israël, à New York, au Brésil ou au Kenya avec Women are Heroes en 2008 et 2011. Dans cette dernière série, JR entend rendre hommage au rôle essentiel des femmes dans nos sociétés. C’est une ode à ces personnes sont souvent cibles de conflits, victimes de guerre, de crimes, de viols ou de fanatismes politiques et religieux. 

Illustration 2 : JR et les 30 ans de la pyramide Du Louvre, La Dépêche, https://images.ladepeche.fr/api/v1/images/view/5c9f8e5ed286c210a87e9be5/large/image.jpg, image AFP.
Illustration 3 : JR et le mur à la frontière américaine-mexicaine avec Kikito en Septembre 2017 à Tecate, Source La Collection Meeschaert, https://collection.meeschaert.com/wp-content/uploads/sites/45/2018/11/JR-800×600.jpg.

Son engagement suscite autant l’admiration que l’indignation. Par exemple, la mairie d’Istanbul déposa une plainte contre lui après l’affichage sur une maison d’une œuvre pour son projet The Wrinkles of the City, avant de renoncer à le poursuivre en raison du soutien populaire. Dans ce projet, il mettait en scène les portraits de personnes âgées ayant vécu les mutations de leur ville. 

Concrètement, la société urbaine dans sa pluralité inspire JR dans la conception de ses œuvres et elle devient un théâtre d’engagement pour celui-ci. Ce théâtre urbain peut permettre de faire évoluer les consciences, les préjugés, les avis ou les discriminations, voire peut-être de faire changer le monde. 

Changer le monde à travers les murs ? 

Si JR ne revendique pas le même niveau que Banksy, graffeur britannique, à travers ses œuvres anticapitalistes, il se dissocie sans amertume de l’économie prospectant l’art. Il explique ainsi : « Pour moi l’important c’est de protéger mes projets pour qu’ils soient indépendants de tout marketing et de toute publicité. Je ne suis pas contre les marques. Mais quand je présente les femmes du monde entier (Woman are Heroes) ce n’est pas pour qu’elles soient sponsorisées par une marque ». 

La série Face to face en 2007 à la frontière israélo-palestinienne est nommée ainsi car elle joint les portraits d’Israéliens et de Palestiniens qui occupent la même fonction (chauffeur de taxi, sportif, religieux, artiste etc.) afin d’insister sur les ressemblances entre les deux communautés plutôt que sur leurs différences. Face to face permet aussi aux spectateurs de se confronter à leurs propres préjugés sur la distinction ou non du Palestinien ou de l’Israélien.

Illustration 4 : JR et le mur de Gaza, Source WordPress, https://instreetart.files.wordpress.com/2012/11/bgfdebfvrgfart.jpg

Dans une approche similaire, JR propose d’humaniser les prisonniers de la prison de Tehachapi en Californie, l’une des plus violentes des États-Unis. Elle est le résultat d’un travail collectif de la part des détenus, des surveillants, d’anciens prisonniers et de membres de l’atelier de JR et permet d’ouvrir le débat sur l’univers carcéral en redonnant une part d’humanité à ce groupe de personnes enfermées pour la plupart depuis plus d’une décennie. 

Illustration 5 : JR et la prison de Tehachapi en Californie, 2019, Source Artistikrezo https://www.artistikrezo.com/wp-content/uploads/2020/09/Tehachapi-Daytime-U.S.A.-2019-%C2%A9-JR.-Courtesy-of-the-artist-Perrotin-.jpg

En 2019, JR rejoint l’École Kourtrajmé fondée Ladj Ly afin d’y créer une section art & image, ayant pour ambition de former une nouvelle génération d’artistes venant de tous horizons afin de « combler les distances physiques, culturelles, spirituelles entre personnes de toutes origines ». Cette école permet également de mettre en lumière des quartiers délaissés pour « montrer comment le désir d’exister dans ces quartiers peut combattre la précarité et créer du beau où l’on ne l’attend plus ». 

A travers ses œuvres, JR induit des messages de paix au sein des conflits, réconcilie le passé avec le présent et renverse les convenances pour mieux les dénoncer. Ainsi, par l’intermédiaire de son travail, la ville apparaît comme un espace de mutations, de transformations de messages qui révèlent les enjeux de l’époque. La ville est une peau que les sociétés artistiques essaient d’apprivoiser afin d’y étaler leurs idées et de questionner le monde dans lequel elles habitent. Définitivement, « l’art est un outil pour questionner le monde » et JR l’applique avec audace et talent. En 2011, il reçoit ainsi le prix de la fondation TED à Long Beach se voyant offrir une dotation accompagnée d’une demande, « un vœu pour changer le monde ».

Bibliographie indicative :

  • ESCORNE Marie, « Quand les artistes font, défont, refont le mur », Hermès La Revue, 2012/2 (n°63), p.181-189. 
  • GONON Anne, « La ville a-t-elle définitivement dompté les artistes urbains? », Nectart, 2015/1 (N°1), p.128-136. 
  • SORDINO Marie-Christine, « Street art, de l’illicite au licite ? Du délit à l’art ? Une redéfinition des frontières… », Revue de Science criminelle et de droit pénal comparé, 2019/3 (N°3), p.599-612. 
  • « JR : « Tout ce que je fais est politique » », GQ, Septembre 2019, https://www.gqmagazine.fr/pop-culture/article/jr-tout-ce-que-je-fais-est-politique

L’auteur :

DELAHAYE Nicolas : Étudiant en Master 2 Développement, Innovation et Environnement à l’université Bordeaux Montaigne (2020-2021), son sujet de master d’histoire tend à montrer comment le simple habit qu’est le maillot de football doit être considéré comme un outil important dans le social et l’économie. Il cherche également à relier le social et l’économie pour montrer comment le domaine économique s’est servi du social pour s’émanciper tout en dénaturant ce dernier au cours du temps. Si le billet n’a pas de rapport avec son master, il lui permet d’aborder une de ses passions puisqu’il suit depuis quelques années sur les réseaux sociaux le travail de l’artiste JR.  

Le mobilier urbain des rues piétonnes, habit sur mesure ou prêt-à-porter ?

La piétonnisation des rues est à la mode dans les années 1960-1970 dans la plupart des villes d’Europe de l’Ouest, avec une communication des pouvoirs publics qui porte notamment sur la « qualité de la vie » ou encore une soi-disant « reconquête de la rue » par les piétons. Outre l’interdiction de la circulation automobile, l’enjeu majeur est aussi celui du réaménagement de ces rues pour les rendre attractives. Si les enjeux environnementaux sont importants dans un contexte de rejet croissant de la présence de l’automobile en ville, les intérêts économiques n’en sont pas moins présents, dans la mesure où les opérations de piétonnisation concernent des rues de centre-ville, dont les commerçants craignent la concurrence des nouveaux centres commerciaux périphériques. 

Appuyée sur le terrain de Lyon, où plusieurs rues sont piétonnisées à la fin des années 1970, cette étude vise à montrer que le consensus apparent autour du principe de piétonnisation cache de multiples conflits, d’aménagement comme d’usages. Ces tensions contribuent à accélérer le renouvellement du mobilier urbain par rapport à d’autres rues, en plus d’une mise en modernité qui conduit à interroger la sensibilité de ces mobiliers spécifiques aux modes du moment.

Pour examiner ces tendances, quel meilleur exemple que le mobilier de la rue-vitrine du centre de Lyon, la rue de la République ?

Cette rue est piétonnisée à partir de 1975, à l’occasion des travaux de percement du métro, qui imposent un réaménagement complet de la rue. Cette piétonnisation, ardemment souhaitée par les commerçants de la rue et du centre-ville, ainsi que par l’association Les Droits du Piéton, se concrétise par un changement complet du paysage de la rue : disparition des trottoirs, remplacement du bitume noir standard par une alternance bitume rouge/pavage, et surtout mobilier urbain spécifique à cette rue.

En particulier, des bancs-jardinières en béton sont installés pour attirer les piétons et rendre la rue attractive. Ils s’inscrivent dans un contexte plus général de montée des préoccupations environnementales et participe à l’image de « qualité de vie retrouvée » que la mairie dirigée par Louis Pradel (entre 1957 et 1976) veut donner à cette rue.

Figure 1 : La rue de la République en septembre 1977 (Archives municipales de Lyon/AML, 38PH/191, photographie Basset, Semaly)

Ces bancs-jardinières sont symboliques d’un enjeu de différenciation des rues, en particulier des rues piétonnes, à distinguer des rues dans lesquelles la circulation automobile est autorisée : il s’agit d’une part de faire comprendre à l’automobiliste que la rue en question lui est interdite (en l’absence de barrières d’accès, jusque dans les années 1980), mais surtout de différencier ces rues commerçantes du centre-ville par rapport aux autres rues. 

Ce mobilier urbain particulier répond aussi à des contraintes matérielles bien réelles : l’impossibilité de planter des arbres aux racines profondes car le tunnel du métro arrive à moins d’un mètre de la surface, les temporalités courtes et les budgets réduits pour ces aménagements. La Semaly, société chargée de l’aménagement du métro et de cette rue, fait donc le choix de ces éléments en béton préfabriqués, fleuris par le Service municipal des Cultures et disposés d’une manière bien particulière, en fonction des commerces de la rue : pas question que ces bancs empiètent sur les terrasses de cafés !

Cette attention particulière portée aux usages commerciaux par les aménageurs entraîne des conflits d’usages, dont l’étude révèle certains paradoxes par rapport aux discours politiques sur les rues piétonnes. Ces bancs-jardinières constituent des éléments privilégiés pour une pratique souvent mise en avant pour valoriser ces aménagements : la flânerie. Liée à l’imaginaire romantique du grand boulevard du XIXe siècle, cette pratique réclame des infrastructures pour un séjour prolongé du piéton dans la rue, tels que des bancs, corbeilles et autres sanisettes. Cependant, la prépondérance des usages commerçants conduit rapidement à des protestations concernant le séjour prolongé de certains usagers : lors de la première réunion-bilan sur les rues piétonnes en 1984, le problème de « qualité de la fréquentation » est pointé comme majeur par les commerçants, avec une « impression d’insécurité » et des nuisances, notamment du bruit avec des musiciens de rue peu appréciés par les tenanciers de cafés.

Figure 2 : Compte-rendu de réunion du groupe de travail sur les rues piétonnes, 1984 (AML 72ii4)

Après quelques débats, le Conseil municipal vote la suppression de ces éléments de mobilier, affublés du qualificatif bien peu valorisant de « jardinières-dortoirs », lors de sa séance du 25 janvier 1988, c’est-à-dire à peine plus de dix ans après leur implantation. Les bancs-jardinières sont remplacés par des bancs ordinaires, en attendant la réfection complète de la rue (sol et mobilier), qui intervient entre 1990 et 1993. Là encore, un tel réaménagement moins de vingt ans après les premiers travaux peut surprendre. Dès la fin des années 1980, le paysage de cette rue vitrine de la ville est présenté comme « obsolète », tant par les commerçants que par certains élus. Le changement de majorité municipale avec l’élection de Michel Noir en 1989 est probablement déterminant : il fait de cette rue le fer de lance d’une grande opération de revalorisation du centre-ville appelée « Mission Presqu’île » et en renouvelle totalement le mobilier, avec les premiers éléments d’une « ligne de mobilier urbain » spécifique à Lyon. 

En somme, le mobilier urbain redevient un démonstrateur de changement politique, comme dans le Paris du milieu du XIXe siècle dirigé par le préfet Haussmann. La durabilité des formes semble par contre une clé de lecture pertinente pour analyser le mobilier urbain de ces dernières décennies, tant il semble davantage sensible aux modes du moment.

Bibliographie indicative :

L’auteur :

Louis BALDASSERONI est maître de conférences en Histoire contemporaine à l’université de Nîmes. Il a soutenu en 2019 une thèse intitulée « Du macadam au patrimoine, modernisation de la voirie et conflits d’usage, l’exemple de Lyon, fin XIXe-fin XXe siècles » (direction : Pr. L. Vadelorge, Université Paris-Est Marne-la-Vallée). Il travaille sur l’histoire des travaux de voirie au XXe siècle, dans ses aspects socio-techniques. Il s’intéresse à la place des infrastructures dans les politiques de gestion de la circulation, mobilisation des usagers et riverains, aménagement du paysage de la rue, conflits d’usages et politiques de gestion du trafic.

Page professionnelle : https://cv.archives-ouvertes.fr/louis-baldasseroni

L’AFFICHAGE SAUVAGE FÉMINISTE, UN MOYEN D’INFORMER ET DE MANIFESTER. LE COLLECTIF « COLLAGES FÉMINISTES ».

Le terme « affichage sauvage » désigne la pose d’affiches en dehors des espaces prévus à cet effet par le gouvernement. Il est, par définition, illégal, et a souvent pour but une dénonciation politique ou une revendication. Il peut aussi être utilisé à des fins de marketing de rue par certaines marques et, pour éviter une mauvaise image, se revendiquera alors comme « affichage libre ». De la pose d’affiches sur différents supports aux graffitis sur murs et sols, l’affichage sauvage peut prendre diverses formes. 

            Depuis 2019, le collectif Collages Féministes s’est emparé de ce moyen d’expression pour protester et informer, recouvrant ainsi des surfaces dans de nombreuses villes. 

Un contexte politique et social sous tension

Au cours de ces dernières années, de nombreux scandales dénonçant les diverses violences faites aux femmes ont éclaté dans le monde. Cette lutte connaît un tournant en octobre 2017, à l’occasion de « l’affaire Harvey Weinstein ». Les accusations de harcèlements sexuels et de viols commis par le producteur de cinéma américain sont révélées au public, et cela marque le point de départ d’un scandale international. Progressivement, de nombreuses femmes y ajoutent leur témoignage et dénoncent l’implications d’autres personnalités du cinéma occidental, ayant participé aux agressions sexuelles ou bien en ayant connaissance. 

            L’ampleur de ce mouvement encourage les femmes victimes de violences sexuelles dans le monde entier à dénoncer à leur tour leurs agresseurs et donne une nouvelle visibilité au mouvement #MeToo, né en 2007, sur les réseaux sociaux tels que Twitter. En France, #BalanceTonPorc et #NousToutes deviennent dans la foulée d’autres hashtag de libération de la parole des femmes.

            Mais alors que de plus en plus de victimes franchissent le pas, ces femmes constatent que le système judiciaire ne les soutient pas suffisamment et que bon nombre de plaintes restent sans suite. Ainsi, en 2017, sur 14 268 plaintes pour viols enregistrées en France, seulement 1266 ont abouti à une condamnation.

Collages Féministes Toulouse. 2019Source : https://www.instagram.com/p/B2q6u70I73L/

Le mouvement des collages féministes en France

Depuis septembre 2019, des affiches féministes dénonçant principalement les féminicides et les  viols peuvent être observées dans la plupart des grandes villes françaises. À l’origine de cette nouvelle mouvance, Marguerite Stern, membre du groupe de défense des droits des femmes Femen. Le 30 août 2019, quelques jours avant le Grenelle des violences conjugales tenu le 3 septembre, elle lance l’idée et le collectif, qui vient de se former à Paris, poste sa première photo sur le réseau social Instagram. Rapidement, d’autres collectifs se forment en province, comme à Toulouse, Marseille, Lyon, Rennes, Strasbourg ou La Rochelle, auxquels sont rattachés des comptes Instagram respectifs pour relayer les affiches posées et étendre la portée de leur message : les femmes n’ont plus confiance dans le système judiciaire français et ont décidé de prendre les choses en mains et d’imposer des changements.

Collages Féministes Toulouse. 2019. Source : https://www.instagram.com/p/B4FqGeHIzrS/

Des dénonciations générales mais également ciblées

Les affiches posées par le collectif Collages Féministes ont pour but de soutenir les victimes, d’informer les passants, mais également de dénoncer le système judiciaire et politique français. Pour cela, nous pouvons les diviser en deux catégories.

Collages Féminicides Paris. 2020. Source : https://www.instagram.com/p/CBh0CLgi6v8/?

Il y a d’abord celles arborant des informations et des problèmes généraux qui peuvent s’appliquer aux femmes victimes de violences sexistes, tels que des chiffres ou statistiques ; des définitions de termes comme « consentement » et « harcèlement » ; des demandes de reconnaissance pénale du féminicide. Figurent également dans cette catégorie des dénonciations générales telles que l’inaction du président Macron ou bien la romancisation du féminicide par les médias qui le qualifient souvent de « drame passionnel » et leur rappelant ainsi que « on ne tue pas par amour ».

Collages Féministes Toulouse. 2019. Source : https://www.instagram.com/p/B4uXbk0I832/

            Il y a ensuite les affiches concernant des agressions ou événements précis. C’est le cas par exemple pour l’impunité du réalisateur, producteur et scénariste français Roman Polanski, reconnu coupable de viol sur mineure en 1977 aux États-Unis mais dont la France refuse l’extradition. Il est ainsi récompensé au travers de son film J’accuse au cours de la 45e cérémonie des Césars en 2020 notamment dans la catégorie « meilleur réalisateur ». Les réponses sont immédiates sur les réseaux sociaux et dans les rues, pour dénoncer le manque d’action et donc la complicité des Césars dans l’impunité de Polanski qui peut continuer à vivre sa vie sans aucune sanction et échappe à la justice américaine depuis 1978.

Collages Féminicides Paris. 2020. Source : https://www.instagram.com/p/B9INokJi0dW/

Figurent également dans cette catégorie des affiches exposant les dates, âges, ou noms de femmes victimes de meurtre ou viol.

Collages Féministes Toulouse. 2019. Source : https://www.instagram.com/p/B2eU0ckoPh8/

Indications bibliographiques :

L’auteur :

DION Tiffaine est étudiante en seconde année de Master Développement Innovation et Environnement (2020-2021) à l’université Bordeaux Montaigne. Son mémoire, sous la direction de Corinne Marache, porte sur  « L’évolution des mouvements végétariens et végétaliens en France des années 1970 à nos jours. Une évolution indissociable du contexte socio-économique. ». 

Angoulême : lorsque la bande dessinée s’approprie la ville

Angoulême est une ville internationalement connue pour son festival annuel de la bande qui représente un moment essentiel pour cet art et cette industrie. La ville compte ainsi une cité internationale de la bande dessinée, un musée et plusieurs formations, à la faculté et en dehors, autour de l’art de la bande dessinée et de l’animation.

Cette prégnance de la bande dessinée est aussi visible plus directement dans le paysage urbain : un certain nombre d’artistes ont représenté des héros de bande dessinées sur les murs de la ville. On peut ainsi apercevoir tour à tour Titeuf, Lucky Luke et les Daltons ou encore Gaston Lagaffe. Au total, ce sont plus d’une vingtaine de fresques ou sculptures qui viennent habiller la ville tout en symbolisant une revendication identitaire, culturelle voire politique.

Image 1 : « L’Archiviste », Angoulême, 06/2020, crédit photo : Sébastien Lotte

Angoulême et la bande dessinée

L’histoire d’amour entre Angoulême et la bande dessinée démarre en 1972, à l’occasion de l’exposition « Dix millions d’images ». Francis Groux, le conseiller municipal en charge des affaires culturelles et Jean Markidian, maire adjoint à la culture et Claude Moliterni, président de l’association Socerlid et organisateur d’expositions et festivals autour de la BD montent alors un dossier et parviennent à convaincre la mairie de créer un festival autour de la bande dessinée. Sous leur impulsion, le festival de la bande dessinée est mis en place pour l’année 1974. Le 25 janvier, débute le premier « Salon international de la bande dessinée » pour trois jours et accueille certains des grands noms de l’époque. André Franquin est, pour cette première édition, à la fois le président du jury et le premier lauréat du Grand Prix. C’est ainsi que le festival est né. Il se déroule ainsi tous les ans, sans interruption, fin janvier. Chaque année, de grands auteurs internationaux se présentent, animant débats et conférences, présentant des expositions et obtenant les récompenses les plus importantes du festival, comme Fred en 1980, Robert Crumb en 1999 ou encore Art Spiegelman en 2011. Le festival a grandi, pris en importance et attire toujours plus de passionnés, de professionnels et de curieux. 

La mise en place des fresques

Dans l’optique de pérenniser l’impact du festival de la bande dessinée sur toute l’année, la ville d’Angoulême décida de créer un parcours de fresques reprenant des éléments de bande dessinées connues. Le projet, confié à CitéCréation – spécialiste des œuvres murales de grande envergure – prend ses racines dès les années 1990 et s’accélère au tournant du nouveau millénaire. Avec une vingtaine de muraux, les styles très variés se côtoient. Les techniques, sujets ou approches visuelles sont assez hétéroclites. Certains sont conçus comme des trompe-l’œil, tel « Réalité, Sortie de secours » (1999) qui présente des personnages dans un mur, prêts à en sortir. Une autre technique utilisée a été la projection, pour le mur situé entre le boulevard Pasteur et la rue Léonard. Il projette 6 œuvres du dessinateur Hermann. Visible uniquement de nuit, elle introduit une certaine diversité dans les murs de la ville et anime la nuit.

Image 2 : « New York sur Charente », Angoulême, 06/2020, crédit photo : Sébastien Lotte

 

La plus majestueuse de toutes ces peintures est sans nul doute « New York sur Charente », réalisé par Nicolas de Crécy en 2001. Couvrant toute une façade d’un immeuble situé au 15 bis de la rue de la Grand Font, elle recouvre une surface d’environ 260m² et incarne la volonté d’inclusion de la bande dessinée au sein de la ville d’Angoulême. Elle est visible dès la sortie de la gare dont le parvis accueille la statue « L’obélisque du papa d’Obélix ». Conçue pour rendre hommage à la légende de la bande dessinée française René Goscinny, cette dernière pèse 7 tonnes et culmine à plus de 4 mètres de haut. Elle accueille plus de 80 citations des œuvres de Goscinny, comme Astérix, Lucky Luke ou Iznogoud, dont la fameuse « Ils sont fous ces Romains ! ».

Image 3 : « L’Obélisque du papa d’Obélix », Angoulême, 06/2020, crédit photo : Sébastien Lotte
 

Enfin, l’une des œuvres les plus étonnantes reste « L’Archiviste ». En effet, si « New York sur Charente » est la peinture la plus grande, « L’Archiviste » est la plus impressionnante par ses 2000m² de plaques d’inox et son million de trous percés. Ce travail monumental s’inspire du dessin original de François Schuiten, artiste belge de la bande dessinée et met en abîme le bâtiment qui l’accueille, celui des archives départementales.

Ailleurs sur le globe

Angoulême n’est pas la seule ville à s’être parée de muraux représentant les personnages de bande dessinée. L’autre haut-lieu de la bande dessinée est la Belgique – on parle généralement de bande dessinée franco-belge d’ailleurs – et plus particulièrement Bruxelles. Cette dernière est peuplée de muraux mettant en scène certaines des BD les plus connues. On y retrouve ainsi Lucky Luke, comme à Angoulême, mais aussi Astérix, Tintin à plusieurs reprises, Ducobu ou encore Thorgal. Bruxelles en compte une quarantaine, essentiellement dans le centre, dont le premier à avoir été réalisé est « BD Broussaille » en 1991 de 45m² environ. Le projet, initié par la municipalité, est très similaire à celui de la ville d’Angoulême. Les deux initiatives ont d’ailleurs été lancées presque simultanément. Cette proximité souligne la concurrence que se livrent, plus ou moins directement, les deux villes pour déterminer laquelle d’entre-elles matérialise la véritable capitale mondiale de la bande dessinée. Si l’argument artistique et esthétique est évident dans la mesure où certains muraux permettent de cacher les murs nus de certaines habitations, l’initiative n’est pas dénuée de revendications culturelle et touristique.

Ailleurs dans le monde, d’autres œuvres ou artistes ont également droit à leur hommage urbain, à l’instar de la statue de Mafalda dans les rues de Buenos Aires qui permet aux Argentins de rendre hommage à Quino, créateur de cet enfant bien trop perspicace, décédé le 30 septembre dernier. Cette statue, très simple, célèbre le personnage et son artiste, tous deux connus dans le monde entier et traduit dans 27 langues.La représentation dans l’espace public urbain revêt donc plusieurs fonctions, même si l’idée principale reste toujours de rendre hommage aux artistes et à leurs œuvres.

Image 4 : Carte tirée du site de la ville d’Angoulême représentant la majeure partie des fresques, 08/01/2021, https://www.angouleme.fr/culture-loisirs/murs-bd/
 

Et maintenant ?

Angoulême a reçu en 2019 le statut officiel par l’UNESCO de « Ville Créative » et par la même occasion de capitale mondiale de la bande dessinée, confirmant son statut de ville culturelle de premier plan. Le festival international de la BD lui a toujours lieu, même en ces temps troublés à cause du covid, mais exceptionnellement scindé en deux temps, d’abord fin 2020, puis début 2021. Le prochain mural de la ville d’Angoulême devait être inauguré en novembre 2020 et le sera vraisemblablement en 2021 au cours du festival de la bande dessinée rue Goscinny. Il met en scène … René Goscinny lui-même, accompagné de ses personnages les plus célèbres : Astérix, Lucky Luke, Iznogoud et le Petit Nicolas. Le chantier a été confié à la direction de l’artiste Catel, récompensée au festival de la bande dessinée. 

La ville d’Angoulême continue ainsi à se parer d’œuvres et d’hommages au monde de la bande dessinée, affirmant le lien entre la ville et le 9e art. 

Sitographie :  

L’auteur :

Sébastien LOTTE est un étudiant en master 2, Développement, Innovation, Environnement (DIE, 2020-2021). Son sujet de mémoire porte sur « La représentation de New York dans les comic books à partir de 1950 » et sous la direction conjointe de Mme Stéphanie Le Gallic et de M. Nicolas Champ. Il collabore également depuis peu avec la librairie Krazy Kat de Bordeaux pour ses recherches et la rédaction de critiques en ligne. 

Le publiphone en France : d’un appareil de nécessité à une reconversion en pièce de collection de musée

Un essor tardif et laborieux

La cabine téléphonique ou publiphone est un objet permettant de procéder à une communication entre particulier dans un endroit clos. Elle est présentée en 1881 par la Société générale des téléphones lors de l’Exposition internationale d’électricité de Paris, cinq années après l’invention du téléphone de Alexander Graham Bell. D’ornement ou de service, les cabines téléphoniques ont meublé les villes françaises dès la fin du XIXème siècle. 

Premier modèle de cabine téléphonique français, de 1885. Crédit Histoire Orange télécom

Contrairement aux Etats-Uniens dont modèle téléphonique fut disponible dès 1877, les Français restèrent sceptiques vis-à-vis de l’extension du réseau téléphonique, d’autant que pour les hauts dignitaires de l’Etat, il était difficile de contrôler des échanges entre particuliers. Cette défiance de l’Etat envers les cabines téléphoniques explique l’abandon du projet d’extension téléphonique au profit de trois établissements regroupés autour de quatre villes majeures en France : Paris, Marseille, Bordeaux et Lyon. 

Afin de faciliter et de rentabiliser l’exploitation des cabines téléphoniques, ces trois établissements fusionnèrent afin de créer le 10 décembre 1880, la “Société Générale des Téléphones” ou SGT. De ce fait, seule la SGT s’occupa du réseau mais aussi de la production et de la commercialisation des cabines téléphoniques dans les quatre plus grandes villes de France du XIXème siècle. 

Après cette fusion prometteuse, la SGT se lança dans une campagne de promotion du téléphone par le biais de l’Exposition internationale d’électricité qui se tint à Paris en 1881. Dans l’optique de contrôler les communications entre particuliers, l’Etat orchestra la diffusion d’une poignée de cabines téléphoniques le 1er avril 1883 à Reims à titre expérimental, avant de diffuser le modèle dans les autres grandes de villes de France. 

Deux ans plus tard, le réseau de communication s’installa dans les réseaux postaux de Paris, tandis que des cabines téléphoniques ouvertes au public furent placées sous surveillance. Toutefois même si la demande était croissante, l’offre demeurait rare. En effet, la réalisation d’équipements téléphoniques était compliquée, à tel point qu’en 1889, Paris ne comptait que 12 bureaux rattachés au service téléphonique pour environ 7000 abonnés. 

En 1889, profitant d’altercations entre les organismes postaux et les dirigeants de la SGT, l’Etat nationalisa les réseaux téléphoniques. De ce fait, le ministère des P et T récupéra le réseau et les cabines téléphoniques. Bien que le réseau téléphonique se plaça comme un service destiné au public, il ne touchait pas la majorité de la population. En effet, le téléphone était un service très coûteux, réservé à une population mondaine. Mais le coût de la communication n’était pas le seul facteur de marginalisation de certaines régions vis-à-vis du téléphone : dans le but de financer l’extension du réseau, l’Etat lança un appel vers les collectivités locales. Profitant surtout aux espaces géographiques les plus riches, la césure entre ville et campagnes s’accentua à tel point que 43 % des communes françaises ne possédaient pas le téléphone au début du XXème siècle.

Le développement discontinu de la cabine téléphonique

Au début du XXème siècle, l’administration souhaita réduire l’écart entre les régions connectées et les autres. Ainsi, la cabine téléphonique fut déployée partout en France de 1900 jusqu’en 1950 et l’Etat négocia en parallèle un accord avec l’entreprise “Taxiphone” afin de lui confier la gestion des téléphones au sein de lieux privés et publics. 

Après la Seconde Guerre Mondiale et suite aux destructions des grands réseaux de communication mis en place au début du XXème siècle, le réseau téléphonique n’était pas pleinement exploitable. Le 3 janvier 1946, le général de Gaulle lança une politique de relance vis-à-vis du réseau téléphonique par le biais de Conseil du plan de modernisation et d’équipement, associé au Centre national d’étude des télécommunications (CNET). Mais ce n’est qu’en 1965 qu’il fut possible de constater les premiers résultats de cette politique. Plusieurs hypothèses s’affrontent pour expliquer le retard de la France autour des réseaux de communications : faible production, baisse d’intérêt pour les communications entre particuliers. Néanmoins, bien qu’encore considéré comme un objet de luxe, les demandes d’abonnements du téléphone se multiplièrent entre 1961 et 1965, en dépit des longs délais de raccordement.

Face à ce constat, l’Etat mit en place une succession de plans de relance des communications sur le territoire français. Instauré en 1966, le Vème plan devait compenser et supplanter les efforts fournis auparavant dans la diffusion de la téléphonie. Pour se faire, des entreprises spécialisées comme Finextel ou Codetel furent créées dans le but de réduire et de diluer la quantité de travail autour de la création de nouveaux axes de communications. A la suite du VI ème plan (1971-1977) visant à augmenter drastiquement le nombre de lignes, de nouvelles cabines fermées et entourées de baies vitrées furent installées dans les rues en 1975. L’emplacement de ces cabines ne possède pas de normes en dehors de sa connexion au réseau électrique.

Le modèle de publiphone français contemporain. Crédit : Francebleu

Face aux nouvelles technologies, le déclin du publiphone jusqu’à sa brutale extension

Outre un essor difficile à l’image des lenteurs de l’expansion du réseau téléphonique, la cabine connaît pour la première fois un déclin en 1998 : le nombre de publiphones entre 1999 et 2004 décroît de 21 %. Cet étiolement s’explique par plusieurs facteurs : 

En effet, les progrès des moyens de communication frappent de plein fouet l’expansion des cabines téléphoniques. En effet, le développement du téléphone portable à partir de 1997 coïncide avec ce premier coup d’arrêt des publiphones. L’atout principal du téléphone portable réside dans l’achat d’une carte prépayée permettant à son propriétaire de contrôler sa consommation et son budget. Le caractère mobile du téléphone portable séduit les professionnels qui peuvent restés joignables indépendamment de leur lieu de travail. Par ailleurs, le téléphone fixe connaît une réduction de son prix d’achat à partir de 1995. Communiquer depuis son domicile revient donc moins cher, d’autant que la société de communication Taxiphone s’attaque au marché de la communication planétaire et propose depuis ses centres d’appels des communications internationales à moindre coût.

Face à ce glissement des consommateurs vers des technologies plus performantes et moins contraignantes mais aussi à cause du lobbying exercé par des entreprises de télécommunications, la France cède en 2015 au démantèlement progressif des cabines téléphoniques avec la loi Macron. Dorénavant, outre des modèles charismatiques comme le publiphone britannique, la cabine téléphonique devient un objet destiné avant tout aux expositions et aux musées. 

Photographie d’un ensemble de cabines téléphoniques situés à Londres. Crédit : Wikipédia

Indications bibliographiques :

  • CARRE P.A, « Un développement incertain : la diffusion du téléphone en France avant 1914 », CNET, 1991, n°49
  • DANG VU H., MAZZONI A., « Histoire de courbe. La publiphonie en France », Flux, 2007, n°68.
  • LAPEYRE A., TRASSART F., VIVANT E., « Histoire de courbe : La diffusion du téléphone mobile en France », Flux, 2000, n°42

L’auteur :

BUIL Victor est étudiant en Master 2 d’Histoire moderne et contemporaine, parcours Développement, innovation et environnement du XVIème au XXIème siècle (2020-2021). Sous la direction du Pr. Christophe Bouneau, il réalise un mémoire sur l’économie de la pêche en eau douce, en France et en Europe, depuis 1945. Ce mémoire s’interroge sur les différentes interactions entre les strates sociales qui composent le système économique halieutique moderne. 

Le banc, la chaise et la lanterne : équiper les jardins parisiens au XVIIIe siècle

À partir de la seconde moitié du XVIIe siècle, les jardins royaux et princiers de Paris (Tuileries, Luxembourg, Palais-Royal, Jardin du Roi etc.) ouvrent progressivement leurs portes au public. La promenade devient alors une pratique sociale répandue et, à la faveur de l’apparition de nouvelles dynamiques de consommation, les jardins se transforment en lieu d’exhibition de la mode et des élégances. Louis-Sébastien Mercier se fait l’écho de ce défilé permanent que semble accueillir le jardin des Tuileries lorsque viennent les beaux jours du printemps :

« Les deux rangs de jolies femmes qui bordent la grande allée, serrées les unes contre les autres, sur une longue file de chaises, regardant avec autant de liberté qu’on les regarde, ressemblent à un parterre animé de plusieurs couleurs. La diversité des physionomies et des atouts, la joie qu’elles ont d’être vues et de voir, l’espèce d’assaut qu’elles font lorsque sur leur visage brille l’envie de s’éclipser ; tout ajoute à ce tableau diversifié qui attache les regards, et fait naître mille idées sur les modes enlèvent ou ajoutent à la beauté, sur l’art et la coquetterie des femmes, sur ce désir inné de plaire, qui fait leur bonheur et le nôtre ».

Cet extrait semble confirmer ce qu’évoque à nos yeux de contemporains la promenade au XVIIIe siècle : le badinage, la coquetterie élégamment mise en scène et, plus généralement, des discussions charmantes prenant place sous les frondaisons des arbres des jardins. Or, c’est une tout autre réalité que nous donne à voir les archives. Il apparaît très vite que ces espaces doivent être aménagés avec des équipements susceptibles d’agrémenter la promenade. Les bancs, les chaises – déjà évoquées par Mercier dans cet extrait – ou encore les lanternes représentent autant d’aménités recherchées par les promeneurs, mais ils engagent surtout des discussions et des débats particulièrement intenses sur la nature de l’espace public. 

François Huot, Lecture du Journal par les Politiques de la petite Provence au jardin des Thuilleries, dessin à la plume et lavis à l’encre de Chine, aquarelle, 19,2 x 27,8 cm, XVIIIe siècle, BNF, Paris, gallica.bnf.fr.

Contre la prédation supposée exercée par les loueuses de chaises et leur intérêt pécuniaire nécessairement intéressé, des riverains prennent la plume pour réclamer à la direction des Bâtiments du roi l’installation de bancs, seuls à même d’introduire, selon eux, un vécu collectif de l’espace du jardin. Au contraire, pour certains jardiniers en proie à la précarisation du fait des retards de paiement qui s’accumulent, louer de chaises devient une opportunité attendue et recherchée. Face à ces différentes revendications, le pouvoir doit arbitrer et trouver le juste équilibre, d’autant plus que ces aménagements doivent permettre d’éviter aux promeneurs plus ou moins bien intentionnés de dégrader des plantes dont on cherche à s’assurer de la bonne conservation… Mais en dépit de la présence de ces infrastructures, les jardins demeurent traversés par d’intenses formes de différenciation sociale, alors même que le degré de « publicité » des jardins et la question de leur propriété sont débattus au sein de la sphère publique.

Jean-Baptiste Hilair, Le cèdre du Jardin du Roi, 1794, dessin à la plume et encre de Chine, aquarelle et rehauts de blanc, 17,3 x 25 cm, BNF, Paris, gallica.bnf.fr.

De surcroît, les équipements du jardin soulèvent toujours des problématiques éminemment politiques : ainsi, des lanternes que l’on cherche à installer pour éclairer des jardins souvent suspectés d’accueillir des activités illicites. En effet, les autorités cherchent à assurer la régulation sociale d’espaces difficiles à contrôler car situés à la frontière de plusieurs périmètres policiers et institutionnels.

Contre une vision idéelle des jardins les réduisant à n’être que des espaces lisses et sans aucune aspérité, rematérialiser ces espaces revient, d’une certaine manière, aussi bien à réfléchir aux modalités d’organisation de la nature en ville qu’à penser la nature de la ville.

Bibliographie indicative : 

  • Michèle Jolé, « Quand la ville invite à s’asseoir : le banc public parisien et la tentative de la dépose », Les Annales de la recherche urbaine, n° 94, 2003, p. 107‑115.
  • Sophie Reculin, Le « règne de la nuit désormais va finir ». L’invention et la diffusion de l’éclairage public dans le royaume de France (1697-1789), thèse de doctorat en histoire moderne, sous la direction de Catherine Denys, Lille, Université Charles-de-Gaulle Lille 3, 2017.
  • Élisabeth Rochon, « Le labyrinthe du Jardin du Roi (Paris, 1739-1788). Les enjeux de la fréquentation de cet espace de promenade », Dix-huitième siècle, n° 51, 2019, p. 507-524.  
  • Jan Synowiecki, Paris est un jardin. Nature et culture urbaines au XVIIIe siècle, Ceyzérieu, Champ Vallon, 2021 (à paraître).
  • Laurent Turcot, Le promeneur à Paris au XVIIIe siècle, Paris, Le Promeneur, 2007.

L’auteur :

Jan Synowiecki est diplômé de l’ENS Ulm, agrégé d’histoire et docteur en Histoire et Civilisations de l’EHESS. Il est actuellement Attaché temporaire d’enseignement et de recherche (ATER) à l’Université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis.

L’exposition itinérante Lascaux III : le Périgord s’invite en ville et à travers le monde

Une découverte exceptionnelle 

Le 12 septembre 1940, quatre jeunes Périgourdins, Marcel, Simon, Georges et Jacques, font une découverte exceptionnelle aux abords du village de Montignac, dans l’est de la Dordogne. Alors qu’ils explorent les collines et les souterrains des environs du village, les lumières de leurs lampes mettent au jour les peintures d’un autre temps. Quelques jours plus tard, la nouvelle se répand comme une traînée de poudre et le 21 septembre, l’abbé Henri Breuil, le « pape de la préhistoire » arrive sur les lieux pour y livrer ses premières expertises. Il réalise les premiers relevés des peintures et comprend rapidement l’importance de la grotte de Lascaux, « chapelle Sixtine de la préhistoire », selon son expression. Dans les décennies suivantes, la grotte devient un haut-lieu du tourisme local et peut encore être visitée à travers le monde, grâce au projet de Lascaux III, l’exposition itinérante qui invite le Périgord dans les plus grandes métropoles. 

Figure 1 : De gauche à droite : Léon Laval (ancien instituteur), Marcel Ravidat et Jacques Marsal (deux des jeunes inventeurs de la grotte), l’abbé Henri Breuil (préhistorien).  
Source : Comment la grotte de Lascaux a-t-elle été découverte ? | National Geographic

De la grotte d’origine à l’exposition itinérante : une histoire mouvementée 

Rapidement, l’abbé Breuil enjoint les adolescents à surveiller l’entrée de la grotte afin d’éviter les intrusions et de préserver les richesses pariétales. Malgré cela, les jeunes découvreurs ne pouvant les surveiller continuellement, les peintures souffrent de leurs premières dégradations humaines (tags, graffitis). Les propriétaires prennent la mesure du problème et font installer une porte à l’entrée de la grotte afin de prévenir ce genre d’événements, avant de mettre en place des travaux d’aménagement (terrassements des sols, installation électrique) afin d’y faciliter l’accueil de visiteurs. 

La grotte de Lascaux est officiellement ouverte au public le 14 juillet 1948. C’est le point de départ d’un engouement national. On parle de près d’un million de visiteurs entre 1948 et 1963. Paradoxalement, cet enthousiasme touristique, qui a grandement participé à la mise en tourisme des campagnes périgourdines au cours de la deuxième moitié du XXsiècle, a aussi rapidement précipité la fermeture de la grotte. Malgré les nombreuses tentatives d’aménagements liées notamment au renouvellement de l’air dans les galeries (installation de systèmes de climatisation dans les années 1957-1958), les peintures souffrent de la fréquentation humaine et les maladies envahissent les parois. Finalement, la grotte est définitivement fermée au public le 17 avril 1963, suite à une décision prononcée par le ministre chargé des Affaires culturelles de l’époque, André Malraux. Depuis lors, seuls quelques heureux spécialistes peuvent y pénétrer. Cette fermeture pose toutefois quelques problèmes. C’est un gros coup porté à l’économie touristique de la région et à la diffusion des peintures de Lascaux. Pour tenter de pallier cela, la société propriétaire de la grotte songe progressivement à une reproduction des œuvres de Lascaux. Finalement, les projets se succèdent et aboutissent à l’ouverture de Lascaux II en 1983, le premier fac-similé de la grotte originale. Il s’agit d’un site situé à quelques centaines de mètres de la grotte originale, conçu dans l’optique de reproduire les salles principales de la grotte et leurs peintures. Lascaux II devient très vite l’attraction touristique principale en Périgord. Selon le Sud Ouest édition Dordogne du 13 mars 2012, Lascaux II aurait ainsi attiré en Dordogne près de 250 000 visiteurs au cours de l’année 2011. Grâce à la réussite et à l’engouement suscité par Lascaux II, le conseil général de la Dordogne prévoit au début de la décennie 2010, d’échafauder un nouveau fac-similé, conçu cette fois-ci comme une exposition itinérante pouvant mettre en lumière les peintures de la grotte à travers les villes du monde. 

Figure 2 : Grotte préhistorique de Lascaux, coll. SHAP, fonds P .Pommarède. 
De gauche à droite : Parvau, Laval, Marsal, Ravidat.

De Bordeaux à Casablanca : Lascaux III sillonne les villes du monde 

Le deuxième fac-similé des peintures de Lascaux est pensé de manière à diffuser les richesses de la grotte à travers le monde. Les parois ornées des salles de la Nef et du Puits sont les heureuses élues. Il s’agit d’une exposition de plus de 1000 m², conçue de manière à être maniable et transportable. Les coques des fac-similés sont légères (moins de 10kg/m² selon le magazine du Conseil général de la Dordogne Vivre en Périgord de juillet 2008) et constituées de panneaux démontables. Les panneaux imitent au mieux les reliefs des parois originales et c’est toute l’ambiance de la grotte que le visiteur doit retrouver. 

Lascaux III fait une première escale à Cap Sciences, à Bordeaux, entre le 13 octobre 2012 et le 13 janvier 2013, rassemblant près de 100 000 visiteurs selon un article intitulé « Le record de Lascaux 3 » paru dans le journal Sud Ouestdu 7 janvier 2013. L’exposition s’internationalise définitivement avec sa traversée de l’Atlantique en 2013. Lascaux III parcourt ainsi les villes américaines de Chicago, de Houston et de Montréal, avant de faire son retour sur le vieux continent à Bruxelles, à la fin de l’année 2014. S’en suit une escale de trois mois du côté de Paris, puis un détour par Genève avant d’aller poser ses valises sur le continent asiatique entre 2016 et 2018. Lascaux III semble avoir eu un succès important au Japon, entre Tokyo, Sendai et Fukuoka, avec notamment la visite de l’empereur Akihito en personne. L’exposition itinérante continue son tour du globe en passant par le continent africain et la ville de Johannesburg en Afrique du Sud pour enfin revenir du côté de l’Europe au cours des ces derniers mois, à Munich et à Naples. Situation sanitaire oblige, la session de Naples a dû être raccourcie, au grand dam des finances de l’exposition, qui espère rebondir au Maroc et en Europe dans les prochaines années. Ou pourquoi pas se réinventer avec un Lascaux IV ? Affaire à suivre… 

Figure 3 : Lascaux 3 à Johannesburg du 17 mai au 1er octobre 2018. 
Source : Lascaux III, le fac-similé nomade à travers le monde (sarlat-tourisme.com)

Lascaux III en Corée du Sud durant l’année 2016 : quand l’exposition peint les murs de la banlieue de la capitale 

Lascaux III invite le Périgord en ville et à travers le monde, via un échange culturel. Malgré cela, le paysage urbain des villes étapes n’est que peu impacté par l’arrivée et l’installation de l’exposition, même si affiches et publicités concernant l’exposition Lascaux III, envahissent les rues de Chicago ou de Tokyo. Surtout, la plupart des lieux d’accueil et de réception de l’exposition internationale Lascaux III sont des musées : le Field Museum à Chicago, le Royal Museum of Nature & Science à Bruxelles, et le Musée national de Kyushu à Fukuoka au Japon. Imaginer ainsi Lascaux III entre les murs des musées de la ville, ne peut induire de fait que peu d’éléments venant modifier le paysage urbain. Il est toutefois une escale qui n’est pas à négliger trop vite. En effet, d’avril à septembre 2016, la Corée du Sud accueille Lascaux III, à Gwangmyeong, dans la banlieue de la capitale. Un bâtiment est pensé et conçu spécialement pour l’occasion. Construit sur le terrain d’une ancienne usine désaffectée, le bâtiment est conçu par l’architecte français Jean Nouvel, qui imagine un ensemble conçu à l’aide de containers assemblés les uns sur les autres. Ces containers sont peints en noir et dévoilent en blanc quelques figurations animales, rappelant les œuvres de la grotte. 

Figure 4 : Lascaux III à Séoul. Source : Lascaux 3 en Corée (sudouest.fr)

En septembre 2020, la grotte de Lascaux fête tout juste ses 80 ans d’existence aux yeux du monde contemporain. Véritable joyau de l’art préhistorique, ses peintures sont aujourd’hui connues à travers le monde entier, malgré l’impossibilité de pénétrer dans les galeries de la grotte d’origine. 

Bibliographie indicative :

  • DELLUC Brigitte et Gilles, Lascaux retrouvé. Les recherches de l’abbé André Glory, Périgueux, Pilote 24, 2003
  • DELLUC Brigitte et Gilles, Dictionnaire de Lascaux, Bordeaux, Sud Ouest (2éd.), 2019

L’auteur :

LE BEON Guillaume est actuellement étudiant en deuxième année de master histoire recherche à l’Université Bordeaux Montaigne (2020-2021), il suit le parcours Développement Innovation Environnement. Son sujet de recherche porte sur l’histoire de la préhistoire en Périgord du XIXsiècle au début des années 1940, sous la direction du Pr. Corinne Marache.  

La potence et le gibet. Le mobilier urbain, objet social, objet d’autorité

Seulement, et c’était encore une manière d’interroger l’archidiacre, il suivit la direction de son rayon visuel, et de cette façon le regard du malheureux sourd tomba sur la place de Grève. Il vit ce que le prêtre regardait. L’échelle était dressée près du gibet permanent. Il y avait quelque peuple dans la place et beaucoup de soldats. Un homme traînait sur la pavé une chose blanche à laquelle une chose noire était accrochée. Cet homme s’arrêta au pied du gibet. Ici il se passa quelque chose que Quasimodo ne vit pas bien. Ce n’est pas que son œil unique n’eût conservé sa longue portée, mais il y avait un gros de soldats qui empêchait de distinguer le tout.

Victor Hugo, Notre-Dame de Paris, 1482, ed. Folio, 2009, Paris

Cet extrait du roman de Hugo illustre les représentations mentales des peines corporelles infligées aux criminels à l’époque moderne. Notre-Dame de Paris met en scène des images cristallisant la peine capitale dans des lieux parisiens de mise à mort, tels la place de Grève ou le gibet de Montfaucon. L’exécution publique participe au mythe de l’époque moderne, surnommée par Muchembled « le temps des supplices ». Avant 1789, la pendaison constituait en effet la peine de mort la plus commune en France à l’issue de procès. Elle était rendue possible par des installations diverses dans chaque aire urbanisée. Celles-ci sont communément appelées gibet, potence, fourches patibulaires, ou encore échelles. Ces constructions faisaient partie du paysage urbain à l’époque moderne en tant qu’infrastructures judiciaires, donc politiques et systémiques. Elles permettaient la pendaison et l’étouffement des criminels, mais aussi l’exposition de leurs cadavres. Elles pouvaient également être le lieu d’exécution d’autres peines corporelles, comme le marquage au fer rouge. La particularité du gibet ou de la potence est le caractère public qu’ils revêtent : ils permettent de rendre l’application de la justice visible à tous. Les sources mentionnant ces structures sont diverses et inégales : elles peuvent provenir des comptes des clavaires, des inventaires des seigneurs ou encore de chroniqueurs contemporains. Ces derniers montrent un intérêt particulier pour l’historien puisqu’ils permettent non seulement d’obtenir des informations physiques sur les édifices mais également d’avoir accès aux représentations mentales de la pendaison. La peine de mort constitue en soi un assassinat légal puisqu’organisé par l’autorité, mais elle est aussi un spectacle à visée morale pour un public urbain. Le gibet et la potence qui la permettent s’intègrent comme outil de l’exécution mais aussi comme symbole d’un système de l’Ancien Régime. 

Le châtiment de la peine corporelle pour le criminel : le gibet comme outil de marginalisation 

A l’époque moderne, la mise à mort est une peine infligée aux criminels par la cour de justice compétente, fixée par les lois et coutumes émanant des autorités. Afin de mettre en place ces punitions, les villes se sont dotées dès l’époque romaine d’installations de supplices comme il est question ici des gibets, des potences ou des fourches patibulaires. Ces structures se spécialisent à la Renaissance selon le type de crime. L’historienne Veronika Novák montre ainsi l’exemple de Paris où les espaces de mise à mort se particularisent au XVIe siècle en fonction de la peine (ill. 1) : le gibet de Montfaucon (ill. 2) est utilisé pour la pendaison, alors que les Halles et la Grève sont marquées par la décapitation et le parvis de Notre Dame ainsi que le marché aux Pourceaux sont plutôt réservés aux bûchers. 

Le caractère public de la peine de mort ressort du choix de ces lieux qui sont de grandes places capables de rassembler une foule. Cet effet va de pair avec l’intention de la peine capitale. Il s’agit d’abord, pour la justice, de déshonorer publiquement celui ou celle qui a fauté. Ces lieux de supplice mettent en évidence la volonté de marginaliser le criminel : sa faute est ainsi exhibée et punie devant une assemblée. La mise à l’écart des criminels porte également sur la manière d’être tué. Les pendus pouvaient voir leurs cadavres exposés publiquement plusieurs heures voire plusieurs jours jusqu’à ce que le corps se dégrade et tombe de lui-même. Le gibet constitue ainsi un outil de mise à mort mais aussi d’exposition de la mort. En outre, le criminel ne peut plus appartenir au reste de la société dans le sens où par sa mise à mort il est souvent privé de sépulture et de repos en terre sacrée. Son corps est mis à l’écart du reste de la société pour en détacher son propriétaire. La potence représente un objet d’identification sociale : il permet de différencier les bons sujets des mauvais. 

La mise en scène de l’exécution : une visée pédagogique 

Le caractère social du gibet se caractérise également par son emplacement et son utilisation publique. Les exécutions ont lieu dans des endroits ouverts au public et souvent très fréquentés : marchés, parvis d’églises. L’exemple des Halles ou de la Grève à Paris, lieux où s’installent les marchés, sont représentatifs de la volonté de la justice de rendre publics les supplices infligés aux fauteurs de troubles. L’est tout autant l’exemple de la halle de Montferrand-du-Périgord (ill. 3), accueillant foires et marchés dès le XVIe siècle et accueillant un pilier utilisé en tant que pilori. Cet effet n’est donc pas réservé qu’aux grandes villes et la localisation des installations de supplices est stratégique. Les lieux de rassemblements sont propices à l’exposition de peines et de cadavres car ils permettent de toucher un grand nombre de sujets. Il s’agit de montrer l’exemple de l’exercice de la justice, à visée pédagogique, afin de préserver l’ordre public. La théâtralisation des supplices conforte cette idée. En effet, un condamné à mort pouvait effectuer un parcours dans la ville avant de se rendre au gibet. L’itinéraire pouvait le faire passer par les lieux de son crime ; on peut y voir une volonté de repentir mais aussi d’exposition publique de la faute. Il y a donc une ritualisation sociale de la peine de mort qui entoure les lieux et installations des exécutions.

Montferrand-du-Périgord, Halles, © Mossot

La potence devient ainsi un objet de représentation collective du crime, puisqu’associé directement à sa punition. On peut le voir dans les représentations imagées du gibet ; le tableau de Brueghel l’Ancien intitulé Justicia (ill 4) montre une image collective de la mise à mort judiciaire comme le criminel contre la société. Michel Porret l’analyse comme la représentation condensée d’un processus judiciaire, qui met en évidence le châtiment corporel du criminel encouragé par la foule avide de justice et de vengeance. 

Justicia, dessin de Peter Brueghel l’Ancien, 1559, estampe de Philippe Galle, 1559-1560, Bibliothèque royale Albert I, Bruxelles 

Néanmoins, cette portée pédagogique de la part de la justice est remise en question par plusieurs auteurs ou chroniqueurs contemporains. Montaigne affirmait ainsi que « tout ce qui est au-delà de la mort simple me semble pure cruauté. Notre justice ne peut espérer que celui que la crainte de mourir et d’être décapité ou pendu ne gardera de faillir, en soit empêché par l’imagination d’un feu languissant, on des tenailles, ou de la roue. ». On voit ainsi que la présence de gibets dans les villes peut revêtir un aspect banal, qui insensibilise les populations. Plus tard, Cesare Beccaria revendique, dans un réquisitoire qui s’oppose à la peine de mort, que la peine corporelle endurcit le spectateur, et qu’elle « enseigne la « férocité » au lieu d’enseigner la répression » (Michel Porret). Le gibet et la potence deviennent un mobilier urbain polémique, puisqu’ils mettent en exergue une politique répressive déjà contestable à l’époque moderne. 

Les fourches patibulaires comme représentation d’une autorité politique 

Ces installations urbaines sont une symbolisation politique et géographique puisqu’elles dépendent de l’autorité en vigueur dans leur lieux d’ancrage. Les fourches patibulaires d’un fief représentent ainsi la qualité du seigneur par leur nombre de piliers. De plus, les armes du seigneurs encadrent ces installations. Le fait de rendre la justice est alors matérialisé dans ses outils : l’autorité du seigneur est implantée sur un territoire par la présence de gibets, de fourches ou de potences. 

Les gibets et les potences sont en général installés intramuros, contrairement aux fourches patibulaires qui se trouvent souvent à l’extérieur de la ville. Ces dernières permettent d’informer les visiteurs de l’efficacité de la justice dans la cité qu’ils sont sur le point de pénétrer, en même temps de les dissuader de commettre des méfaits. Les fourches patibulaires deviennent un instrument politique à l’égard des étrangers. Intramuros, les structures de supplices permettent de rappeler la présence mais aussi l’autorité du seigneur, même lorsqu’il n’y a pas d’exécution. Le seigneur a le pouvoir de dresser des potences occasionnelles lorsque c’est nécessaire. La construction de gibets pérennes doit toujours être validée par le roi, mais lorsque justice doit être rendue il est possible de pendre un condamné à substitut (un arbre, par exemple). 

Les sources indiquent que les fourches patibulaires ont également fonction de délimitation territoriale pour une seigneurie. Depuis le Moyen-Age, la justice est une fonction première de l’autorité seigneuriale et représente le pouvoir du seigneur. Il existe des conflits entre seigneurs quant à l’emplacement des fourches de l’un, qui empièteraient sur le fief de l’autre. La propriété d’un territoire est délimitée par l’exercice de la justice par l’autorité, matérialisée par les installations de supplice. 

Gibets et potences s’insèrent dans l’urbanisme des villes par leur fonction plurielle : punir le criminel, éduquer les sujets et asseoir une autorité. La dimension spectaculaire des exécutions publiques est véhiculée par un prisme de représentations mentales collectives qui encore aujourd’hui alimente le fantasme d’une époque moderne sanguinaire. Elle peut néanmoins éluder le caractère pragmatique du gibet comme délimitation territoriale, mais également la symbolique systémique de ces objets. Le gibet semble particulier à l’époque moderne puisqu’il est remplacé par la guillotine à partir de 1789. La finalité des deux structures peut s’apparenter, tant par l’aspect utilitaire que représentatif. 

Bibliographie indicative :

  • NOVAK Veronika, « Le corps du condamné et le tissu urbain. Exécution, pouvoir et usages de l’espace à Paris aux XVe -XVIe siècles », Société française d’histoire urbaine, « Histoire urbaine » 2016/3 n° 47, p.149-166
  • PORRET Michel, « Mise en images de la procédure inquisitoire », Sociétés & Représentations, Éditions de la Sorbonne, 2004/2 n° 18, p. 37-62
  • REGINA Christophe , « Exhiber le crime vaincu : les fourches patibulaires et la justice criminelle sous l’Ancien Régime », Criminocorpus, in « Les fourches patibulaires du Moyen Âge à l’Époque moderne. Approche interdisciplinaire », Communications, mis en ligne le 03 décembre 2015
  • VIVAS Mathieu, « Les structures de pendaison en Provence médiévale et moderne. Premières investigations interdisciplinaires », Laboratoire des Sciences Archéologiques de Bordeaux (LaScArBx), Institut Ausonius, UMR 5607 CNRS Université Bordeaux Montaigne
  • VIVAS Mathieu, « Les lieux d’exécution comme espaces d’inhumation. Traitement et devenir du cadavre des criminels (XIIe-XIVe siècle) », Revue historique, Presses Universitaires de France, 2014/2 n° 670, p. 295-312

L’auteur :

CASSIDY Elisabeth est étudiante en deuxième année de master de recherche en Histoire moderne et contemporaine à l’Université de Bordeaux Montaigne, parcours Développement, Innovation, Environnement (2020-2021) après une classe préparatoire au Lycée Condorcet (Paris IX) puis une licence Humanités Lettres et Sciences Humaines à l’Université de Paris-Nanterre. Son mémoire de recherche porte sur l’infanticide dans le Duché de Guyenne à l’époque moderne, dans une optique d’histoire sociale mêlée à l’histoire des genres, en se basant sur un corpus de sources judiciaires et sous la direction de Florence Buttay puis de Nathalie Szczech. 

Habiller la ville par le souvenir : la commémoration des animaux combattants

La France métropolitaine compte près de 36 000 communes, soit presque autant de monuments aux morts. Pourtant, aux côtés de ces nombreux soldats « morts pour la patrie », on retrouve bon nombre d’animaux militaires : chiens, chevaux ou encore pigeons voyageurs. Nombreux sont ceux qui ont perdu la vie lors d’opérations à l’occasion des conflits du XXème siècle. A Paris, voilà maintenant deux ans qu’un projet de sépulture voué à ces animaux combattants du siècle dernier a été accepté pour habiller la ville, seule capitale occidentale à ne pas encore disposer d’un tel monument. Outre-Manche par exemple, le Animals in War Memorial, pour ceux qui «n’avaient pas le choix », fut inauguré à Londres en novembre 2004Mais dans d’autres villes, ces statues mémorielles sont davantage liées à l’histoire même de la ville, comme à Honningsvag (Norvège), à Cracovie (Pologne) ou encore à Simon’s Town (Afrique du Sud).

La mémoire de la ville dans la ville

La politique mémorielle concernant les animaux est une question relativement récente, car il faut attendre la fin des années 1980 pour que le fait animalier militaire intègre les réflexions mémorielles, que ce soit à l’occasion des commémorations, ou au travers de travaux historiques, anglo-saxons pour l’écrasante majorité. Le cas du chien Bamse caractérise bien cette dynamique positive sur l’établissement d’une reconnaissance sociale dans l’espace urbain de la participation des animaux à la Seconde Guerre mondiale. En 1984, à titre posthume, Bamse fut le premier à intégrer le Norges Hunde Orden (l’Ordre des Chiens Norvégiens) et cette volonté politique d’intégration de l’animal au folklore militaire ouvre la voie, au début des années 2000, à l’édification d’une statue en son nom. À Montrose (Ecosse), ville portuaire où Bamse est décédé en 1944, une statue fut érigée le 17 octobre 2006 (Fig.2) : le chien, mascotte et combattant à bord du minier norvégien Thorodd, est représenté sur un pied d’estale, dominant le port qu’il a rejoint en juin 1940 après la débâcle de la Norvège. Une plaque vient compléter le portrait du saint-bernard, expliquant ses principaux faits d’armes et son impact sur les soldats qu’il a côtoyés. 

Une statue similaire est également érigée à Honningsvag (Norvège) en 2009 (Fig.1), la ville natale de Bamse et de son maître : Oslo est alors exclue en quelque sorte de cette trajectoire mémorielle puisque si Bamse a été un symbole des soldats libres norvégiens durant le conflit, il n’y a jamais mis les pattes. Ces deux statues ne rendent pas directement hommage à tous les animaux combattants de la Seconde Guerre mondiale, mais bel et bien à un seul, Bamse, à jamais inscrit dans le paysage des villes qui ont marqué son histoire : Montrose et Honningsvag, où les statues de deux Bamse se font face par-delà la mer du Nord, présentent une mémoire commune autour de ce soldat hors du commun.

Le cas londonien : Un monument pour tous les animaux militaires

Le projet d’un monument et d’une commémoration dans l’espace urbain concernant les animaux à usages militaires naît également à la fin des années 1980 à Londres. Cet engouement traduit la vitalité récente des études animales en sciences humaines, et les travaux de Jilly Cooper via Animals in War rendent service à l’édification d’un monument imposant, garant à la fois de la mémoire envers ces animaux mais aussi de la pratique même de l’animal à des fins militaires. Le monument, d’une superficie de 300 mètres ², se situe sur Park Lane, en bordure de Hyde Park, le plus grand parc urbain d’Angleterre et en face du quartier de Mayfair, un quartier réputé pour les boutiques de luxe et les restaurants gastronomiques. Pourtant, si le monument semble occuper l’espace urbain par sa superficie, il est en réalité plus modeste dans sa perception, habillant la ville de manière discrète, malgré la couleur blanche de la pierre qui crée un contraste évident avec la végétation alentour (Fig.3). L’originalité de ce monument se concrétise par sa mobilité, puisque le monument progresse dans l’espace et se distingue par un mouvement au sol des différentes sculptures réalisées par David Backhouse : mules, ânes, chevaux et chiens avancent de part et d’autre du monument, parés de leurs équipements. Leurs visages portent l’immensité de leurs tâches à accomplir, accentuée par le bronze sombre utilisé pour les animaux en mouvement. L’autre partie du monument, à savoir la structure rocheuse blanche, crée une sorte d’arène où l’ensemble des animaux ayant servi de près ou de loin à des opérations militaires sont sculptés sur le support. S’y trouve représenté tout un bestiaire comprenant chevaux, chiens, éléphants, chameaux, rennes, pigeons, mais aussi lamas, chèvres, ou encore bovins. Le message mémoriel est international car il intègre tous les animaux utilisés à des fins militaires, quels que soient les espaces géographiques concernés, sans distinction chronologique.

(Fig.3) Animals In War Memorial, Londres, Octobre 2007, Domaine Public.

A l’extérieur de cette arène, un long texte relate les principaux faits d’armes de ces animaux : transports, transmission de messages, attaque. Le recours aux animaux combattants au cours des différents conflits est décrit et surtout illustrée sur les statues de bronze en mouvement. Toutefois, il convient d’insister sur la discrétion de ce monument : en bordure de route et de l’Hyde Park, il n’est pas très grand et les silhouettes d’animaux sculptés sur la roche nécessitent une certaine proximité pour être bien observées (Fig.3). D’une certaine façon, cette timidité visuelle semble faire écho avec les récits des soldats, qui témoignent de la discrétion des animaux au front, utilisés à leur insu, mais faisant preuve d’abnégation pour réaliser leur devoir. Comme l’édifice en atteste, ils « n’avaient pas le choix ».

Des acteurs urbains qui habillent la ville

La modestie de ces monuments en l’honneur des animaux combattants peut s’expliquer par la faiblesse des moyens financiers mis en œuvre pour l’élaboration des ouvrages. En effet, si le discours politique est présenté comme entreprenant et ouvert, la question financière ne manque pas de créer des divergences sur l’utilité sociale et urbaine d’un tel monument. A Paris, en 2018 par exemple, un quiproquo sur les financements entre la ville de Paris et l’Etat a failli coûté l’autorisation d’ériger une statue commémorative, célébrant les animaux combattants de la Première Guerre mondiale : « Une nouvelle fois, la Ville de Paris se défausse sur l’État quand il s’agit des animaux » note l’association Paris Animaux Zoopolis à l’initiative du projet. Cette dernière n’a toutefois pas baissé les bras et a permis de faire passer son projet (Fig.4), accepté à l’approche du centenaire de l’Armistice du 11 novembre 1918, preuve de la force du contexte historique et social sur cette question mémorielle.

(Fig.4) Membres de l’association Paris Animaux Zoopolis en manifestation pour l’édification d’un monument aux animaux de la Grande Guerre, Paris, Septembre 2018, Céline Carez, Le Parisien.

A Londres, le Animals In War Memorial est en grande partie financé par des dons, avec un large travail de sensibilisation de la part des historiens spécialistes de la question, Jilly Cooper en tête : près d’1,5 million € sont récoltés sur plusieurs années, permettant la construction du monument et son inauguration en novembre 2004. Pour l’historien et ceux travaillant sur les rapports hommes-animaux et la perception des animaux dans la société, l’acteur urbain fait alors preuve d’un réel investissement à la fois économique mais aussi social : il reconnaît le fait animalier dans la sphère militaire et en comprend les enjeux mémoriaux, tout en habillant la ville d’un souvenir qui s’inscrit dans l’air du temps. Nul doute que la proximité du monument avec le quartier de Mayfair a facilité la campagne de dons, la population résidente étant plutôt aisée, voire fortunée. Le monument semble répondre à une demande sociale, urbaine et historique.

Ces monuments voués aux animaux combattants remplissent la fonction mémorielle première que l’on attribue à ce genre d’édification. Mais son caractère original, à savoir l’objet animal, décore et habille la ville de façon peut-être plus poignante et remarquable, témoignage d’une demande sociale et d’une traduction dans l’espace urbain de la question animale dans nos sociétés. Les animaux civils ne sont pourtant pas en reste : au Japon, la statue d’Hachiko à la gare de Shibuya, chien qui a attendu le retour de son maître décédé pendant près de 9 ans à cette même gare, fait l’identité même de ce quartier de Tokyo. 

Indications bibliographiques :

  • BARATAY Eric, Bêtes des tranchées, des vécus oubliés, Paris, CNRS, 2013.
  • COOPER Jilly, Animals in war, Londres, Corgi, 1984
  • ORR Andrew et WHITSON Angus, Sea Dog Bamse, Edinburgh, Birlinn Ltd, 2009.

L’auteur :

BUR Alexandre est étudiant en Master 2 parcours Développement, Innovation et environnement à l’université Bordeaux Montaigne (2020-2021). Sous la direction de Christophe Bouneau, son mémoire porte sur « La trajectoire d’innovation dans l’utilisation des animaux combattants au cours du second conflit mondial : un enjeu de la guerre industrielle ? »

L’urbanisme végétalisé, une transition verte en réponse aux enjeux climatiques

L’urbanisme a cru de manière anarchique, parallèlement à l’essor de l’industrialisation au XIXème siècle et la « nature » fut oubliée dans un premier temps.

L’un des premiers à penser la ville autour des espaces végétalisés fut l’urbaniste espagnol Arturo Soria (1844-1920) qui proposa des cités linéaires, favorisant le déplacement et entourées d’espaces végétalisés. De même, si la nature garde un attrait esthétique notamment dans le courant de l’art nouveau, Le Corbusier (1887-1965) dans La Charte d’Athènes de 1933 insistait également sur l’importance des espaces verts en vue d’améliorer la qualité de l’air.

Finalement, les enjeux écologiques n’interviennent véritablement qu’à partir des années 70, avec de nouvelles réflexions urbanistiques. Dès lors, avec le réchauffement climatique, la réintroduction des espaces verts dans l’environnement urbain gagne largement en représentation. 

Luc Schuiten, un théoricien de l’urbanisme vert à l’aube des premières inquiétudes écologiques

Luc Schuiten (1944-…) est un architecte et auteur de bandes-dessinées belge qui, dès les années 1970, alors que les effets néfastes du modernisme commencent à se faire ressentir, réfléchit à l’élaboration d’habitations et de systèmes permettant de créer un écosystème basé sur un échange entre habitat et environnement. Il construit sa propre maison selon ce principe en 1976 et la dote de la première génération de panneaux solaires.

Luc Schuiten utilise des modèles biologiques pour concevoir l’espace urbain et conceptualise l’ « archiborescence », néologisme construit à partir d’architecture et arborescence, qui lui sert à nommer les architectures réalisées à partir du vivant. L’archiborescence s’applique donc autant à des constructions utilisant des structures biologiques, comme une toiture végétalisée, qu’à des structures qui s’en inspirent, comme le courant art nouveau. Dans Archiborescences, il envisage une cartographie végétale de différents lieux, notamment dans la ville de Bruxelles. Sa réflexion architecturale se fonde sur le biomimétisme : il envisage une architecture écosystémique, qui participe tant à la destruction qu’à la régénération de par son utilisation des matériaux et sa réintroduction de la nature dans l’espace urbain  (Michel, 2012).

Figure 1 : Vegetal-city de Luc Schuiten. Source :  http://www.vegetalcity.net/vegetal-city/, consulté le 10/11/2020.

Parmi ses nombreux dessins d’urbanisme vert, Luc Schuiten présente Shanghai, lui donnant des allures de cité arborescente et biomimétique. En 2010, s’y est tenue l’Exposition Universelle où le thème était justement « une ville meilleure, une vie meilleure ». De très nombreux pavillons y ont présenté des architectures écologiques et végétalisées. Parmi les architectes participant à l’Exposition, Vincent Callebaut y a obtenu une notoriété internationale grâce à ses projets présentés dans sept pavillons.

Vincent Callebaut, l’urbanisme végétalisé à la pointe de la technologie

Vincent Callebaut (1977-…) est également un architecte belge, installé à Paris où il fonde son bureau d’études en architecture « Vincent Callebaut Architectures ». Il construit son identité architecturale sur la création de bâtiments écoresponsables qui produisent plus d’énergie qu’ils n’en consomment.

Il est le concepteur de la tour Tao Zhu Yin Yuan, à Taipei, finalisée en 2018. Cette tour en double hélice, censée réduire de 50% sa consommation énergétique, est recouverte de plus de 23 000 arbres et arbustes.

Comme Luc Schuiten, Vincent Callebaut est l’auteur d’un concept, l’ « archibiotic », néologisme entre architecture, biotechnologie et technologies de l’information et de la communication qui consiste à croiser les disciplines pour la création de bâtiments verts et écoresponsables, ramener la campagne en ville ou encore, dans son concept de cité navale, respecter les écosystèmes. La mairie de Paris lui commanda une étude à l’occasion de la COP21 de 2015, Paris Smart City 2050. Le concept central de son projet était la solidarité énergétique : il utilisait au travers de ses tours et bâtiments de grande taille tous les moyens que la technologie de pointe offrait grâce aux énergies renouvelables pour produire davantage d’énergie qu’ils n’en consommaient et ainsi redistribuer le surplus aux autres bâtiments. Son idée était de lutter contre la muséification et la gentrification de Paris au travers de conceptions nouvelles. Le projet impliquait une revégétalisation urbaine massive, permettant une production agricole en ville. Selon lui, cette production participerait à la consommation directe de la cité tandis que les espaces verts limiteraient l’effet d’îlot de chaleur urbain, c’est-à-dire la restitution de la chaleur du soleil relâchée pendant la nuit par les pierres et le béton des bâtiments qui l’ont accumulée dans la journée.

FDIAS Nilson, « Conheça Paris Smart City 2050 », Viver fora dor sistema, 2020, https://viverforadosistema.org.br/conheca-paris-smart-city-2050/, consulté le 10/11/2020

Vincent Callebaud compare la radicalité de son projet au changement urbain de Paris à celle du baron Haussmann au XIXèmesiècle. Si sa réflexion sur les problèmes engendrés par une ville-musée à répondre aux enjeux contemporains et aux besoins de ses habitants est parfaitement entendable, la comparaison reste hasardeuse sur bien des aspects. Hormis la levée de fonds nécessaire à un projet d’une telle envergure, la situation socio-politique de Paris en 2015 n’a pas grand-chose avoir avec ce que le baron Haussmann a pu faire sous Napoléon III et ce, sans compter les forces de réactance que peuvent représenter la population et les spéculateurs qui maintiennent volontairement des loyers hauts à Paris. Il est toutefois probable que le Paris de 2050 imaginé par Vincent Callebaut ne devienne pas stricto-sensu le Paris que nous connaîtrons en 2050, à moins qu’il ne soit utilisé comme fil rouge par les pouvoirs publics qui l’ont commandité dans leur ligne directrice pour l’inclusion de leurs projets à venir. C’est d’ailleurs ce que présente le site Paris Futur (http://parisfutur.com/projets/paris-2050/) qui permet de découvrir de nombreux projets écoresponsables présentés par des fiches descriptives, localisables sur une carte de Paris dans un code couleur indiquant l’état d’avancement de ces projets.

Paris n’était toute fois pas dénuée d’innovations vertes avant le projet visionnaire de Vincent Callebaut. Elle avait déjà fait appel à Patrick Blanc pour plusieurs projets ponctuels.

Patrick Blanc, un botaniste créateur d’une nouvelle structure paysagiste

Patrick Blanc (1953-…), est biologiste, botaniste, chercheur au CNRS et le premier à créer un mur végétal en 1986, qu’il fait breveter en 1988.

Le système qu’il met au point pour maintenir les plantes à la verticale comprend une structure supportant une surface en feutre composite où les plantes peuvent prendre racine et être irriguées par un système d’arrosage. Il a à ce jour réalisé plusieurs dizaines de projets à travers le monde dont la façade du musée du Quai Branly en 2006 qui lui a offert une visibilité internationale.

Son projet a depuis inspiré de nombreux architectes et compagnies, comme l’entreprise lyonnaise Canevafloor (2000-2014), qui s’est spécialisée dans la dépollution de l’air par leurs surfaces végétales,  ou l’agence singapourienne WOHA Architects (1994-…), dont les objectifs affirmés sont de préparer et protéger de l’impact du changement climatique.  Phua Hong Wei, architecte associé à l’agence WOHA, a réalisé en 2016 l’Oasia Hotel, un gratte-ciel aux façades végétalisées, offrant de larges ouvertures pour des jardins intérieurs.

Figure 4 « Luciano Pia 25 Verde », Divisare, https://divisare.com/projects/283279-Luciano-Pia-25-Verde, consulté le 10/11/2020.

Que ce soit sur les toits, sur les murs ou en terrasses, les innovations dans les bâtiments végétalisés abondent et rencontrent un succès certain, tant pour la réduction de l’effet d’îlot de chaleur urbain, que pour la réduction des nuisances sonores, des effets du vent, ou simplement le contact avec la nature. En Italie, l’architecte Luciano Pia a conçu un immeuble, 25 Verde situé à Turin, constitué d’une place boisée entourée de 64 appartements dont les balcons, terrasses, jardins sont également végétalisés. A Milan, l’architecte Stefano Boeri a imaginé une tour végétalisée, le Bosco Verticale, bâtiment primé précurseur des fameuses forêts verticales de Chine. Dans les projets parisiens, devrait sortir de terre en 2022 le projet Mille Arbres, Porte Maillot, un îlot urbain végétalisé conçu comme un quartier contenant une forêt urbaine. Une idée récurrente dans les interviews d’architectes de ces projets est d’offrir le meilleur des deux mondes entre ville et campagne.

Figure 5 LAGRANGE Catherine, « Les Cités végétales de Luc Schuite, Le Point », 2010, https://www.lepoint.fr/culture/les-cites-vegetales-de-luc-schuiten-25-05-2010-458777_3.php, consulté le 10/11/2020. Et Pinterest, Les arbres de Singapour, https://www.pinterest.fr/pin/185843922105597319/, consulté le 10/11/2020

Si Paris est encore très loin de ressembler à la ville verdoyante imaginée par Vincent Callebaut, de telles villes ne sont pas pour autant des utopies. Singapour est qualifiée de ville-jardin et c’est bien ce qu’elle est en train de devenir. Certains de ses designs ne sont pas sans rappeler les cités végétales de Luc Schuiten. Contrairement à Paris, Singapour a entamé sa transition verte il y a des décennies. Avec des projets comme les Mille Arbres et l’objectif de devenir une Smart City telle qu’imaginée par Vincent Callebaut, peut être que l’horizon 2050 est possible pour changer Paris en cité-jardin et voir ce modèle rayonner sur de nombreuses métropoles urbaines malgré quelques incidents de parcours comme en Chine où certaines tours d’habitations végétalisées, par un manque d’entretien efficace, se sont retrouvées infestées de moustiques au point d’être déclarées insalubres, comme l’a présenté Franceinfo le 23 septembre 2020. 

Bibliographie indicative :

  • AVALLE Antoine, Luc Schuiten, utopie ou architecture alternative ?, 2014, Mémoire de Master, https://antoineavalle.files.wordpress.com/2016/01/avalle-antoine-mc3a9moire-luc-schuiten-utopie-ou-architecture-alternative.pdf, consulté le 24/10/2020.
  • CALLEBAUD Vincent, Paris Smart City 2050, Michel Lafon, 2015.LOFTI Mehdi, WEBER Christiane et alii, « Évolution de la place du végétal dans la ville, de l’espace vert a la trame verte », VertigO, 2012, http://journals.openedition.org/vertigo/12670, consulté le 22/10/2020.
  • MICHEL Aurélie, « La ville-Paysage du XXIe siècle : une symbiose de l’architecture et de la nature », Raison Publique, 2012, Presses universitaires de Rennes, Rennes.
  • MATHIS Charles François, PEPY Emilie-Anne, La ville végétale. Une histoire de la nature en milieu urbain (France, XIIIe-XXIe s),  Champ Vallon, 2017.

L’auteur :

LO PRESTI Flavien est étudiant en Master de recherche en histoire à l’université Bordeaux Montaigne (2020-2021). Ses recherches, dirigées par le Pr. Bouneau, portent sur l’histoire des prothèses myoélectriques. Il a présenté ses travaux lors d’une conférence, en collaboration avec la Chaire RESET, au Bordeaux Geek Festival 2020 (https://www.canal-u.tv/video/reset/protheses_et_humains_augmentes.58179).

Piétons, appuyez ?

La situation est classique : un matin d’heure de pointe, on arrive au passage piéton au moment où le « petit bonhomme » devient rouge. Avec impatience et espoir, on appuie sur le bouton, espérant voir la couleur de la silhouette passer au vert. Or, elle nous nargue, et nous fait patienter pendant ce qui semble une éternité. Un nouvel arrivant, ignorant que le bouton a déjà été pressé et espérant débloquer la situation, appuie encore sur le bouton. Attente… Éventuellement, le « petit bonhomme » décide de passer au vert. On traverse la route, en se répétant : « De toute façon, ils ne font rien ces boutons… ». Après quelques minutes, l’incident est oublié, jusqu’à la prochaine fois. 

            Si l’anecdote est banale, elle invite à s’interroger sur l’efficacité du dispositif : Qu’en est-il vraiment ? Est-ce que presser le bouton fait s’arrêter les voitures plus vite ? Est-il purement cosmétique ? Est-il même branché ? 

Un signal pour piétons à New York. 
Source : https://nypost.com/2019/07/23/city-council-passes-law-allowing-cyclists-to-follow-pedestrian-walk-signs/

Une invention new-yorkaise

Le premier passage piéton contrôlé par bouton daterait de 1964, créé par Henry Barnes, Traffic Commissionner de la ville de New York. Le rôle de ce bouton était d’arrêter le trafic automobile sur une artère passante. Sur la route, les feux étaient toujours verts, sauf si des piétons signalaient leur présence. Il s’agissait de fluidifier le trafic tout en permettant aux piétons de traverser en toute sécurité au moment où les voitures étaient arrêtées. Ce système était aussi employé pour contrôler les intersections entre les artères principales et les rues moins passantes. Le système détectait la présence d’une voiture sur la rue secondaire, et arrêtait le trafic sur la voie principale pour lui permettre de passer. 

            Mais, au fil du temps, la circulation s’est densifiée dans les rues et ce système a commencé à causer de plus en plus de problèmes. En 1975, 750 000 automobiles circulaient chaque jour à Manhattan, au cœur de New York. Cette densification du trafic et l’arrivée de la signalisation gérée par ordinateur rendirent les boutons obsolètes. Ces derniers entrèrent parfois en conflit avec le système de coordination informatique, rendant la gestion du trafic urbain moins optimale. À la fin des années 80, la plupart des boutons de passages piétons de New York fut désactivée. Aujourd’hui, sur les 3 250 boutons recensés par la ville, seulement 750 sont réellement actifs, les autres ayant été déconnectés. 

            Là où ces boutons sont actifs, le signal « traverser » n’apparaît que si le bouton est appuyé, comme il était prévu originalement par Henry Barnes. On estime qu’enlever les mécanismes des boutons déconnectés coûterait de $300 à $400 par intersection, soit un total de près de 1 million de dollars. Pour les responsables de la voirie, c’est un montant qui pourrait être investi dans d’autres projets plus importants. Pour Michael Primeggia commissaire adjoint à la circulation au département des Transports de la Ville de New York, « on y pense de temps en temps, mais on trouve toujours un meilleur moyen d’utiliser l’argent ». Pour lui, « le public aura quand même le signal pour traverser quoi qu’il arrive, c’est le principal. Il n’y a aucun mal à les laisser là où ils sont ».

Un bouton pour piétons à Londres. 
Source :https://www.ianvisits.co.uk/blog/2020/09/27/traffic-lights-being-reprogrammed-to-prefer-humans/

Des usages diversifiés

Cette invention new-yorkaise a vite été adoptée par les autres villes, et est aujourd’hui présente un peu partout dans le monde. Pourtant, les utilisations de ce bouton diffèrent. À Boston, la situation est plus organisée, bien que peut-être plus complexe. Dans la majorité des quartiers centraux, la plupart des boutons aux passages piétons sont actifs seulement la nuit, entre 19h et 7h du matin. La journée, le signal est contrôlé automatiquement. Toutefois, chaque intersection est spéciale, et les exceptions sont nombreuses. John DeBenedictis, directeur de l’ingénierie au département des Transports de Boston, explique : « on sait qu’il y aura des piétons à virtuellement tous les cycles de la journée (à certaines intersections) », l’idée étant que s’il y a tout le temps quelqu’un pour traverser, la présence de cycles automatiques réguliers permet une meilleure fluidité du trafic routier et piétonnier. 

            On trouve un fonctionnement identique de l’autre côté de l’Atlantique, à Londres, où les boutons sont automatisés en journée. Aux intersections très passantes, qu’importe si le bouton est appuyé, le temps entre les deux signaux verts est toujours le même. Le système de contrôle de la circulation britannique, le SCOOT (Split Cycle Offset Optimisation Technique) est en place sur tout le territoire. Ainsi, les mêmes principes s’appliquent dans tout le pays. Toutefois, le nombre d’intersections automatisées n’est pas le même partout. À Edimbourg, seules 15 à 20 % des 300 intersections sont automatisées  en journée. À Manchester, 40 % des intersections automatisées aux heures les plus passantes. On retrouve un système d’automatisation similaire dans les grandes villes françaises, comme à Bordeaux, où à certaines intersections très passantes comme place de la Victoire, il n’y a tout simplement pas de bouton pour permettre aux piétons de se signaler. 

Un rôle psychologique ? 

Automatisés ou non, la présence des boutons n’est pourtant pas inutile. Ceux-ci apportent une constance dans l’environnement urbain et les piétons sont plus à même d’attendre le signal pour traverser s’il y a un bouton à appuyer, qu’il fonctionne ou non. Beaucoup d’accidents impliquent des piétons traversant alors que le signal était rouge. Psychologiquement, la présence d’un bouton amènerait les gens à attendre plus longtemps le signal. L’ajout d’un indicateur lumineux ou sonore sur le bouton, indiquant que la demande est prise en compte diminuerait encore le nombre de piétons traversant d’impatience avant que le signal ne passe au vert. Cependant, sur ce sujet, les études sont contradictoires. Selon celle menée en 2006 par Ron Van Houten, psychologue comportementaliste spécialisé sur les questions de sécurité routière, la présence d’un indicateur sur le bouton diminuerait significativement le nombre de piétons qui traversent avant que le signal ne les autorise. Néanmoins, selon celle de l’US Departement of Transportation, menée en 2004, la présence d’un tel indicateur n’aurait aucun effet sur le comportement des piétons.           

 Ainsi la prochaine fois que vous vous retrouverez à attendre au passage piétons, il y a de grandes chances que ce bouton ne fasse rien pour réduire le temps d’attente. Il est cependant nécessaire de ne pas céder à l’impatience et de bien vouloir attendre que le feu passe au vert. Et si le temps d’attente vous semble trop long, dans le doute, appuyez… 

Bibliographie indicative :

L’auteur :

ROCHE-BAYARD  Thomas est étudiant en Master 2 Développement, Innovation, Environnement à l’université Bordeaux Montaigne (2020-2021). Il travaille sur l’histoire du Club des Entreprises de Mérignac (1996-2018) sous la direction du Pr. Christophe Bouneau. 

Le stade olympique de Colombes : la création d’un domaine sportif à l’occasion des Jeux Olympiques de Paris en 1924

À l’occasion des Jeux Olympiques de Paris en 1924, le stade Yves-du-Manoir de Colombes, dans les Hauts-de-Seine, fut construit pour accueillir la majorité des épreuves. Il s’agissait par la même occasion pour la France de s’affirmer comme puissance sportive. Ce n’est donc pas un hasard si cent ans plus tard, à l’occasion des Jeux de Paris de 2024, le complexe sportif de Colombes est remobilisé pour accueillir, à nouveau, certaines épreuves. De toute évidence, un tel projet constitue pour la ville nominée un enjeu économique et touristique de taille qui dépasse le simple enjeu sportif. Le stade olympique de Colombes fait figure de prouesse technique au milieu de la cité ouvrière de banlieue parisienne. Il cristallise, par son allure imposante, l’importance que prend le sport moderne dans la sphère publique au XXème siècle. Il convient donc de revenir sur les conditions de construction du stade et de saisir comment la ville s’habille pour marquer son excellence sportive à l’occasion de la « messe olympique ».

Figure 1. Plan d’ensemble des divers sites olympiques, à partir de la page 73 du Rapport officiel des Jeux Olympiques d’été 1924, libre de droit.

Les Jeux de 1924 : « dernière volonté » du Baron Pierre de Coubertin 

En juin 1921, le baron Pierre de Coubertin, père des Jeux Olympiques modernes et président du Comité International Olympique depuis sa création en 1896, appuie la candidature de Paris pour les Jeux Olympiques suivants. Paris n’est pourtant pas le favori à l’époque : le Comité lui préfère les candidatures des villes d’Amsterdam et de Los Angeles, la capitale française ayant déjà accueilli les Jeux en 1900. 

Ces derniers sont considérés par Coubertin comme un échec, « noyés dans l’Exposition universelle ». Le baron propose donc comme « dernière volonté » la nomination de Paris, acceptant le cas échéant de se retirer de son poste présidentiel « en ayant le sentiment d’avoir mené à bien son grand-œuvre ». Le Comité Olympique vote alors la nomination de Paris pour célébrer les VIIIème Jeux, dans un contexte d’après-guerre toujours très marqué, l’Allemagne ne faisant pas partie des 44 nations participantes. Il paraît essentiel pour ses organisateurs de démontrer, par ces Jeux, que la France s’est relevée de la Grande Guerre.

Le choix de Colombes : un compromis apporté par le Racing Club de France

Un problème majeur apparaît bientôt, celui de l’organisation des Jeux et de son déroulement dans les lieux adéquats. Depuis 1900, la popularité des épreuves olympiques fortement a augmenté : on prévoit ainsi près de cinq mille athlètes et environ cent mille spectateurs. Or, la capitale française ne dispose pas d’infrastructures suffisantes. Les rénovations du Parc des Princes ou bien du Stade Pershing paraissent trop onéreuses et le soutien de l’Etat est trop aléatoire, tandis que les interlocuteurs gouvernementaux du comité d’organisation se succèdent. 

C’est en décembre 1921, que le choix se porte sur la cité ouvrière de Colombes, au nord-ouest de Paris. La mairie de la ville et le président du Racing Club de France, Pierre Guillou, s’engagent à rénover le stade du Racing Club de France, propriété du journal Le Matin, pour augmenter sa capacité à soixante mille places contre 50% des bénéfices de la vente de billets. Cet agrandissement est porté par l’architecte et membre du club de rugby du Racing Club de France, Maurice Faure-Dujarric. En l’état, le stade existe depuis 1907 et accueille déjà de nombreux événements sportifs. 

Relier Colombes à Paris et au reste du monde : chemin de fer et radio

Bien que les Jeux de 1924 soient les VIIIème, ils ont constitué un vrai rôle de pionnier dans l’organisation, mais aussi dans la diffusion des épreuves. L’aménagement du stade olympique sur les seize hectares du stade du Matin (fig. 2) est accompagné d’efforts remarquables sur l’accessibilité des sites et sur la qualité des infrastructures. La ville de Colombes est reliée à la gare Saint-Lazare depuis 1854, mais pour l’occasion, une desserte ferroviaire est construite à proximité du parc olympique. 

La couverture médiatique est forte d’innovations : le stade accueil en son sein trois cent seize journalistes étrangers accrédités et cent cinquante-sept journalistes-reporters français. Les épreuves sont, pour la première fois, commentées en direct et retransmises dans l’enceinte du parc olympique. Les commentaires du « parleur inconnu », le journaliste Edmond Dehorter logé dans la nacelle d’un ballon captif, sont aussi diffusés par la T.S.F.            

Le stade olympique est agrémenté du tout premier village olympique, construit pour les cinq mille athlètes. Composé de baraques en bois sur un terrain boueux, il comporte tout de même son propre réseau électrique et d’eau courante, ainsi que toutes les commodités d’un village réel : poste et télégraphe, bar, restaurant, cabinet médical, etc.

L’agrandissement du stade : « le plus grand terrain sportif existant actuellement en France »

L’aménagement du stade est terminé en deux ans avec un budget de dix millions de francs. Selon la revue Le Génie civil : revue générale des industries françaises et étrangères, le « nouveau » stade constitue à l’époque : « le plus grand terrain sportif existant actuellement en France, et si, en Amérique et surtout en Angleterre, on peut trouver des stades de dimensions plus importantes, aucun d’eux ne l’emporte sur celui-ci par la perfection des aménagements spéciaux à la technique sportive. ». Le stade olympique (fig. 3), temple du sport moderne, se dresse au milieu de la cité ouvrière de Colombes à la place de l’ancien stade de gazon du Racing Club de France. La modernité de sa structure modifie le paysage urbain de Colombes, concurrençant les usines de pneu, de téléphonie et d’aéronautique. 

Figure 3. Stade Olympique de Colombes : vue d’ensemble, prise en avion, dans Le Génie civil : revue générale des industries françaises et étrangères, 44ème année, Tome 85, N°6, Paris, 9 août 1924, p. 125.

Long de 144 mètres, le stade peut accueillir 60 000 spectateurs dont 20000 personnes assises et couvertes. Il accueillit la cérémonie d’ouverture et de fermeture, ainsi que la plupart des épreuves d’athlétisme, de sports d’équipes et d’équitation. 

            Plus qu’un bâtiment, le stade olympique de Colombes devint le symbole des Jeux et ainsi la fierté de la ville ouvrière qui le temps d’un été se retrouva au cœur d’un événement mondial. Ce stade incarna le prestige national sportif alors que la notion de nationalisme se forgeait autour du sport. Pour Paul Dietschy, le stade de Colombes faisait partie de « ces lieux qui ont fait la France contemporaine ». 

Indications bibliographiques :

Sources :

  • « Le Stade Olympique de Colombes, près de Paris », Le Génie civil : revue générale des industries françaises et étrangères, 44ème année, Tome 85, N°6, Paris, 9 août 1924, pp. 125-131, Gallica : https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k6487711r.r#

L’auteur :

MACHADO Clémentine est étudiante à l’Université Bordeaux Montaigne en deuxième année de Master d’histoire des mondes modernes et contemporains (2020-2021). Au sein du parcours Développement, Innovation et Environnement du XVIème au XXIème siècle, elle prépare, sous la direction de M. Christophe Bouneau, un mémoire de master sur l’évolution de l’habit sportif féminin de 1890 à 1939. Son étude lie l’histoire de l’innovation à celles du genre et du sport. 

La place des monuments aux morts de la Première Guerre mondiale dans l’espace public

La Première Guerre mondiale : un traumatisme sans précédent

Devenus un élément constitutif de la majorité des communes françaises, les monuments aux morts font désormais partie intégrante des espaces publics français. Lieux de recueil, ils ont un rôle commémoratif et culturel particulièrement important. Malgré leur diversité de forme, ce sont plus précisément les cénotaphes (c’est-à-dire des monuments, statues ou stèles n’abritant pas de corps) érigés suite la Première Guerre mondiale frappent par leur nombre et leur portée sur les villes françaises. Ils cristallisent les sacrifices humains et la profonde douleur d’une nation face à la brutalité de la Grande Guerre. 

            En effet, le premier conflit mondial, de 1914 à 1918, a durablement marqué les esprits par sa violence et l’échelle de ses affrontements. Ce sont ainsi près de 10 millions de soldats et plusieurs millions de civils qui ont péri aux cours de ces quatre années. A cela se sont ajoutés près de 21 millions de blessés et d’infirmes, renforçant le sentiment d’horreur et le traumatisme qu’a inspiré cet événement à la population mondiale, et plus fortement encore, à la population européenne.

 La France est l’un des pays les plus profondément atteints : une grande partie des affrontements s’est déroulée sur son sol, entraînant d’importantes destructions et, en raison de l’occupation d’une partie de son territoire (nord-est) des populations se sont déplacées vers la région parisienne, s’éloignant ainsi des affrontements. Plus encore, c’est le nombre d’hommes mobilisés (environ 8 400 000) mais surtout le nombre de morts (1,4 millions) et de blessés (plus de 3 millions), alors que la France compte à l’époque moins de 40 millions d’habitants, qui a constitué un traumatisme pour l’ensemble des familles et de la société française. 

Construire la mémoire française de la Grande guerre : le développement des monuments aux morts dans l’immédiat après-guerre

Il convient dès lors d’ériger des monuments à la mémoire des « morts pour la France » afin de leur rendre hommage et de rendre éternellement visible et présent leur sacrifice. C’est ainsi que le 10 mai 1920, une circulaire instaure la création d’une commission dans chaque département qui favorise l’exécution artistique des monuments. Le gouvernement encourage et aide financièrement les communes en vue de créer des mémoriels dans toutes les villes et villages de France. Les années 20 voient la multiplication de créations de monuments commémoratifs dans les communes françaises et ce sont près de 35 000 monuments (pour 36 000 communes de nos jours) qui sont ainsi produits entre 1920 et 1925.

 Ces derniers sont placés dans des lieux accessibles et facilitant les rassemblements lors de commémorations (notamment le 11 novembre ou plus tard le 8 mai) ou d’évènements nationaux importants (14 juillet par exemple). Ils représentent un point de repère sûr dans l’espace public des communes dans lesquelles ils sont érigés et présentent, en fonction du budget alloué par chaque commune, une grande diversité visuelle et symbolique. 

Les formes les plus classiques sont les représentations de poilus, d’allégories féminines représentant la nation (ou) la victoire, voire la paix. Le coq symbole de la France, le casque Adrian, symbole spécifique de cette guerre, ou encore les croix de guerre et lauriers sont particulièrement utilisés par les artistes. La majorité de ces monuments apparaît comme un hommage rendu aux sacrifices mais peuvent aussi incarner des notions variées comme la glorification de la victoire, revêtant un important aspect militaire, l’expression de la douleur des populations, voire plus rarement l’expression d’un sentiment de ressentiment envers l’Allemagne. 

Monument aux enfants de Verdun morts pour la France, Verdun, Meuse, 1928
Source : https://verdun-meuse.fr 

Le cas particulier du monument de Gentioux

Au milieu de cette production, parfois réalisée en série, il existe aussi des monuments profondément pacifistes. Ils apparaissent comme extrêmement rares au milieu des exaltations de la victoire de la France ou des sacrifiés pour la patrie. C’est le cas du monument de Gentioux (département de la Creuse) qui apparaît comme la parfaite représentation de ce mouvement en faveur de la paix, particulièrement important après la Der des Ders et le développement du pacifisme européen. Monsieur Duburg, conseiller municipal, propose en 1922 la création d’un monument particulier, s’éloignant des productions conventionnelles. Il comprend le nom des 58 soldats tués au cours de la guerre et inclut une sculpture en fonte réalisé par Jules Pollacchi. 

Si la forme d’obélisque fait partie des formes classiques de monuments commémoratifs, il est choisi d’y ajouter une phrase particulièrement marquante pointée par un enfant. Le conseiller précise son choix :

« Plutôt qu’un Poilu, j’ai voulu traduire un cri du cœur. J’ai donc dessiné un orphelin, en tenue d’écolier, montrant du doigt cette inscription gravée dans la pierre et qui était alors sur toutes les lèvres : « Maudite soit la guerre ! » »

« Maudite soit la guerre », c’est ainsi qu’est exprimée l’absurdité de la guerre, qui loin d’être glorifiée n’est perçue que comme une boucherie inutile. Cette inscription est d’autant plus marquante qu’on utilise un orphelin à la place d’une représentation plus guerrière. Elle montre ainsi, dans toute sa violence, les conséquences directes du conflit. La France compte plus de 986 000 orphelins en 1919, faisant de cette statue un puissant hommage aux familles brisées par la guerre. 

Ce monument a particulièrement soulevé les débats puisqu’il n’est reconnu initialement que par les élus locaux. Il faut attendre 1985 pour que le préfet et sa commission le reconnaissent officiellement. Son caractère antimilitariste a en effet irrité les autorités, notamment militaires, et les soldats défilants avaient ordre de détourner la tête en passant devant lui. Aujourd’hui encore, il est perçu comme un symbole de paix dans la région et apparaît comme un important lieu de rassemblement chaque 11 novembre. Il est la preuve même de la forte symbolique encore vivace que représentent ces monuments du passé.

Ainsi les monuments aux morts de la Première Guerre mondiale font véritablement partie intégrante de l’identité des communes françaises. Lieu géographique important au sein d’une ville du fait de sa place souvent symbolique, ce sont des lieux de tourisme et de recueillements importants. Ils revêtent ainsi une importante dimension culturelle et mémorielle, symbole d’événements majeurs de l’Histoire de France qu’il convient de ne jamais oublier.

Indications bibliographiques :

  • BECKER Annette, Les Monuments aux morts : patrimoine et mémoires de la grande guerre, Paris, Ed. Errance, 1988
  • DAVID Franck, Comprendre le monument aux morts, Talmont-Saint-Hilaire, Codex Éditions, 2013,
  • PASTEAU Philippe, « Honorer les morts », Inflexions, 2017/2 (N° 35), p. 123-128

L’auteur :

DIZAC-VOILLEQUE Hugo est actuellement étudiant en deuxième année de master histoire recherche à l’Université Bordeaux-Montaigne (2020-2021). Il suit le parcours Développement Innovation Environnement. Son sujet de recherche porte sur la trajectoire de l’innovation de l’uniforme, de l’armement et de l’équipement de l’infanterie française de 1914 à 1918, sous la direction de Christophe BOUNEAU.

La ville comme moyen d’expression politique : la revendication indépendantiste dans les villes du Pays basque espagnol.

L’espace public est une arme, un lieu de contestation. Son occupation permet la main mise sur l’expression d’idées et de revendications. Les révoltes et les manifestations en témoignent: occuper l’espace public, c’est permettre à ses idéaux, même s’ils ne sont pas acceptés, d’être entendus (ou imposés). L’espace public basque n’échappe pas à ce processus d’occupation. Les revendications politiques y sont toujours importantes et prennent différentes formes. La plus marquante est la revendication indépendantiste basque qui sature les murs des villes d’Euskadi. 

            Le « problème basque », comme il est commun de l’appeler, surgit de l’action armée des indépendantistes d’ETA (et de leur groupuscules comme Iparretarrak en France) pour arriver à proclamer l’indépendance politique du territoire basque. Cette revendication politique provient d’un important sentiment d’appartenance à une nation basque sans Etat. La lutte armée d’ETA a débuté en 1959, en pleine dictature franquiste, et s’est officiellement arrêté le 2 mai 2018 par la dissolution de l’organisation. Mais la fin de la lutte armée ne signifie pas pour autant la fin de la lutte politique, les deux ayant toujours coexisté depuis le retour de la démocratie en Espagne. Depuis la fin des années de plomb (période allant de 1981 à 1991 et marquée par une importante recrudescence des attentats d’ETA), cette politique demandant l’indépendance du Pays basque est devenue le fer de lance de partis politiques structurés comme EH Bildu (signifiant « réunir le Pays basque »). Si le débat pour l’indépendance est institutionnalisé et délégué aux partis et aux politiciens, lui et les revendications qu’il engendre sont néanmoins visibles dans chaque rue des villes basco-espagnoles. 

Habiller la ville pour faire entendre sa voix

Le street-art est un élément central de la visibilité du message politique indépendantiste. Aux murs des villes sont peints ou accrochés nombreux slogans, symboles et revendications propres aux mouvances favorables à l’indépendance. L’appel à l’indépendance est l’un des libellés les plus courants qui orne les murs basques et le gigantisme des peintures et fresques murales permet de marquer dans la ville cette revendication comme à Pasajes, non loin de San Sebastían. 

L’un des autres slogans les plus populaires est lié à une des demandes majeures de la société civile investie dans le processus de paix au Pays basque : le transfert des prisonniers basques dans des prisons en territoire basque, pour les rapprocher de leurs familles et de leur patrie. Cette revendication qui ne cesse d’être martelée par les artisans de la paix et les groupes pro-indépendantistes ne trouve d’écho ni à Madrid ni à Paris, les deux craignant, dans leurs discours officiels, que ce rapprochement et regroupement des « terroristes » (ou des prisonniers politiques selon la sympathie politique) ne favorise qu’un contrôle des prisonniers plus important de la part des leurs anciens réseaux et cellules criminelles. Pour répondre aux refus successifs de l’Etat espagnol, les militants et sympathisants taguent sur les murs l’inscription « Euskal presoak etxera » ( signifiant « les prisonniers basques chez eux ») avec diverses variantes. Outre les graffiti, la distribution et l’achat de drapeaux par les particuliers, qui les accrochent à leurs fenêtres ou balcons, démontrent également l’investissement des habitants dans la démonstration de leur identité et de leurs convictions politiques.

Drapeau pour le retour des prisonniers basques, Zarautz, Guipuzcoa, date inconnue. Crédit : Wikipédia.

Une occupation socio-territoriale de l’espace urbain

Ce phénomène est avant tout social et territorial. L’occupation de l’espace public urbain par ces revendications politiques s’exerce bien sûr dans les espaces à forte sympathie indépendantiste : on peut le voir dans la Parte Vieja de San Sebastían qui était un fief d’ETA jusqu’en 2011 et l’annonce de l’abandon progressif de la lutte armée. C’est dans cette partie de la ville que l’on retrouve encore aujourd’hui en plus grand nombre les drapeaux et inscriptions à consonance nationaliste. Les photographies ou dessins des prisonniers basques d’ETA (les etarras) sont encore visibles sur certaines vitrines des tavernes de ce quartier historiquement pro-indépendant. Il n’est néanmoins pas étonnant que les villes basques voient cette expression politique s’accroître sur leurs murs. Depuis la fin des années noires du terrorisme et le début d’un débat démocratique pacifié, beaucoup de Basques adhèrent au nationalisme basque politique et pacifique et à ses idéaux, en témoignent les résultats des dernières élections provinciales de la Communauté autonome du Pays basque : depuis 2012, les partis nationalistes représentent plus de 50% des élus à la chambre parlementaire provinciale basque.

Les problématiques du tourisme de masse en Euskadi

Ces revendications trouvent un second souffle dans l’opposition au tourisme de masse et à ce qui est considéré par les Basques comme l’« ignorance des touristes étrangers sur l’histoire basque ». Le problème est que pour beaucoup de Basques habitant dans des zones touristiques comme Bilbao ou San Sebastían, les touristes étrangers viennent dans ses villes pour passer des vacances en Espagne, ce que les habitants indépendantistes ne peuvent accepter d’entendre : pour eux la Communauté autonome du Pays basque est une entité politique à part, leur territoire est basque et non espagnol. Le sentiment d’être réduit à un simple folklorisme exacerbe les tensions entre locaux et vacanciers. Ainsi, on voit très souvent apparaître des messages sur les murs, toujours sous forme de drapeaux ou d’inscriptions, indiquant le plus souvent « This is not Spain ».

Drapeau « this is not Spain or France », Saint Sébastien, Guipuzcoa, date inconnue. Crédit : article de Laurent Perpigna Iban, « Le Pays Basque espagnol excédé par les touristes français », Vice, 31 août 2018.

Ces inscriptions proviennent souvent de militants mais les édiles municipaux réagissent également à la polémique en essaimant dans la ville, comme à San Sebastían, des drapeaux « You are in the Basque Country » à destination des touristes.

Drapeau « You are in the Basque Country », Saint Sébastien, Guipuzcoa, date inconnue. Crédit : article de Laurent Perpigna Iban, « Le Pays Basque espagnol excédé par les touristes français », Vice, 31 août 2018.

Ainsi, la ville basque devient le portrait et la toile de fond d’une appartenance nationale, de revendications politiques spécifiques et propres à des territoires urbains en quête d’identité et de la reconnaissance de cette dernière. Avec cette démonstration politique, il n’est pas rare de trouver dans les villes basques espagnoles des expressions de solidarité comme avec le déploiement de drapeaux catalans pour symboliser un soutien et des liens de solidarité entre des hommes et des territoires similaires. C’est l’expression d’une volonté d’autodétermination wilsonienne qui s’inscrit au cœur de l’espace public basque. Mais l’expression de cette identité basque dans l’espace public ne revient-il pas, paradoxalement, à reconnaître la fragilité de cette identité qu’il faut défendre ?

Indications bibliographiques :

  • Castells L., Cajal A., La autonomia vasca en la España contemporánea (1808-2008), Madrid, Marcial Pons, Historia, 2009.
  • Loyer B., « Conflit et représentations du conflit au Pays basque : la fin de l’ETA », Hérodote, vol. 158, n°. 3, 2015, pp. 16-38.
  • Hunza, « Le Pays basque et sa quête d’identité : fresques murales et autres symboles nationalistes », Le blog d’Hunza : mon carnet de voyage, publié le 6 janvier 2017, consultable sur http://www.hunza.pro/2017/01/le-pays-basque-et-sa-quete-d-identite-fresques-murales-et-autres-symboles-nationalistes.html.

L’auteur :

IRACHILO Erwan est étudiant en deuxième année de master recherche en histoire du développement, de l’innovation et de l’environnement (2020-2021) sous la direction du Pr. A. Fernandez. Il étudie le développement économique de la Biscaye entre 1914 et 1923 au travers l’analyse du capitalisme et du lobbyisme industriel biscayen, plus précisément grâce à l’étude de son influence sur Madrid et sur la politique économique de l’Espagne de la Restauration.

La ville et le feu : l’empreinte de l’incendie dans le milieu urbain

Les incendies sont définis par l’historien Pierre Grapin comme « le feu non maîtrisé, le feu sauvage, dévastateur, l’incendie, qui a de tout temps causé une légitime frayeur » dans son ouvrage Les incendies. Ce sont des événements brutaux et traumatisants qui marquent les esprits et qui peuvent laisser des traces visibles dans le paysage urbain. Notre étude est inspirée par les travaux de Valérie November, directrice de recherche au CNRS, qui écrit à ce sujet l’article « L’incendie créateur de quartier ou comment le risque dynamise le territoire » paru dans Cahiers de Géographie du Québec en 2004. Elle y développe l’exemple de Saint-Sauveur à Québec et déclare qu’il provoque « la création de nouvelles unités urbaines ». Elle fait de la reconstruction des bâtiments un enjeu majeur en affirmant qu’elle peut être envisagée selon deux perspectives différentes : la première a pour but « d’effacer efficacement les traces de la catastrophe » alors que la seconde repose sur « la menace permanente » qui pèse sur les villes. Nous allons nous reposer sur cette analyse pour développer plusieurs exemples et étudier les différentes réponses qui peuvent être apportées à ces questions. 

Le Grand incendie de Londres 

L’incendie de Londres de 1666 est l’un des événements les plus marquant que l’Europe ait connu par son ampleur sans précédent. Il naît le 2 septembre dans une boulangerie de Pudding Lane, un quartier situé au nord de la Tamise et embrase le centre historique de la ville pendant environ 3 jours. Près d’un tiers de la ville est alors détruite, soit plus de 13 000 habitations et 90 églises, dont la cathédrale Saint-Paul. L’importance des flammes devient si grande que le roi Charles II ordonne la destruction de plusieurs maisons par explosion pour maîtriser le feu. En effet, son expansion est favorisée par un des maisons principalement en bois organisées en rues étroites. 

« La Cité de Londres en 1666 », source Wikipédia

Cet événement tragique causa 8 décès et laissa près de 100 000 sans-abris. Il reste encore aujourd’hui dans les mémoires et pour rendre hommage aux sinistrés, le Monument au Grand Incendie de Londres est érigé au début des années 1670. Situé dans la Cité de Londres, il est devenu un lieu touristique à part entière. On se demande alors l’impact de cet événement sur le paysage urbain londonien. La reconstruction est entreprise très rapidement et s’étend sur près de quarante ans. Au-delà de cette reconstruction globale, l’incendie permet une transformation de la ville marquée par d’autres monuments comme la cathédrale Saint-Paul. Elle est entièrement détruite en 1666 et sa reconstruction fut confiée à l’architecte Christopher Wren. Les travaux du nouvel édifice débutèrent en 1675 pour créer une cathédrale plus imposante et majestueuse. 

Chicago : une renaissance de la ville par les cendres 

Le fort attrait pour Chicago et sa région favorise sa rapide expansion dès les années 1830. En effet, sa position géographique sur les rives du lac Michigan fait de la ville une passerelle entre la côte Atlantique et l’Ouest. Elle attire de nombreux immigrants européens qui font de cet espace une « ville champignon », où la croissance démographique et économique augmente fortement dès le milieu du XIXème siècle. Pour répondre aux besoins de cette population nouvelle, on construit rapidement des habitations, des bureaux, des commerces et mêmes des trottoirs en bois.

Carte des quartiers détruits par l’incendie de Chicago, source USA Decouverte

Dans la nuit du 8 octobre 1871, le feu se déclare dans une grange du quartier actuel de Little Italy. Pendant près de 30 heures, l’incendie se propage vers le quartier nord, traversant la Chicago River à deux reprises. On compte près de 300 victimes et 100 000 sans-abris dans un incendie qui détruit près d’un tiers de la ville. Face à l’ampleur du sinistre et au nombre de victimes, la reconstruction devient un enjeu capital pour la ville. On note que cet événement a eu un impact direct sur la conception de l’espace urbain aux Etats-Unis. L’entière reconstruction de Chicago est amorcée dans la volonté de prévenir les incendies : on développe des plans avec des rues larges et en utilisant des matériaux plus sûrs tels que les métaux. Ces innovations engendrent un nouveau modèle urbain qui est par la suite reproduit dans le pays. 

La question de la reconstruction : les débats autour de Notre-Dame de Paris 

Les incendies sont des sinistres particulièrement destructeurs qui laissent derrière eux la problématique de la reconstruction. Dans les cas de Londres et de Chicago, plusieurs propositions ont été présentées et témoignent d’une volonté d’amélioration ou de nouveauté dans le paysage urbain. Ces discussions tournent alors autour de la question : comment reconstruire ? 

Notre-Dame de Paris en feu, source Sud-Ouest 

Nous pouvons prendre l’exemple plus récent de Notre-Dame de Paris pour comprendre les enjeux contemporains de cette question. Survenu dans la soirée du 15 avril 2019, l’incendie a sous le regard du monde entier détruit une grande partie de l’édifice. Le feu s’est propagé de la charpente vers la flèche de Viollet-le-Duc construite au XIXème siècle. Les débats s’animent alors : faut-il reconstruire à l’identique ou adopter un projet nouveau ? Des propositions innovantes ont déjà par le passé été adoptées comme la pyramide du Louvre initiée par le président Mitterrand qui bouleverse le paysage architectural du musée. Un concours d’architectes est alors organisé par le gouvernement afin de sélectionner les projets qui pourraient selon Emmanuel Macron apporter « un geste architectural contemporain ». Cette annonce provoque un engouement sur les réseaux sociaux avec des propositions plus ou moins extravagante et montre l’intérêt des Français pour cette question partagé entre une volonté d’innovation et le respect du patrimoine culturel. 

En somme, ces exemples nous permettent d’affirmer que les incendies peuvent devenir des événements moteurs pour le renouvellement du paysage urbain. La reconstruction modifie en effet profondément et durablement la ville dans sa structure ou ses symboles.  

Indications bibliographiques :

L’auteur :

Pauline JANICOT est étudiante en Master 2 de recherche en Histoire, dans le parcours Développement, Innovation, Environnement à l’université Bordeaux Montaigne (2020-2021). Son mémoire porte sur les catastrophes dans le Bâtiment, plus précisément sur le cas des incendies de Bordeaux et de sa région des années 1860 aux années 1920, sous la direction de Dominique Pinsolle.