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Le phénomène des playgrounds, un espace urbain devenu terrain de jeu des artistes

« My adidas Pog’Pitch at home for the next generation». Le 9 juin 2021 le footballeur international français Paul Pogba inaugurait dans sa ville de Roissy-en-Brie un terrain à son effigie, son playground. Sur le réseau social Instagram, il publiait ainsi une vidéo promotionnelle de la création de son terrain, légendée par ces mots. De par son aspect esthétique, le terrain du joueur de Manchester United s’inscrit dans cette mode du « playground relooké » (R.Gadegbeku), tendance depuis quelques années. Le terrain de sports autrefois gris et terne devient coloré et donne un nouveau regard sur les infrastructures sportives des espaces urbains. Pour illustrer ce billet, les playgroundssélectionnés proviendront de France et massivement de la région parisienne. Evidemment, le phénomène de transformation de terrains urbains n’est pas spécifique à la capitale française, il est mondial. Cette mode de réhabilitation de terrains vient des Etats-Unis, où la culture du playground est profondément ancrée, notamment dans les grandes villes américaines.

Figure 1 – Photographie du playground de Paul Pogba en juin 2021
https://www.instagram.com/p/CP58Uc5pG-a/?utm_source=ig_embed

Le playground, un objet inscrit dans la ville

La pratique du sport habille la ville. Depuis les années 1970, certaines pratiques sportives s’approprient la ville : la rue est une piste pour la course à pied, les mobiliers urbains remplacent les skateparks. L’espace urbain devient un terrain de jeux pour les sportifs. En complément de ces pratiques sportives « qui détournent les espaces urbains » (Gilles Vieille Marchiset), les aménagements et équipements sportifs sont aussi des inscriptions particulièrement visibles dans le paysage urbain. Le playground ou terrain de jeux fait partie de ces aménagements . Dans le courant des années 1960-1970, les constructions de terrains sportifs se multiplient, et les villes se voient ainsi habillées de ces infrastructures grillagées.

Ces équipements sont aménagés par les pouvoirs publics suivant différentes démarches, en fonction des époques. D’abord voués aux écoles, ces espaces sont réappropriés par les populations urbaines, et évoluent au fil des ans. Ces espaces sportifs ouverts accessibles pour tous deviennent rapidement des lieux essentiels dans la vie urbaine. Aujourd’hui, certains de ses playgrounds urbains ont plutôt mal vieillis. La tendance est alors à la rénovation ou à la création de nouveaux terrains à l’identité marquée. Le bitume gris des terrains se pare ainsi d’œuvres d’art colorées contrastant massivement avec le paysage urbain. Si les premiers terrains urbains avaient une vocation purement sportive, certains récents playgrounds sont quant à eux de véritables objets d’art. Aujourd’hui le playground n’est plus un simple terrain de jeu, il est devenu un espace de la ville où des dynamiques économiques, sociales, artistiques ou encore politique convergent.

Le phénomène de création de playground chez les sportifs 

Le « Playground of possiblities » est le fruit d’un partenariat entre Adidas la célèbre marque à trois bandes, l’atelier Baraka, l’agence DContact et Paul Pogba. Très influencé par la culture américaine, le footballeur a ainsi choisi de construire en collaboration avec son équipementier un terrain dans sa ville Roissy-en-Brie. Le playground du joueur a été conçu dans une démarche qui se veut environnementale. Les matériaux utilisés sont à 62% issus du recyclage (dont des chaussures Adidas recyclées).  Pour ce qui est de l’aspect esthétique, le terrain est une immense représentation de Pogba sous le maillot bleu. Sont présents dans les coins du terrain les logos Adidas, le sponsor principal finançant ce projet. 

Les sportifs et les sponsors jouent un rôle déterminant pour lancer ce genre de projet, bien aidés par des artistes et des entreprises spécialisées dans la création de ces ouvrages. Les sportifs veulent inscrire une trace dans le temps et dans l’espace urbain : un playground est alors le parfait moyen pour montrer sa réussite et son attachement à ses origines. Les marques, quant à elles, veulent rendre accessible à tous la pratique du sport. A l’aide d’Adidas et Nike les deux géants de l’équipement sportif, Paul Pogba, Kylian M’Bappé, ou encore Rudy Gobert ont ainsi leur terrain dans leur ville respective, participant ainsi à ce phénomène. Inauguré en 2018 par Adidas encore une fois, le playground du quartier de Saint-Denis est lui un hommage à Zinédine Zidane. Vingt ans après, le lien entre le champion du monde français de 1998 et Saint-Denis, ville du Stade de France est toujours indélébile, et s’inscrit maintenant dans l’espace urbain.

La rénovation de playground, entre démarche artistique et promotionnelle 

Si la démarche de créer ou de rénover des playgrounds peut venir de joueurs, elle peut aussi venir d’institution. En prévision des Jeux Olympiques 2024 à Paris, la FFBB (Fédération Française de BasketBall) s’est associée à la mairie de Paris et aux collectivités locales pour mener une campagne de rénovation de playgroundsparisiens. Financée par l’Agence nationale du Sport et la Caisse d’Epargne (partenaire des Jeux de 2024), cette campagne suscite différents enjeux. D’une part, elle a pour but de promouvoir la pratique de la nouvelle discipline olympique du 3×3 en basketball. D’autre part, ces rénovations artistiques permettent « de valoriser le territoire urbain et le sport qui y est représenté » comme le souligne Pierre Rabadan adjoint au sport à la mairie de Paris, et ainsi promouvoir la ville de Paris en elle-même. Le playground du quai de Jemmapes situé en bord de Seine à Paris fait partie de ces terrains sélectionnés pour une rénovation. Vêtu de motifs rouges sur fond noir, le terrain se fait remarquer dans le paysage urbain, contrastant avec les couleurs plus classiques de la ville.

Plus étonnant, la rénovation de playground peut venir de marques éloignées du milieu du sport. TikTok, sponsor mondial officiel de l’Euro 2020, s’est ainsi associé à la ville de Paris pour restaurer le terrain du square Serpollet du 18eme arrondissement de Paris. L’artiste Vincent Bargis M7 fut nommé pour « transformer cet espace en une œuvre d’art ».

Figure 3 Photographie du playground Tik Tok du square Serpollet 
https://newsroom.tiktok.com/fr-fr/le-terrain-de-football-tiktok

Le terrain est alors recouvert de motifs aux couleurs de TikTok. La marque déclare alors avoir « souhaité renouveler son engagement auprès de ses utilisateurs français et de sa communauté locale avec un lieu où se mêlent les arts graphiques et le sport. ». Le playground devient ainsi un outil de communication, de promotion à part entière. La rénovation est bénéfique pour tous les acteurs, que ce soit pour la ville de Paris qui dispose d’un nouvel espace sportif artistique, et pour TikTok qui dispose là d’un superbe outil de promotion en plein cœur de Paris à ciel ouvert, lui permettant de s’inscrire dans une aire géographique loin du virtuel.

La durabilité de ces playgrounds dans l’espace urbain, quelle inscription dans le temps ?

Cette pratique de transformation de playground permet de donner une seconde vie à un objet urbain qui pouvait subir les assauts du temps. Les terrains dont les dalles de béton se fissuraient sont rénovés et rendent la pratique sportive de nouveau idéale. Outre le fait que pratiquer une discipline sportive sur des surfaces très colorées doit être sans doute peu optimal, post- rénovations l’enjeu pour ces terrains est de perdurer dans le temps et dans l’espace urbain, et ainsi éviter le piège de l’abandon du site. Si par le passé certains terrains ont connu des situations d’abandon, ou de non-entretien à défaut de moyens, les terrains rénovés ces derniers années sont suivis. Par exemple, le playground de Duperré dans le quartier de Pigalle change tous les trois ans depuis 2015 grâce à la collaboration entre Nike, la ville parisienne et des artistes locaux. Le terrain niché entre les façades parisiennes a ainsi évolué dans le temps et continue de durer grâce à cette politique de rénovation régulière.

Concernant l’accessibilité et l’utilisation de ces espaces, ces deux critères varient selon les terrains. Certains sont faciles d’accès comme le terrain de Duperré ouvert et gratuit toute la journée. D’autres s’inscrivent dans des temporalités différentes. Le playground rénové par TikTok dans le 18eme arrondissement est quant à lui ouvert à partir du 28 juin 2021 jusqu’aux Jeux Olympiques de 2024, la durée d’accès est ainsi limitée dans le temps.

D’autres playgrounds ont choisi la voie de de la collaboration avec les associations locales. C’est le cas du terrain de Paul Pogba, Adidas s’est entouré de l’association du quartier, leur confiant ainsi la gestion de cet espace urbain. L’association A cœur ouvert a ainsi proposé des diffusions de matches sur écran géant, mais aussi des stages et entraînement de formation au football.

En parallèle de cette volonté de durer dans le temps et de s’inscrire durablement dans l’espace urbain, la mairie de Paris a soutenu une initiative différente autour du playground. Pendant l’été 2014, l’esplanade du Pavillon de l’Arsenal dans le 4eme arrondissement s’est vêtu d’un playground éphémère. 

Figure 5 – Photographie du playground éphémère du Pavillon de l’Arsenal à l’été 2014 
https://www.pavillon-arsenal.com/fr/hors-les-murs/10206-playground.html

L’exposition temporaire a pour but de célébrer la pratique urbaine du sport et ainsi « offrir aux riverains et aux Parisiens un terrain de sport en plein cœur de Paris ». L’idée d’habiller la ville d’un playground dans un espace où il ne devrait pas être, et dont la durabilité est limitée, prend totalement à contre-pied cette dynamique de l’aménagement d’équipements sportifs durables dans l’espace urbain.

Bibliographie indicative :

Vieille Marchiset Gilles, « La construction sociale des espaces sportifs ouverts dans la ville. Enjeux politiques et liens sociaux en question », L’Homme & la Société, 2007/3-4 (n° 165-166), p. 141-159.

URL : https://www.cairn.info/revue-l-homme-et-la-societe-2007-3-page-141.htm

L’auteur :

MABILLET Etienne est étudiant en seconde année de Master Développement Innovation et Environnement à l’université de Bordeaux Montaigne (2021-2022). Son sujet de mémoire orienté sur les questions de l’innovation dans l’industrie musicale s’intitule « Une histoire du sample dans l’industrie musicale (de 1979 à nos jours) » sous la direction de M. Christophe Bouneau.

« Faites les fêtes », habillage sensoriel de la ville en fête dans le Sud-Ouest français : Dax, Mont-de-Marsan, Bayonne

Chaque année aux alentours du 15 août, l’Agur vient clôturer cinq jours de férias dans la sous-préfecture des Landes. Le concert des bandas qui s’échappe de l’enceinte des arènes de Dax disperse une atmosphère lourde et chargée d’émotions. Les festivités sont terminées : parés de rouge et de blanc, les festayres vont pouvoir se reposer et se changer avec une seule pensée en tête, revenir l’année prochaine. Chaque été, à l’occasion des fêtes aussi connues sous le nom de « Férias », la ville de Dax, réputée pour son thermalisme, se pare de ses plus belles couleurs, odeurs et sonorités. Ce n’est pas un cas isolé : à des dates certes différentes, mais dans une mesure comparable en termes d’intensité du phénomène, les fêtes de Mont-de-Marsan et de Bayonne rayonnent au cœur du Sud-Ouest français. Ainsi, temporairement, l’environnement urbain de la préfecture des Landes et de la sous-préfecture des Pyrénées-Atlantiques, se trouve transformé. Ces villes revêtent leurs plus beaux habits de lumière à l’occasion de leurs fêtes. 

Les férias de ces trois grandes villes du sud-ouest français intègrent une célèbre chanson paillarde du pèlerinage du festayre : « j’irai de Pampelune jusqu’à Bayonne…. J’irai de Dax jusqu’à Mont-de-Marsan… ». Si l’auteur de cette chansonnette a réuni ce triptyque de villes en fêtes, c’est qu’elles ont des caractères communs. D’abord, ces festivités se matérialisent sous la forme d’une rythmique courte et concise dans le paysage urbain du sud-ouest. C’est même ce qui constitue l’intérêt de ces rassemblements : la ponctualité du phénomène, justifié par le lien originel entre fêtes patronales et fêtes locales ou férias. Pour définir ce phénomène festif qui se fonde en réalité sur le modèle des fêtes de Pampelune de l’autre côté des Pyrénées, on peut reprendre la définition que proposent Alexandre Fernandez et Alexandre Traimond : « ces fêtes associent en effet défilés et réjouissances diverses censées être d’origine gasconne, à un spectacle taurin, d’origine locale, ce que l’on nomme course landaise, ou, le plus souvent possible une corrida de toros ». L’hybridation de deux pratiques est à l’origine des férias du Sud-Ouest. Néanmoins, le phénomène se reproduit dans des villes et villages de toute la Gascogne. Depuis le milieu du XXème siècle, c’est l’occasion de se rassembler entre amis, dans une ville engloutie par les libations, où les mœurs usuelles perdent, elles aussi, pendant quelques jours leurs sens. 

            En période de fêtes, la ville se métamorphose. Cet espace aux fonctionnalités multiples se transforme temporairement en un espace de libération des mœurs. Les rues, les bars, les places s’animent de sonorités festives grâce aux bandas, s’embaument d’odeurs enivrantes, se colorent de rouge et de blanc (voire d’autres combinaisons de couleurs). Bayonne, Dax et Mont-de-Marsan deviennent donc en l’espace de quatre à cinq jours des nœuds d’attractions dans le territoire du Sud-Ouest français. Des centaines de milliers de festayres venus des communes limitrophes, mais aussi de plus en plus, du reste du territoire national, se pressent dans ces cités pour goûter aux plaisirs des férias. Ils sont acteurs et témoins de transformations ponctuelles de l’urbain dont au moins trois des cinq sens de l’homme sont affectés par ces modifications : la vue, l’ouïe et l’odorat. Cependant, toutes ces modifications ne contribuent pas forcément à parer la ville de ses plus beaux atouts en termes d’habillage sonore, visuel ou olfactif. 

Un habillage visuel

L’élément le plus marquant qui matérialise la ville du Sud-Ouest en fête est la présence omniprésente d’un duo de couleurs : le rouge et le blanc. Ce modèle de fête s’inspire de celles de Pampelune, où il est coutume que les festayres se parent d’un ensemble chemise ou t-shirt blanc, pantalon blanc, foulard rouge et ceinture rouge. Dax et Bayonne ont repris ces codes et il est très rare de croiser des festayres vêtus d’une tenue qui ne les respecte pas, même si Mont-de-Marsan se pare elle-même de bleu et de blanc. Car au-delà des festayres qui, par leur masse, habillent eux-mêmes la ville, les rues sont décorées avec des petits drapeaux de couleurs rouge, blanche ou bleue. De plus, les magasins au cœur de la fête protègent souvent leurs vitrines pour éviter de potentielles dégradations. Or, il n’est pas rare que les panneaux de protection soient eux aussi décorés en reprenant un code couleur qui contribue à habiller la ville. Claude Lacour dans son article « Rouge et blanc : les couleurs de l’urbanités », aborde la notion de « village global urbain » pour décrire ces grandes villes du Sud-Ouest qui organisent des « férias ». Selon lui, Dax, Bayonne, Mont-de-Marsan deviennent globales car toute la ville se laisse entraîner et décorer par et pour la fête. Même les visiteurs de passage sont happés. Dans le même temps, l’image d’une ville tournée vers la campagne permet de mettre en avant l’aspect festif et amical au sein des murs. La manière dont les gens venus faire la fête s’habillent, la façon dont la ville se pare par la même occasion, sacre une nouvelle urbanité. « La tenue vestimentaire unique », habille la ville de couleurs, porteuses de sens : valeurs, traditions, partage, amitié, relâchement des mœurs…

Néanmoins, au petit matin, la vue encore troublée, les festayres peuvent contempler le résultat de leur nuit. Les déchets constituent un problème que l’on ne préfèrerait pas voir. Le rassemblement de milliers de personnes dans quelques rues, associé à une effervescence sociale qui modifie les manières d’agir, favorisent la production de déchets. Jusqu’à la fin des années 2000, il n’était pas rare de marcher sur une couche épaisse de verres en plastiques. Pour régler ce problème, l’utilisation de gobelets jetables a été progressivement interdite au profit des basso-beri. Ces verres en plastique nettoyables et réutilisables crées par la société Éco-cup sont devenus la norme dans les années 2010 et ont permis de déshabiller la ville de cette couche de plastique. 


Opération de nettoyage lors des fêtes de la Madeleine, 2008

Un habillage olfactif

L’odorat est aussi stimulé lors des fêtes. La ville se parfume en certains lieux et places d’odeurs de nourriture. Souvent tenus par des associations, les estanquets sont des lieux de restauration qui favorisent le développement des festivités diurnes. Pour les fêtes de Mont-de-Marsan, on les retrouve pour la plupart autour des arènes. Pour la nourriture, ces fêtes s’inspirent aussi de Pampelune, en proposant des assiettes de tapas. Marie Pendanx, docteur en géographie humaine, rappelle néanmoins que cette tradition des tapas est revisitée « à la landaise » : il n’est pas rare de sentir des odeurs de cœurs de canards qui garnissent les assiettes des festayres affamés. 

Place des arènes, Mont de Marsan, on distingue dans le coin supérieur droit des chapiteaux qui accueillent les estanquets. 

Mais des odeurs nettement moins agréables envahissent aussi les rues. Ainsi, la question des mictions sauvages a été posée par Philippe Steiner. De ses propres yeux, il a eu l’occasion d’observer des jeunes gens uriner dans la Nives qui traverse le cœur du petit Bayonne. Cette problématique n’intéresse que très peu les organisateurs. Certes, selon un article du journal Sud-Ouest datant de 1977 qu’il a pu consulter, « les petits matins blêmes des fêtes de Bayonne ne sentent pas la Lavande ». Pour autant, il faut attendre les années 2000 pour que le sujet des mictions et de la salubrité des rares sanitaires publics entre dans l’agenda municipal. De nos jours, le problème est toujours aussi tenace, même si des urinoirs ont été implantés au cœur de la fête. Mais leur nombre reste encore insuffisant, juge P. Steiner. Ainsi, la ruelle des Basques reste une rue-urinoir, autant pour les garçons que pour les filles. D’ailleurs il y a un vrai enjeu et surtout une vraie disparité entre les équipements qui permettent les mictions masculines, plus simples à mettre en place, et les mictions féminines. Le nombre de sanitaires fermés est trop peu insuffisant. Des queues se constituent et s’allongent devant ces derniers. Malgré les interdictions, les mictions sauvages sont légion si bien que certaines rues de Dax, de Bayonne et de Mont-de-Marsan se retrouvent enveloppées par une tenace odeur d’urine. 

Écriteau rappelant l’interdiction d’uriner en dehors des espaces destinés, fêtes de Bayonne, 2017.

Un habillage auditif

Dans le cadre des férias, l’utilisation de haut-parleurs n’est pas nécessaire. Les bandas, groupes de musiques typiques du Sud-Ouest français originaires de la Chalosse, sont des groupes de musiciens de tailles variables. Considérés comme plus spontanés que les harmonies ou les cliques, tout en jouant des airs aux sonorités festives, les musiciens jouent principalement des instruments à vent ou des percussions. En déambulant dans la ville, les bandas offrent un habillage sonore composé d’un répertoire influencé encore une fois par l’Espagne toute proche. En prestations informelles ou lors de cavalcades, elles sont les garantes de l’identité festive des villes du Sud-Ouest. Leurs tenues proches de celles des festayres, varient en fonction de la banda, inspirée à l’origine par les txarangas de Pampelune. 

Cependant, il ne faut pas négliger les nuisances sonores subies par les gens qui vivent au cœur de ces fêtes et qui les poussent parfois à s’exiler et à quitter la ville le temps des festivités. 

Ainsi, toute une série de transformations s’opèrent à l’occasion des fêtes dans les villes du Sud-Ouest. Sur une courte période d’effervescence où les mœurs se relâchent de toutes parts, le rouge et le blanc sautent aux yeux, tout comme les odeurs appétissantes qui s’échappent des estanquets et chatouillent les narines. Les oreilles sont réveillées grâce aux airs entraînants joués par les bandas. Cependant, la ville est capable de fautes de goûts lorsqu’elle choisit sa tenue. Ce manque de style est souvent l’œuvre des festayres venus en masse. 

Bibliographie indicative :

  • DI MÉO Guy, La géographie en fête, Paris, Orphys, 2001 
  • LACOUR Claude, « Rouge et blanc : les couleurs de l’urbanité », Revue d’Économie Régionale & Urbaine, 2005/3 (juillet), p. 421-432. https://www-cairn-info.ezproxy.u-bordeaux-montaigne.fr/revue-d-economie-regionale-et-urbaine-2005-3-page-421.htm
  • MARMANDE Francis, faites les fêtes, Paris, Éditions lignes, 2012
  • PENDANX Marie, Cultures locales et identités en pays landais, Dax, Société de Borda, 2020 (thèse de doctorat) 
  • STEINER Philippe, « Mictions impossibles. Uriner dans l’espace public aux fêtes de Bayonne », Ethnologie française, 2021/2 (Vol. 51), p. 425-440. https://www-cairn-info.ezproxy.u-bordeaux-montaigne.fr/revue-ethnologie-francaise-2021-2-page-425.htm

L’auteur :

DUPOUY Théo est un étudiant en deuxième année de Master recherche en histoire « du Développement, de l’Innovation et de l’Environnement » (DIE, 2021-2022). Il travaille sous la direction du Pr.  C. BOUNEAU sur « La trajectoire ferroviaire des Landes depuis la formation de la SNCF ».

La « réalité augmentée » en ville : Pokémon Go à la croisée du réel et du virtuel

Pokémon Go, un phénomène mondial

En 2016, un phénomène est observé dans tous les coins du globe : des joueurs, brandissant leurs portables comme s’il s’agissait d’antiques cartes au trésor, parcourent les rues à la recherche de créatures mythiques. Développé par Niantic, Pokémon Go est une application mobile sortie en juillet 2016. Le jeu attire rapidement la curiosité des consommateurs par son aspect innovant et devient même l’application la plus utilisée de l’année de sa sortie. Depuis, elle a été téléchargée plus d’un milliard de fois. En effet, basée sur le principe de géolocalisation, l’application connecte le joueur à l’espace urbain qui est par conséquent métamorphosé en espace de jeu. L’individu est ainsi poussé à se déplacer dans son environnement à la recherche de diverses créatures, les Pokémon, qu’il doit capturer. Des espaces particuliers, désignés comme les Pokéstops et les arènes, deviennent par ailleurs des lieux de rencontre et de sociabilité. Plusieurs fonctionnalités viennent agrémenter ce que l’on pourrait qualifier d’un « habillage virtuel » de la ville. Les Pokémon, à travers les écrans, s’intègrent ainsi dans le tissu urbain en se situant dans l’espace réel à l’échelle appropriée. C’est ce que l’on peut voir dans cette image (fig.1), issue d’un journal anglais (The Chronicle) et montrant un Pokémon dans le quartier de Quayside à Newcastle (UK).  

Fig 1. Un Pokémon Magicarpe à Newcastle, Angleterre. Source : https://www.chroniclelive.co.uk/news/north-east-news/rare-pokemon-go-characters-catch-11635085

L’on peut dès lors parler de « réalité augmentée ». Ce principe, il faut le noter, n’est pas nouveau : les années 2000 représentent une période d’expérimentations en ce sens. L’abbaye de Cluny propose ainsi, dès 2008, un parcours numérique à travers des bornes de réalité augmentée. Aujourd’hui, ce processus de numérisation a atteint son apogée avec ClunEtour, une application développée par la société Paztec (fig.2). Nous pouvons également citer, dans le domaine du ludique, le jeu Can You See Me Now développé en 2001 par Blast Theory et Mixed Reality Lab qui propose une expérience de « réalité mélangée », où les joueurs sont poursuivis en ville par des acteurs usant de téléphones portables pour les traquer. 

Fig 2. Visite numérique de l’abbaye de Cluny. Source: https://www.lejsl.com/culture-loisirs/2021/07/27/avec-le-numerique-l-abbaye-de-cluny-fait-voyager-dans-le-temps

La réalité augmentée comme composant essentiel de la ville hybride et de l’individu numérique

Fig 3. Avatar d’un joueur géolocalisé dans la ville. Source : ADLAKHA, D., et al. (2017). 

C’est par l’application de diverses techniques innovantes, telles que le système du positionnement par satellite (GPS, Galileo) ou la triangulation, que la « réalité augmentée » acquiert ses lettres de noblesse. En effet, celles-ci placent l’individu (et les objets) dans l’espace urbain et dans l’espace virtuel. Nous pouvons y voir une démultiplication des réalités, incombées d’un point central : l’individu, qui se déplace dans la ville hybride. Cette dernière est caractérisée par cette interaction inédite entre la technologie du virtuel et l’espace physique. De ce mariage naît ce qu’Antoine Picon qualifie d’« individu numérique », dont les comportements et les habitudes s’adaptent à cette nouvelle couche de la réalité. Les applications mobiles influenceraient la façon d’appréhender l’espace, et par conséquent d’interagir avec. C’est ainsi désormais que se perçoit le joueur (fig.3), représenté par un avatar qui se place dans l’espace de la ville. Le jeu le pousse à redécouvrir ce même espace en lui présentant des points et des lieux d’intérêt. Richard Hu évoque le concept « smart work », une façon unique de travailler propre à l’âge smart ; nous évoquons ici le concept de « smart living », défini par une façon inédite d’appréhender et de redécouvrir la ville dont l’enveloppe se métamorphose virtuellement, et non physiquement. Les controverses liées aux accidents de la route causés par ce jeu rejoignent cette notion, également : l’on vit la ville différemment, et cela peut être aussi bien positif que négatif.   La ville, par ailleurs, n’est pas seulement habillée de pixels qui dicteraient les habitudes et interactions entre ces individus, mais est également enrichie « de nouvelles fonctionnalités et significations ». L’on peut même parler d’une « valeur ajoutée au monde réel » (Picon, 2013). 

La réinterprétation des espaces urbains 

Si l’espace physique, lui, reste inchangé, il n’en est pas moins que la ville se métamorphose sous les yeux des passants dotés d’écrans. Plus insidieusement, le phénomène Pokémon Go pourrait bien approfondir les inégalités géographiques, et donc renforcer les fractures sociales, en privilégiant certains espaces comme lieux de sociabilité. Ainsi, se voient privilégiés les quartiers patrimoniaux, souvent habités par des populations aisées (fig.4).

Fig 4. Nombre de pokéstops pour 100 habitants à Paris. Source :  TUAL, Morgane, et al. (2016)

Le fossé entre la ville et la campagne est d’autant plus marqué, par ailleurs. Les espaces urbains se voient également dotés de nouvelles fonctions, contribuant à ce que Picon appelle la « ludification » de la société, c’est-à-dire une « généralisation de la culture du jeu ».  Ainsi, en juillet 2016, le Musée National Auschwitz-Birkenau ainsi que l’Holocaust Memorial Museum ont fait appel à Niantic pour enlever leurs sites de l’application, jugeant cela inapproprié pour la mémoire des victimes. L’acquisition d’une fonction ludique, dans ce cas, amène en quelque sorte à l’effacement de la fonction mémorielle de ces espaces. L’habit virtuel sert ici de grille de lecture pour réinterpréter les espaces urbains et même en déformer leur fonction. La ville change aussi bien que l’individu. 

Conclusion

Habiller la ville…mais de quelle manière ? L‘ère du digital amène des nouvelles formes d’« habit » qui affecte non pas la structure formelle de la ville, mais joue sur notre perception de celle-ci. Nos interactions et nos habitudes sont par conséquent transformées. Mais dans le futur, peut-on s‘attendre à des transformations formelles liées à cette nouvelle façon d‘appréhender l‘espace urbain ?

Bibliographie indicative :

ADLAKHA D. et al., “Pokémon Go or Pokémon Gone : How can cities respond to trends in technology linking people and space?”, Cities and Health, 1, 2017, pp. 89-94.

AKHTAR, A., “Holocaust Museum, Auschwitz want Pokémon Go hunts out”, USA Today, Mclean (Virginie), 12 juillet 2016.

GOULLIAUD, P.-F., Pokémon Go, interactions entre les joueurs et la ville, ENSA Nantes, 2020.

GRATIAN, P., “Le jeu Pokémon Go aurait causé de nombreux accidents de la route et coûté des milliards”, Ouest France, Rennes, 21 janvier 2021.

HU, R., Smart design : disruption, crisis and the reshaping of urban spaces, Londres, Routledge, 2021.

PICON, A., Smart cities, Paris, éditions B2, 2013.

TUAL, M. et al., “Pokémon Go : les multiples facteurs des inégalités géographiques”, Le Monde, 3 août 2016.

L’auteur :

VON KÄNEL Stéphanie est étudiante en Master 2 Développement, Innovation et Environnement à l’université Bordeaux Montaigne (2021-2022). Sous la direction du Pr. Christophe Bouneau, elle travaille sur les trajectoires et enjeux des métaux stratégiques dans l’économie des énergies renouvelables (et le stockage énergétique) dans l’Union Européenne depuis les années 1990. Ce sujet rejoint une problématique plus générale qui est celle des ressources qui l’intéresse tout particulièrement. Avant son Master, elle a réalisé deux licences (en Histoire de l’art et en Histoire-Géographie) ainsi qu’un Erasmus à Gießen, Allemagne. 

Lumières sur la ville : L’éclairage public urbain et la lutte contre la pollution lumineuse dans le Parc naturel régional des Landes de Gascogne

Le 14 octobre 2017, le Parc naturel régional des Landes de Gascogne organisait la neuvième édition de l’événement national annuel « le Jour de la Nuit » à Sore, l’occasion de présenter les efforts de la commune en matière d’amélioration de l’éclairage public. Pour autant, cette photographie représentant la mairie de la commune lors de cette soirée met en avant le caractère éblouissant de ce mobilier urbain, la luminosité des bâtiments tranchant avec l’arrière-plan nocturne. Ce contraste témoigne du chantier que constitue la lutte contre la pollution lumineuse, et le rôle de l’éclairage public urbain dans cette lutte, à la fois poison et remède. L’état de cette luminosité à la période de cette prise de vue peut ainsi permettre de constater l’évolution et les progrès réalisés en la matière depuis lors.

De l’éclairage public à la pollution lumineuse

L’éclairage public fait partie intégrante du paysage urbain mais aussi de l’identité urbaine. Discret le jour, ce mobilier se révèle à la nuit tombée, habillant la ville de lumière. Pour autant, il éclipse par là tout autre habillage. Concentrant et focalisant la lumière, il voile autant qu’il dévoile. En effet, la ville est un espace en trois dimensions, qui ne se borne pas à son périmètre communal. Sans limites en hauteur, le ciel qui la surplombe fait partie intégrante de sa composition, constituant une sorte de plafond intangible exprimant également une forme d’habillage, une décoration illustrée par le ciel étoilé. Mais celui-ci tend à disparaître, la luminosité naturelle de la ville cédant le pas à sa luminosité artificielle.

Figure 2 : Les habits de lumière de la ville
Source : Réalisation personnelle

Fleurissant en milieu urbain à partir du XVIIe siècle, l’éclairage public avait comme fonction originelle d’assurer la sécurité et le confort des citadins. Mais la lumière était aussi un synonyme de progrès, de rayonnement et donc de prestige pour la ville. Elle symbolisait le recul des ténèbres, de l’obscurantisme, repoussant l’inconnu au-delà des frontières du visible. La ville devint ainsi le théâtre d’une succession d’innovations incrémentales tendant à perfectionner cet éclairage, des lanternes aux réverbères, du gaz à l’électricité. Ce mobilier urbain est rejoint finalement par d’autres sources lumineuses, des enseignes publicitaires aux dispositifs d’éclairage des boutiques en période nocturne. Mais à partir des années 1970, les astronomes ont commencé à s’inquiéter de l’impact de l’éclairage artificiel, en particulier en milieu urbain, sur la qualité du ciel étoilé, en lien de façon plus globale avec l’essor des préoccupations autour de la protection de l’environnement. En luttant contre la pollution lumineuse, il ne s’agit dès lors plus d’en finir avec la nuit, mais de la sauver.

            La pollution lumineuse désigne l’ensemble des impacts négatifs liés à l’éclairage extérieur public et privé artificiel. Cette luminosité artificielle détériore le ciel étoilé en engendrant un phénomène de halo lumineux, mais là n’est pas sa seule conséquence sur l’environnement. En effet, elle dégrade également la biodiversité et ses habitats, en perturbant le rythme nycthéméral de certaines espèces. Celles qui sont lucifuges modifient leur cycle de vie tandis que d’autres se retrouvent piégées par la lumière, un lampadaire pouvant attirer des insectes à plus de 700 mètres, soit même au-delà de la ville. Mais l’espèce humaine est également affectée, en raison de la lumière bleue émanant des dispositifs d’éclairage, qui entraîne une diminution de la production de la mélatonine, l’hormone du sommeil, et donc nuit à la santé des populations. Enfin, elle induit une forte consommation d’énergie, 40 % de la facture d’électricité des communes étant dédiés à l’éclairage public. Les arguments économiques et écologiques finissent ainsi par se rejoindre, la production d’énergie étant également responsable de la dégradation de l’environnement.

L’émergence de la protection de l’environnement nocturne dans la politique du Parc naturel régional des Landes de Gascogne

La réponse à cette problématique peut dès lors s’effectuer au niveau des communes elles-mêmes, responsables de leur éclairage public, comme au sein du Parc naturel régional (PNR) des Landes de Gascogne. Ce territoire, créé en 1970, cherche à proposer depuis maintenant plus de 50 ans une formule politique permettant de trouver un équilibre entre la protection de l’environnement et l’animation territoriale, à travers une Charte, approuvée par les collectivités membres, qui fixe les orientations que se donne le Parc. La dernière en date, approuvée en 2014, ne mentionne cependant pas la protection de l’environnement nocturne parmi ses objectifs. Ce nouveau champ d’investigation écologique a donc été pris en charge récemment par ce PNR. A ce titre, c’est l’année 2015 qui constitue un véritable pivot. En répondant à l’appel à initiatives du ministère de l’Environnement intitulé « Territoire à Énergie Positive pour la Croissance Verte » (TEPCV), le Parc naturel régional des Landes de Gascogne redouble d’ambitions en faveur de la mise en œuvre de la transition énergétique sur son territoire. C’est donc par cet angle qu’il initie sa politique de protection de l’environnement nocturne, élaborant alors un programme de 14 mesures dont l’une vise à « Développer des programmes d’éclairage public durable ».

            Pour mener à bien cet objectif, le Parc naturel régional lance une étude en 2019 visant à établir un diagnostic de la pollution lumineuse sur son territoire et à définir des stratégies pour améliorer l’éclairage public. Même si 4000 étoiles peuvent être observées à l’œil nu dans le territoire du Parc, le diagnostic a révélé que toutes les communes sont concernées par le problème de la pollution lumineuse, en lien avec le développement urbain général. Pour autant, de forts contrastes apparaissent sur ce même territoire, les communes les moins urbanisées présentant un ciel de meilleure qualité. Cela permet de mettre en exergue le lien intrinsèque qui unit ville et pollution lumineuse.

Figure 3 : La qualité de la nuit sur le territoire du Parc naturel régional (2020)
Source : Parc naturel régional des Landes de Gascogne

Mais à l’état des lieux doit succéder l’analyse des sources, de diverses natures, de cette pollution lumineuse et la prise en compte des leviers disponibles et utilisables pour améliorer l’éclairage public. C’est d’abord la quantité de lumière émise, la puissance lumineuse quantifiée en lumens (lm), à l’origine de l’éblouissement, qui est à considérer, ainsi que sa température, mesurée en kelvin (K). En effet, c’est la température thermodynamique qui définit la « couleur » de la lumière, la lumière « bleue » correspondant à une partie du spectre visible de haute température. Il est ainsi possible de diminuer la température des ampoules en en choisissant qui ont une température inférieure à 2400 K, palier en dessous duquel elles n’émettent plus de lumière bleue. Mais plus simplement, la localisation des sources de lumière peut également jouer un rôle, selon qu’elles soient concentrées dans un même espace ou bien déconcentrées, conduisant à une fragmentation des habitats et à une irruption de la luminosité dans les milieux naturels. Il s’agit également de changer l’orientation de l’éclairage, afin qu’il n’éclaire que le sol. Une grande partie de la lumière est en effet perdue en raison de la luminosité qui part vers le ciel, inutile pour les citadins et néfaste pour l’environnement nocturne. Enfin, la temporalité de l’éclairage est également à prendre en compte, l’impact n’étant pas le même selon la période d’éclairage. Il est donc possible de proposer des périodes d’extinction de l’éclairage nocturne, avec des heures d’éclairage liées aux besoins réels des habitants. La lutte contre la pollution lumineuse s’inscrit donc à la fois dans une politique d’efficience et de sobriété énergétiques.

Des labels nationaux et internationaux pour la préservation du ciel étoilé

Pour accompagner les communes de son territoire dans cette transition, le Parc naturel régional les encourage depuis 2015 à candidater à un label national : le label « Villes et Villages étoilés ». Créé en 2009 par l’Association Nationale pour la Protection du Ciel et de l’Environnement Nocturnes (ANPCEN), il vise à récompenser les efforts menés par les communes pour la préservation de la qualité du ciel étoilé, et à les encourager à poursuivre leur démarche. L’amélioration de l’éclairage public fait ainsi partie des critères pouvant aboutir à l’obtention du label. Un concours est organisé chaque année par l’association qui le décerne aux communes, selon un système de notation par étoiles allant de 1 à 5, suivant un gradient croissant de qualité. Suite à la dernière édition de 2021, 12 villes et villages du Parc en sont pourvus.

Figure 4 : La communes du Parc naturel régional des Landes de Gascogne labellisées “Villes et Villages étoilés” (2021). Réalisation personnelle d’après les données de l’ANPCEN

Le label vient ainsi distinguer l’habillage de lumière de ces communes, où la luminosité artificielle cède le pas à la luminosité naturelle. L’obtention du sésame permet également l’affichage d’un panneau spécifique à l’entrée des villes, signalisation témoignant de l’entrée dans un territoire d’exception. A l’instar des « Villes et villages fleuris », il vise à mettre en avant les spécificités de la commune, et donc à en faire un critère de distinction. Les paysages d’entrée de ville, souffrant de la banalisation comme de la standardisation, peuvent ainsi se démarquer par l’apposition d’une image de marque.

Figure 5 : Le label « Villes et Villages étoilés » de la commune de Sore (Landes)
Source : Louis Voisin, 4 novembre 2021

Améliorer l’éclairage public dans les villes ne constitue cependant qu’un point de départ pour le Parc naturel régional. En effet, à partir de 2018, il s’est lancé dans une procédure pour candidater au label « Réserve Internationale de Ciel Étoilé » (RICE). Créé et décerné par l’International Dark-Sky Association, il récompense des territoires ayant mis en place une politique de lutte contre la pollution lumineuse et où la qualité de la nuit est exceptionnelle. Il s’agit donc d’une labellisation de plus grande échelle, à la fois car elle concerne l’ensemble d’un territoire et plus seulement une commune, mais également parce qu’elle engendre une reconnaissance mondiale. Ce label valoriserait et encouragerait ainsi les actions des communes en leur donnant une dimension et une portée internationales.

Figure 6 : Le projet de Réserve Internationale de Ciel Étoilé (RICE) dans le Parc naturel régional des Landes de Gascogne (2020)
Source : Bureau d’études RESTAURELANuit – Nicolas Bessolaz

Mais pour obtenir une labellisation aussi prestigieuse, les communes du territoire du Parc doivent mettre en œuvre une politique ambitieuse d’amélioration de leur éclairage public. C’est dans cette optique que des élus du PNR se sont rendus à la fin de l’année 2020 dans la métropole bordelaise, afin de découvrir les dispositifs qui y sont mis en œuvre pour lutter contre la pollution lumineuse. De grandes aires urbaines peuvent ainsi également partager leur expérience dans ce domaine, et inspirer des communes plus modestes, montrant que cette dynamique ne concerne pas que les villes les moins urbanisées.            La lutte contre la pollution lumineuse n’est cependant pas exempte de controverses, notamment en raison des questions que laisse planer l’extinction de l’éclairage public sur la sécurité. L’aménagement urbain est le fruit d’un compromis entre des injonctions parfois contradictoires, mais également le résultat des discussions et des échanges sur ces sujets de société. Instrument de protection de l’environnement d’échelle infra-régionale, le Parc naturel régional des Landes de Gascogne peut alors accompagner les communes de son territoire, qu’elles soient des villes ou des villages, afin de les aider à trouver un équilibre dans leur habillage d’ombres et de lumières.

Bibliographie indicative :

  • BOURGEOIS Nicolas, CHARLIER Bruno, « « Half the park is after dark » – Les parcs et réserves de ciel étoilé : nouveaux concepts et outils de patrimonialisation de la nature », L’Espace géographique, n° 42, 2013/3, pp. 200-212.
  • BOVET-PAVY Agnès, Lumières sur la ville – Une histoire de l’éclairage public urbain, Strasbourg : Arte Éditions, 2018.
  • CHALLEAT Samuel, Sauver la nuit – Comment l’obscurité disparaît, ce que sa disparition fait au vivant, et comment la reconquérir, Paris : Premier Parallèle, 2019.
  • DELEUIL Jean-Michel (dir.), Éclairer la ville autrement – Innovations et expérimentations en éclairage public, Lausanne : Presses polytechniques et universitaires romandes, 2009.
  • MILIAN Johan, « Du ciel étoilé à l’environnement nocturne, l’émergence d’un nouveau front de protection de la nature », CADORET Anne, LASLAZ Lionel (dir.), MILIAN Johan, Atlas des espaces protégés en France – Des territoires en partage ?, Paris : Muséum national d’Histoire naturelle, 2020, pp. 96-97.
  • MOSSER Sophie, « Éclairage et sécurité en ville : l’état des savoirs », Déviance et Société, n° 31,  2007/1, pp. 77-100.
  • Voir aussi le site du Parc naturel régional des Landes de Gascogne : https://www.parc-landes-de-gascogne.fr/.

L’auteur :

VOISIN Louis est étudiant en deuxième année du Master Histoire des Mondes Modernes et Contemporains (HMMC), au sein du parcours Développement, Innovation, Environnement (DIE) (2021-2022). Il réalise un mémoire de recherche intitulé « La trajectoire et le rôle du Parc naturel régional des Landes de Gascogne dans les politiques de protection de l’environnement depuis la fin des années 1960 », sous la direction de Christophe Bouneau. Il cherche ainsi à analyser la manière dont ce Parc a progressivement intégré les questions environnementales dans ses actions, s’appuyant sur son ancrage local pour mener une politique de proximité sur son territoire avec ses habitants.

Le Light painting : illuminer la ville le temps d’une projection

Figure 1: Philippe Echaroux projette ses visages d’indiens dans le jardin du Quai Branly Source: France télévision  https://www.francetvinfo.fr/culture/arts-expos/street-art/les-indiens-de-philippe-echaroux-projetes-sur-les-arbres-du-musee-du-quai-branly_4135177.html

Le street art est un mouvement artistique contemporain ainsi qu’un mode d’expression visant à sublimer l’espace urbain d’une manière éphémère. Au regard du light painting, c’est un art qui s’inspire d’innovations pour créer, revendiquer et surprendre les populations.

            Utilisé par Man Ray en 1937 ou Picasso et Gjon Mili en 1949, le light painting est une technique de photographie consistant à déplacer une source lumineuse lors d’une longue exposition. En modelant la lumière dans un état temporel éphémère, le light painting vise à illuminer l’espace urbain le temps d’une projection. Cette technique particulièrement moderne est très utilisée par l’artiste marseillais Philippe Echaroux.

Figure 2 : Light Painting Pablo Picasso Source : https://www.journal-du-design.fr/art/light-drawings-de-pablo-picasso-27863/

Qui est Philippe Echaroux ?

Philippe Echaroux a un parcours assez atypique puisqu’il n’a reçu aucune formation en photographie. En 2008, lors d’un séjour sportif dans les Landes alors qu’il a 18 ans, il se découvre une passion pour les appareils photo. La même année, il est Lauréat du Concours International de la Photographie Dior et du Concours National FNAC.  Par la suite, il s’occupe de l’image d’Adidas en 2010 et de Samsung en 2013.

            Durant cette période, il gagne en notoriété en éclairant les nuits marseillaises à travers des œuvres lumineuses. L’une des projections les plus importantes de sa carrière est sûrement celle du portrait de Zinedine Zidane sur la Corniche à Marseille, puisqu’elle lui permet d’avoir une grande visibilité à travers les journaux nationaux. 

Figure 3 : Projection du portrait de Zinedine Zidane Source:  madeinmarseille https://madeinmarseille.net/874-marseille-photographe-street-art-philippe-echaroux/

En 2014, alors qu’il commence à être reconnu dans le monde du street art, Philippe Echaroux invente le concept de street art 2.0 à travers son exposition “Painting with lights” basée sur la technique du light painting : il utilise la technologie moderne au service du street art. “En fait, ma peinture, mon médium, c’est la lumière”, affirme-t-il ainsi. 

Un artiste engagé 

Depuis ces dix dernières années, Philippe Echaroux milite pour un street art qui ne laisse aucune trace derrière lui.  Ainsi, il affiche ses œuvres au mur à l’aide de Patafix ou projette des images qui disparaissent une fois le projecteur éteint. C’est une façon pour lui de ne pas dégrader l’espace urbain tout en attirant beaucoup plus l’attention des passants avec le caractère éphémère et singulier de ses œuvres. Cet artiste très engagé définit le street art comme « L’art le plus social, qui touche Monsieur Tout-le-Monde. ».  En effet, à travers son projet Dans la mémoire du Monde, il projette des visages d’Indiens Surui sur des arbres à New York ou encore à Paris. Ce projet a pour objectif de mettre la lumière sur le combat de ce peuple autochtone du Brésil contre la déforestation.  C’est un projet de grande ampleur avec une volonté de sensibiliser sur l’urgence écologique de l’Amazonie, mis en péril par l’avidité de l’homme. “En Amazonie, j’ai photographié les visages de membres de la tribu Surui pour ensuite les projeter sur les arbres de la forêt primaire. Il m’a fallu deux années pour monter ce projet qui me tenait particulièrement à cœur. Sur place, la réalisation a duré sept jours, tout compris. C’est cela le 2.0, la capacité à faire aussi rapidement quelque chose de cette envergure. » 

Figure 4 : Visage d’indien de Philippe Echaroux projeté à New-York , Source France télévision : https://www.francetvinfo.fr/culture/arts-expos/street-art/les-indiens-de-philippe-echaroux-projetes-sur-les-arbres-du-musee-du-quai-branly_4135177.html

Ces représentations de la tribu Surui dans les arbres cherchent à dégager une idée : “Quand tu abats un arbre, c’est comme si tu abattais un homme.”  Le fait de les projeter dans des villes permet de sensibiliser un maximum de personnes. Ainsi, les villes deviennent des espaces de sensibilisation et d’information pour la population.

Des lumières pour changer la société

En octobre 2017, Philippe Echaroux présente un nouveau projet dans la ville de Los Angeles : AfterTheDream. L’objectif : sensibiliser les jeunes générations au respect de l’environnement en projetant des portraits d’habitants sur des déchets récoltés dans la ville.  Ce projet est d’une assez grande ampleur puisqu’il a en parallèle ouvert un site internet où l’on peut y publier nos propres œuvres d’art grâce aux déchets récoltés. Il a choisi de faire ce projet à Los Angeles car c’est la ville des stars, c’est une ville qui fait rêver. Ainsi, il est plus facile de faire passer son message et de sensibiliser. “Quand on dit qu’on va à Los Angeles, on pense directement au soleil, à la plage, ça vend du rêve alors qu’il y a des déchets partout. Je voulais jouer sur les clichés.”

Figure 5 : Philippe Echaroux AfterTheDream Los Angeles  Source : madeinmarseille https://madeinmarseille.net/31040-philippe-echaroux-after-dream-photo/

L’utilisation de projections de lumières dans les villes permet parfois de contraster avec le côté fade et sombre de l’environnement urbain. A travers ses œuvres lumineuses, Philippe Echaroux sensibilise et interroge les passants autour d’enjeux majeurs de notre société. En ce sens, il participe même à la Biennale de la Havane en 2015. C’est un symbole de réussite pour Philippe Echaroux puisque la Biennale est l’une des plus importantes manifestations artistiques contemporaines. 

Figure 6 : Projection de Philippe Echaroux à la  Biennale de la Havane Source : https://anotherwhiskyformisterbukowski.com/2015/06/05/painting-with-lights-la-havane/

 Ainsi, la ville, sous le feu des projecteurs, devient l’espace d’un instant porteur de messages engagés et environnementaux. 

Bibliographie indicative :

L’auteur :

PRUDHOMME Mehdi est étudiant en Master 2 Développement, Innovation et Environnement à l’université Bordeaux Montaigne (2020-2021), sous la direction du Pr. Bouneau. Son sujet porte sur le rôle multiforme de l’innovation dans l’économie du rap en France depuis 1980.

Entre la salle de projection et la télévision, retour sur la pratique du théâtre urbain sous la lumière des étoiles : le cinéma de plein air.

Figure 1  : Séance de cinéma en plein air au parc de la Villette à Paris (Alain Goustard, www.telerama.fr)

La pratique du cinéma en plein air, souvent représentée comme un véritable mode de consommation populaire à grande échelle dans les productions cinématographiques américaines est un lieu de partage unique en son genre qui est très largement illustré dans son imaginaire collectif par le fait de s’installer sur un parking, à l’intérieur de sa voiture afin d’assister à la projection d’un film nommé le drive-in.  Fondée au début des années 1900, cette activité connaît son apogée dans les années 50-60 avant de tomber dans la désuétude à partir des années 80. Cependant elle est de nos jours une façon d’apprécier le 7ème art qui revient sur le devant de la scène du fait de la pandémie de Covid. S’il s’agit le plus souvent de par sa nature d’une installation éphémère dans les centres villes et les banlieues en période estivale, le cinéma de plein air fait partie intégrante de l’habillage urbain à l’échelle internationale. Plongeons-nous donc dans l’histoire de ce cinéma sous les étoiles. 

Naissance et trajectoire du cinéma de plein air 

Avec l’invention du cinématographe (dont le terme de cinéma est dérivé) par les frères Lumière en 1895, il ne faut pas plus d’une quinzaine d’années pour observer l’apparition des premiers cinéma itinérants qui pratiquent le système de la projection en plein air. Le plus vieux d’entre eux se trouve en Australie occidentale dans la ville de Broome, le Sun Pictures Theater, qui ouvre ses portes en 1916.  

Figure 2 : Photographie de la cour de projection plein air du Sun Pictures Theater à Broome, Australie. (www.monnuage.fr)

En ce qui concerne la pratique du drive-in, le premier cinéma de cet acabit est fondé en 1933 à Camden dans le New-Jersey. Son inventeur, Richard Hollingshead fait le pari de combiner deux industries importantes pour les Américains de l’époque, qui sont le cinéma et l’automobile. Ce mode de consommation cinématographique connaît son apogée entre 1954 et 1965 aux États-Unis ou l’on ne dénombre pas moins de 4000 écrans (contre une centaine dans les années 30-40) sur le territoire nord-américain, ce qui représente environ 25% des recettes de l’industrie du film durant cette période. En Europe, il faut attendre 1960 pour voir l’arrivée d’un drive-in, appelé Autokinos en allemand, dans la ville de Gravenbruch à coté de Francfort. D’autres pays comme la France se lancent dans cette exploitation en 1967 avec une première expérience dans la commune de La Farlède dans le Var, suivie d’autres initiatives comme l’installation d’un drive-in aux halles de Rungis en 1970. 

Figure 3 : Parking du cinéma de plein air de Gravenbruch en Allemagne (www.yelp.com)

Nonobstant ce succès notable jusque dans les années 70, ce mode de consommation connaît un très net déclin en cette fin de XXsiècle : aux États-Unis, en 1994, le cinéma en plein air est réduit à 837 espaces de projection, soit une diminution de plus de 75% par comparaison au moment de son apogée. 

Le cinéma de plein air ou les travaux d’aménagement dédiés à la création d’un espace de projection dans un milieu naturel

Du fait de la nature propre aux cinémas de plein air qui impliquent la privatisation d’un espace naturel pour accueillir les spectateurs lors des projections, la question de l’emplacement devient très vite un enjeu majeur. En effet, la superficie moyenne d’un autotheater est comprise entre cinq à dix hectares en moyenne. Étant donné le besoin d’une surface plutôt conséquente, il est compliqué pour les centres-villes des métropoles américaines de remplir cet impératif. Il faut attendre la fin du second conflit mondial pour voir apparaître aux États-Unis une politique d’extension et de développement des banlieues à l’échelle nationale pour permettre à ces cinémas de pouvoir s’installer. Dès lors, on observe dans ces banlieues la création d’espaces dédiés nommés les theatre parks : l’écran de cinéma est monté sur des échafaudages, le lieu de projection est équipé d’une cafétaria pour permettre aux spectateurs de pouvoir se restaurer durant le film, d’un service de garderie avec des terrains de jeux sont mis à disposition pour les enfants et les plus grands d’entre eux sont équipés de laveries automatiques, de minigolfs et de piscines. 

Figure 4 : Minigolf du Galaxy Drive-In Theatre Park dans la ville d’Ennis au Texas (http://golf-master-tips.blogspot.com)

Cette perspective d’habillage des banlieues par des cinémas de plein air ouvre la voie à toute une série d’innovations visant à optimiser l’espace requis par ces derniers pour pouvoir également les intégrer dans les centres villes. La plus notable d’entre elles apparaît au début des années 90 avec la création des airscreens. Ces écrans gonflables reposent sur une structure en PVC, ce qui permet à la fois une économie de la place nécessaire pour l’installation mais également une facilité pour le montage/démontage de ces derniers. La mode de ce type de cinéma connaît un succès populaire mondial et de nombreux pays à partir des années 60 intègrent au sein des projets d’urbanisme un emplacement réservé aux drive-in comme en Italie, au Danemark et en Allemagne pour l’Europe, mais également dans des pays comme le Japon par l’intermédiaire de la société Shochiku, qui a construit huit emplacements dédiés depuis les années 80, dont trois à Tokyo. Cependant, avec le déclin de cette pratique au fil du temps, les espaces consacrés à ces projections ont peu à peu fait l’objet de rachats par les promoteurs immobiliers afin de construire de nouveaux logements. 

Une pratique oubliée dans nos sociétés contemporaines ? 

De nos jours, le salut de ces lieux de projections tombés en désuétude est dû tragiquement à la pandémie mondiale du Coronavirus. Précisément, la fermeture des salles de cinéma traditionnelles à cause du confinement a poussé certains exploitants à recourir à la réutilisation du drive-in comme c’est le cas en Allemagne au parc des expositions de la ville d’Offenbourg. 

Figure 5 : Une famille allemande dans le drive-in d’Offenbourg en Allemagne en 2020 pendant le confinement (D.Meneu/France Télévisions)

En France, c’est le choix qu’a fait la commune de Quiberon dans le Morbihan en utilisant son aérodrome comme lieu de projection à ciel ouvert durant l’année 2020 en partenariat avec le cinéma local « Le Paradis » afin de trouver une alternative à la fermeture des salles de cinéma conventionnelles. 

Présentement, la place du cinéma de plein air dans les milieux urbains retrouve ses lettres de noblesse pendant les périodes estivales. L’arrivée des beaux jours encourage les initiatives autour des projections en plein air, comme le montre l’exemple de l’IBOAT situé à Bordeaux qui, en 2021, a organisé tous les mercredi soirs des séances de cinéma entre le 7 juillet et le 25 août dans lesquelles les spectateurs sont installés dans des transats. Ces propositions culturelles viennent donc s’intégrer le temps d’une courte période au sein des villes et dans les milieux urbains via l’installation d’un écran de projection qui modifie temporairement l’aménagement des centres et magnifie ces derniers en les érigeant au statut de théâtres sous la lumière des étoiles. 

Figure 6 : Projection d’un film en plein air au parc de la Villette de Paris à l’été 2021 (https://www.sortiraparis.com) 

Indications bibliographiques :

  • BORDAT, Francis (dir. ), ETCHEVERRY, Michel, Cent ans d’aller au cinéma : Le spectacle cinématographique aux  États-Unis, 1886-1995, Rennes, Presses universitaires de Rennes, 1995. P.103 à 109. 
  • AIRSCREEN, « Histoire du cinéma de plein-air », Le monde du cinéma en plein air et du drive-in-cinéma, consulté le 14 novembre 2021, Histoire du cinéma en plein air – AIRSCREEN 
  • LAPERRUQUE, Nicolas, « Histoire du Drive-In, le cinéma en voiture », Histo-Auto, 25 mai 2020, consulté le 11 novembre 2021, https://www.histo-auto.com/fr/actualite/673/histoire-du-drive-in-le-cinema-en-voiture
  • BORDEAUX TENDANCES, « Bordeaux : cinéma en plein air tout l’été à l’IBOAT », Bordeaux Tendances, 15 juillet 2021, consulté le 14 novembre 2021, Bordeaux : cinéma en plein air tout l’été à l’IBOAT – Bordeaux Tendances
  • HOFFMANN, Jane, « Cinéma en plein air. Le drive-in très tendance à l’heure du Covid-19 », We culte ! Le Mag Culture, 26 juillet 2020, consulté le 13 novembre 2021, https://www.weculte.com/featured/cinema-en-plein-air-le-drive-in-tres-tendance-a-lheure-du-covid-19/

L’auteur :

Josselin LORITANO est étudiant en master 2 Développement, Innovation et Environnement (DIE, 2021-22). Son sujet de mémoire porte sur « La montée en expertise historique dans le domaine du jeu vidéo », sous la direction de M. Nicolas Patin. Ce projet s’articule autour de la place et du rôle des consultants historiques employés par les studios de développement de jeu vidéo afin de comprendre leurs travaux au sein des productions vidéoludiques traitant du passé. 

Les passages piétons, plus que de simples marquages au sol ?

Le XXème siècle a consacré la place centrale de la voiture dans nos vies et nos villes, reléguant peu à peu les piétons, au départ prioritaires par rapport aux véhicules, sur les trottoirs. La signalisation routière s’est alors invitée très largement dans les environnements urbains, les tapissant de panneaux directionnels, de carrefours giratoires ou encore de marquages au sol. Les passages piétons se sont multipliés et sont devenus dès lors un élément habituel des milieux urbains, habillant l’asphalte, très majoritairement de bandes zébrées blanches en France, mais parfois jaunes comme en Suisse.

Figure 1 Une rue parisienne avec un passage piéton classique ©Vitpho

Un élément urbain à l’histoire millénaire

Les aménagements ayant pour but d’assurer la sécurité des piétons et leur permettre de traverser les rues sans danger sont apparus bien avant les automobiles, dès l’Antiquité romaine. Les passages étaient à cette époque surélevés, pour éviter aux piétons de marcher sur les pavés de la rue, et permettant de plus de faire ralentir les chars circulant dans ces villes antiques. Certains de ces plus anciens passages piétons du monde sont toujours visibles dans la célèbre ville romaine de Pompéi, figée pour l’éternité par une éruption du Vésuve en 79.

Figure 2 Passage piéton dans la ville romaine de Pompéi (Ier siècle ap.JC) ©Xerti

Ces aménagements disparaissent par la suite pendant tout le Moyen Âge, et ne reviennent dans les villes européennes qu’à partir du XVIIème siècle, notamment à Londres après le Grand incendie de 1666. Les rues parisiennes se dotent de trottoirs à partir du XVIIIème siècle, même si les piétons se déplacent encore de nombreuses années sur toute la chaussée sans distinction. Les passages piétons se répandent au début des années 1930 sous forme de passages cloutés, d’abord à Paris puis en province. Ces passages cloutés, inventés dans la Loire par François Forissier, sont constitués de gros clous plats en acier, plantés entre les pavés de la chaussée. Les premiers passages zébrés tels qu’on les connaît aujourd’hui apparaissent au début des années 1950, et supplantent complétement les passages cloutés, qui ne laissent à la postérité que l’expression « rester dans les clous ».

De simple marquage au sol à élément de décoration urbaine

Alors que les passages piétons blancs classiques sont aujourd’hui devenus omniprésents en milieu urbain, certaines villes rivalisent d’originalité pour égayer les rues et habiller l’asphalte. Ainsi certains passages piétons deviennent de véritables œuvres d’art, à la fois utiles en conservant leur fonction première, mais aussi décoratives, telles des fresques à l’horizontale. La ville de Paimboeuf (Loire-Atlantique) a par exemple des passages piétons en forme de sardines, alors que la ville de Baltimore (États-Unis) a des passages ressemblant à des fermetures éclairs. La ville japonaise d’Osaka a quant à elle décidé de décorer un passage piéton en faisant référence à la célèbre photographie des Beatles traversant un passage piéton à Abbey Road, remplaçant les quatre musiciens par des personnages de la bande-dessinée Snoopy. Le passage piéton d’Abbey Road est d’ailleurs aujourd’hui une attraction touristique à Londres.

Figure 3 Passage piéton “Snoopy sur Abbey Road”, à Osaka, Japon ©Distractify

Des passages piétons comme instruments pour améliorer la sécurité routière

D’autres villes se désintéressent du côté décoratif des passages piétons, et préfèrent s’en servir afin d’appuyer des messages de sécurité routière, et pour inciter les automobilistes à rouler moins vite, notamment près des établissements scolaires. Il existe ainsi des passages piétons avertissant les automobilistes contre les excès de vitesse avec des messages au sol sur les victimes et les peines encourues. Certaines villes, en Inde et en Europe ont fait dessiner des passages piétons donnant l’impression d’être en relief, très efficaces pour faire ralentir les voitures. C’est le cas de la petite ville islandaise de Ísafjörður, qui possède depuis 2017 des passages piétons donnant l’illusion d’être en 3D.

Figure 4 Passage piéton donnant l’illusion d’être en relief, Ísafjörður, Islande ©Gusti

Les passages piétons, nouveaux supports publicitaires 

Nos villes sont de plus en plus envahies par les supports publicitaires, les annonceurs diversifiant les supports publicitaires, et cherchant à se démarquer. Si dans l’espace urbain les murs et panneaux ont longtemps été privilégiés pour vanter les mérites de nouveaux produits, les passages piétons n’y échappent plus désormais, et pas seulement aux Etats-Unis. Dans la ville de Düsseldorf en Allemagne on peut par exemple voir un passage piéton dont une seule bande a été repeinte, ornée du logo de la marque Mr Propre. La marque de restauration Mc Donald’s a quant à elle profité de la couleur jaune des passages piétons en Suisse pour installer un passage piéton en forme de cornet de frites à Zurich.

Figure 5 Passage piéton publicitaire à Zurich, Suisse ©Distractify

Des passages piétons comme support pour des messages politiques

Les passages piétons permettent aujourd’hui non seulement de transmettre des messages publicitaires, mais aussi de soutenir des causes, et de faire passer des messages politiques. Ainsi en Amérique du Nord ou en Europe de grandes villes installent des passages piétons arc-en-ciel. Plus original, en juillet 2021 la ville de Bergerac, en Dordogne, a installé le premier passage piéton européen de France, à côté du rond-point de l’Europe. Ce passage piéton est aux couleurs bleues de L’Union européenne, avec les étoiles jaunes du drapeau, et permet de promouvoir la construction européenne.

Figure 6 Passage piéton aux couleurs du drapeau européen, Bergerac ©Alexis Cécilia-Joseph

Au-delà de leur fonction primaire de marquage au sol permettant de traverser la rue, les passages piétons ont acquis de nouveaux usages. De nombreuses villes tout autour du monde ont décidé de les utiliser de manières diverses, pour faire passer des messages en faveur de la sécurité routière ou de causes politiques, mais aussi pour créer des publicités originales, ou encore pour décorer les rues, dans l’espoir d’en faire de petits points d’attraction touristique, à l’image du célèbre passage piéton londonien d’Abbey Road. Les passages piétons ne sont ainsi plus seulement des marquages au sol parmi les autres, ils sont devenus des éléments urbains permettant d’habiller la ville.

Bibliographie indicative :

L’auteur :

Roman CLEMENCEAU est un étudiant en master d’histoire contemporaine, parcours Développement, innovation en environnement du XVIème au XXIème siècle (2021-2022). Ses recherches, encadrées par le Pr. Christophe Bouneau, portent sur l’histoire du mont Everest et la trajectoire de conquête du toit du monde, du début des années 1920 jusqu’à nos jours.

La réhabilitation des anciens bâtiments hospitaliers de la métropole de Bordeaux

La création des Centres Hospitaliers Universitaires (CHU) en 1959 avec la loi Debré a engendré une profonde restructuration des établissements hospitaliers de France, les regroupant sous la direction d’un même corps administratif. Cependant cette nouvelle loi ne fait qu’accompagner une mutation déjà existante dans le pays qui est le recours aux soins et aux consultations à l’hôpital et non plus exclusivement à domicile ou dans les nombreux dispensaires. L’hôpital devient alors un lieu de soins pour tous et non plus aux indigents et aux désespérés.

Face à l’augmentation de la population de Bordeaux au 19e siècle, l’hôpital Saint-André, vétuste, ne peut plus faire face. Quant aux hospices, autres structures d’accueil des populations, ils souffrent d’une réputation de mouroirs éparpillés aux alentours de la place d’Aquitaine (aujourd’hui place de la Victoire).

Intégrer une grande Faculté de Médecine et de Pharmacie en plein cœur de Bordeaux

Le premier grand changement opéré par la municipalité de Bordeaux consiste à regrouper plusieurs hospices en un même lieu : le nouvel hôpital de Pellegrin, inauguré en 1876. Si l’hospice Saint-Jean, situé aujourd’hui 22 cours de la Marne perpétue sa fonction médicale, l’hospice des Incurables et celui de la Maternité sont choisis pour être le siège de la nouvelle Faculté de Médecine et de Pharmacie qui vise à accueillir les étudiants du quart sud-ouest du pays. Le lieu n’est pas choisi au hasard puisque les étudiants en médecine se forment à l’hôpital Saint-André et sont logés à la Caserne Saint-Raphaël, situés à quelques centaines de mètres. Outre les contraintes budgétaires, ce sont celles du terrain qui posent problèmes : la forme trapézoïdale bordée des rues Bigot au nord (aujourd’hui rue Broca), et des Incurables au sud (aujourd’hui rue Élie Gintrac) et de maisons particulières à l’est ne permet pas une grande liberté de construction à l’architecte Jean-Louis Pascal. Celui-ci doit, en plus s’adapter aux contraintes du ministère de l’Instruction Publique que sont l’obligation de lumière, d’aération et d’espace permettant d’accueillir les enseignements de médecine et de pharmacie ainsi que des laboratoires, une bibliothèque, un musée, un jardin et les logements de fonction du personnel. De nouvelles coupes budgétaires excluent définitivement les enseignements de pharmacie qui se retrouvent transportés à la caserne Saint-Raphaël. Les travaux de la nouvelle Faculté de Médecine débutent en 1880 et son inauguration a lieu le 28 avril 1888 en présence du Président de la République Sadi Carnot. Ce grand édifice de plus de 9000 m² est caractéristique des bâtiments de la fin du 19e siècle qui sont construits selon la théorie hygiéniste : une cour centrale bordée de bâtiments longitudinaux d’au moins un étage, composés de grandes fenêtres pour en augmenter la luminosité.  La Faculté est finalement étendue à partir de 1908 après le rachat des maisons particulières situées à l’est et permet ainsi d’accueillir les enseignements de pharmacie.

Fig 1 : Plan proposé par Jean-Louis PASCAL, architecte de la faculté de Médecine de Bordeaux
Photo de Claude LAROCHE
Source : LAROCHE Claude, « Pro Scientia Urbe et Patria : l’architecture de la faculté de médecine et de pharmacie de Bordeaux, 1876-1888 et 1902-1922 » In: In Situ [En ligne], 17, 2011. Consulté le 14 novembre 2021. URL : http://journals.openedition.org/insitu/1126

Quand un nouveau site impulse la création d’un autre

Les anciens bâtiments hospitaliers de Bordeaux, rénovés selon les normes hygiénistes du 19e siècle, constituent donc des opportunités pour apporter à la ville des établissements éducatifs. La création de la nouvelle faculté de Médecine en 1888 donne d’ailleurs une impulsion à la création d’une école de santé navale, car Bordeaux malgré son statut de ville portuaire, n’en possède pas. Ce projet, porté par le médecin Albert Pitres, aboutit en 1890 et Bordeaux devient le siège de l’École Principale du Service de Santé des Armées (EPSSM), dont les locaux sont finalement installés dans l’ancien hospice des Aliénés situés cours Saint-Jean à côté du petit séminaire (aujourd’hui lycée Gustave Eiffel). Si l’école s’est dotée de nouveaux locaux dès 1893, la cour intérieure est conservée puisque idéale pour les parades militaires. De plus, comme c’est le cas pour les étudiants de la Faculté de Médecine et de Pharmacie, les médecins militaires sont formés à l’hôpital Saint-André.

La Faculté de Médecine et l’école de Santé Navale font partie de ces sites dont les bâtiments ont été détruits puis reconstruits pour satisfaire aux normes hygiénistes en vigueur à ce moment là ainsi que pour pallier à la vétusté des lieux.

Garder les anciens bâtiments pour leurs nouvelles fonctions

En revanche, certains anciens bâtiments hospitaliers n’ont pas eu à subir le même sort et ont conservé tout ou partie des bâtiments déjà existants. C’est le cas de l’ancien hôpital des Enfants situé 168 cours de l’Argonne qui, après sa fermeture en 1992, a conservé sa façade principale et les galeries situées autour du jardin intérieur qui sont transformées en Maison internationale ayant pour but d’accueillir des étudiants du monde entier. La façade opposée a, elle, été détruite pour permettre de désenclaver le site et l’ouvrir sur les rues adjacentes, facilitant ainsi l’accès à la ligne de tramways, alors en construction, qui dessert les universités de Bordeaux. Aujourd’hui, en plus des logements étudiants, certains commerces sont aussi installés dans les bâtiments, profitant ainsi du bon emplacement qu’offrent les lieux, non loin du centre-ville et très bien desservi par les transports en commun.

Fig. 2 : De l’hôpital des enfants… à la maison Internationale.

L’hôpital Xavier Arnozan de Pessac, anciennement sanatorium des Feuillas, est lui aussi doté d’anciens bâtiments hospitaliers ayant une fonction totalement différente. En effet, ce sont des bâtisses construites plus récemment qui assurent l’offre hospitalière, les anciens bâtiments ne répondant plus aux normes de prise en charge actuelles. Au lieu d’être laissées à l’abandon comme c’est aujourd’hui le cas pour le pavillon III (ancien pavillon des enfants), le CHU a décidé de tirer parti des grandes salles et des grandes fenêtres du bâtiment pour y installer le centre de culture et de loisirs du CHU de Bordeaux. De grandes salles de sports y sont donc aménagées ainsi qu’un espace photographique dédié au lieu. Le comité local des œuvres sociales du CHU de Bordeaux y a aussi élu domicile pour permettre la pratique de plusieurs activités artistiques comme la peinture, la couture ou le théâtre.

La réhabilitation des anciens bâtiments hospitaliers connaît une réelle impulsion depuis la construction du site de Pellegrin en 1876. Que ce soit pour devenir établissement d’éducation, à vocation sociale ou bien résidence particulière, ces bâtiments sont la plupart du temps améliorés pour qu’ils puissent durer dans le temps face aux mutations du système de soins français.

Si ces quelques cas concernent des réhabilitations effectuées au 19e et 20e siècles, il est intéressant de s’interroger sur le sort de l’hôpital Saint-André, le plus ancien de Bordeaux avec ses 931 ans de service en 2021. En effet, déclaré vétuste, mouroir, ne pouvant faire face à l’afflux de patients il est menacé de destruction depuis déjà presque cent ans. Même s’il est toujours en activité aujourd’hui, tous les services de chirurgie ont été fermés et des services ont été regroupés pour faire face au manque de personnel. La réhabilitation de ce grand bâtiment dont la plus grande partie entoure un jardin à la française fait débat depuis des décennies. Tantôt projeté comme hôpital de jour ou même comme hôtel, il serait intéressant de savoir ce que la municipalité Bordeaux pourrait faire pour transformer ce site faisant partie intégrante du patrimoine de la ville.

Bibliographie indicative :

  • BATTIN Jacques, « La glorieuse histoire de l’école de Santé navale à Bordeaux de 1890 à sa fermeture en 2011 » In : Histoire des sciences médicales,tome LII, n°4, 2018, pp 489-491.
  • LAROCHE Claude, « Pro Scientia Urbe et Patria : l’architecture de la faculté de médecine et de pharmacie de Bordeaux, 1876-1888 et 1902-1922 » In: In Situ [En ligne], 17, 2011. Consulté le 14 novembre 2021. URL : http://journals.openedition.org/insitu/1126
  • RICHARD-BAZIRE Anne, « La faculté de médecine et de pharmacie de Bordeaux par Jean-Louis Pascal (1876-1888 et 1902-1922) » In: Livraisons d’histoire de l’architecture, [en ligne] n°13, 2007, pp. 105-120. Consulté le 14 novembre 2021. URL : https://www.persee.fr/doc/lha_1627-4970_2007_num_13_1_1072

L’auteur :

Après deux années d’études paramédicales dans le supérieur, Claire BORDELAIS s’oriente finalement dans des études supérieures en histoire. Aujourd’hui étudiante en Master 2 Développement Innovation Environnement à l’Université de Bordeaux Montaigne (2021-2022), son sujet de master s’oriente vers la pratique médicale de l’ère post-Pasteur et s’intitule « Accoucher aux hospices civils de Bordeaux dans la première moitié du 20e s : institutions, innovations et prise en charge des nourrissons et des parturientes (1902-1952) » sous la direction de Mme Carole CARRIBON.

VIGNE, VIN ET MASCARONS

Fortune locale d’un motif décoratif dans le Bordeaux du XVIIIe siècle

Quand les masques se démasquent, la pierre devient chair ! C’est au détour d’une balade en centre-ville que vous aurez le plus de chance de faire la connaissance des mascarons, ce peuple de pierre assimilé au paysage urbain bordelais. Certains en font des héritiers de l’Antiquité, époque où les visages sculptés abondaient et servaient de décor à la vie quotidienne. D’autres y voient la continuité de l’univers chimérique médiéval, de ses gargouilles et têtes grotesques aux faciès grimaçants. S’il est possible de relier l’étymologie du terme mascaron à l’arabe mascara qui signifie bouffonnerie, c’est en Italie, à la Renaissance, que la notoriété du mascaron dit mascherone commence à s’affirmer. L’apparition discrète de ces motifs décoratifs et symboliques sur la rive gauche de la Garonne au XVIe siècle tranche avec le véritable engouement qui va suivre. Aujourd’hui, Bordeaux est une des villes qui possède le plus de mascarons en France avec environ 3 000 exemplaires recensés.  

Le mascaron, une figure emblématique du Grand Siècle bordelais ?

Les mascarons définis en 1691 par Charles d’Aviler comme « une tête chargée ou ridicule, faites à fantaisie, comme une grimace, qu’on met aux portes » poussent à scruter plus attentivement les façades bordelaises. En effet, ils trouvent leur place tantôt le long d’une corniche, sur un linteau, le fronton d’une entrée ou d’une fenêtre décorant les maisons nobles ou bourgeoises ainsi que les bâtiments publics. Bordeaux est intimement lié à son arrière-pays et aux activités vitivinicoles qui y sont pratiquées. Il n’est donc pas rare de trouver des mascarons se référant au monde du vin.

La culture de la vigne, production d’abord rurale s’imprime dans le paysage urbain en se servant entre autres des mascarons comme marqueurs. Ces motifs décoratifs concourent à forger l’identité viticole et culturelle de Bordeaux tout en apportant une plus-value à la fois symbolique mais aussi matérielle. Ces témoignages du passé contribuent au charme de la ville, ils égayent les avenues tout en offrant encore de nos jours un divertissement aux passants. Au XVIIIe siècle, les visages de pierre se répandent partout. C’est une mode qui tend à s’imposer comme un ingrédient à part entière du classicisme français. Le modèle canonique du mascaron est codifié par l’architecte Jules Hardouin-Mansart (1646-1708), adapté et enrichi à Bordeaux par son neveu Jacques Gabriel (1667-1742). Même si elles fleurissent en nombre depuis les rues de la vieille ville jusqu’aux quais des Chartrons, ces créatures ont aussi leurs détracteurs. L’architecte François Blondel vers 1750 les réduit à « une multitude de décors dont les hommes sans doctrine surchargent leurs productions ». Le mascaron endosse alors, peut-être malgré lui, un rôle important dans l’éternel débat autour de l’ornement qui a lieu tout au long de l’époque classique. 

Quand la vigne imprime la ville : itinéraire à la frontière entre art et terroir

D’après un mémoire du sculpteur Jacques Verbeckt (1704-1771), les mascarons doivent représenter des « testes de diverses divinités ». En effet, au sein du peuple de pierre se trouve une sur-représentation d’allégories mythologiques à l’image des portraits de Bacchus (fig. 1. Bacchus 56 rue du Mirail). Lorsqu’il s’agit de mascarons en lien avec l’univers vitivinicole, ce sont presque systématiquement des représentations du dieu du vin, de l’ivresse et de la fête qui s’offrent à nous (fig. 2. Deux Bacchus place de la Bourse à l’angle de la rue Saint-Rémi réalisés par Claude Francin). Les références mythologiques donnent leur dimension symbolique aux visages sculptés. Pareillement à n’importe quelle divinité, on prête à Bacchus toute sorte d’apparence physique selon le goût de l’artiste ou de son mécène. Par conséquent, comme le précise l’historien de l’art Jacques Sargos « la signification d’une figure ne se déchiffre qu’en rapport avec les accessoires sculptés sur son cartouche ». Ainsi, la distinction de Bacchus se fait à l’aide de la couronne de pampres de vignes qu’il arbore, parfois parsemée de grappes de raisins et dans certains cas, de cornes d’abondance ainsi que du thyrse qu’il a en main.

Doit-on pour autant considérer que la présence de mascarons représentant Bacchus et de motifs décoratifs en lien avec la vigne et le vin, signalent obligatoirement la demeure d’un négociant en vins ? Si la réponse est parfois sans équivoque (fig. 3. Maison d’un négociant 20 Rue de la Fusterie) où nous pouvons observer la représentation de barriques, d’un tastevin ainsi que des pampres, ce n’est pas une règle établie.  

Fig. 3.  Maison d’un négociant 20 Rue de la Fusterie fin XVIIIe siècle. Crédit : Franck Bourguet

Les marchands et négociants privilégient parfois d’autres motifs comme des allégories de Neptune dieu de la mer, de Mercure dieu du commerce et patron des voyageurs en y ajoutant çà et là des bourses débordant d’écus pour montrer toute l’étendue de leur réussite. 

Néanmoins, l’empreinte du vignoble bordelais en ville reste très importante et des ornements ayant une fonction purement esthétique, sans symbolique particulière mis à part le renvoi au terroir viticole sont présents. En effet, les motifs représentant des grappes de raisins sculptées sur la pierre parsèment de nombreuses façades (fig. 4. 26 Allées de Tourny). Outre le côté esthétique et les renvois à des références mythologiques, la présence de mascarons et de décors en frontispice permet une distinction sociale. L’appel à des architectes et des ouvriers spécialisés est une entreprise onéreuse qui n’est pas accessible à toutes les bourses. Si le mascaron peut évoquer la réussite et la prospérité, il semble qu’on puisse également lui imputer une dimension politique. Celle-ci est incarnée par la présence de rappels au monde vitivinicole sur les chantiers d’envergure décidés par les différents intendants qui se sont succédés. Chacun a voulu à sa manière laisser son empreinte sur la ville par des aménagements urbains. On retrouve alors des mascarons de Bacchus surmontés de grappes de raisins sur la place de la Bourse, commandée par Boucher pour accueillir une statue équestre de Louis XIV, ou sur les allées de Tourny aménagées selon les projets d’un intendant du même nom. Cela démontre, s’il en était encore besoin, la marque très importante de la vigne et du vin sur la ville outrepassant même la fonction simplement culturelle et symbolique pour tendre vers le politique.

De la profusion à la préservation, le peuple de pierre face à sa postérité

Bordeaux regorge d’un riche patrimoine au sein duquel les références à la vigne et au vin, mises en exergue par les travaux de l’historien de l’art Jacques Zacharie, sont nombreuses et les mascarons y figurent en bonne place : « ouvrez les yeux, le vin se voit ».  Ces représentations sont le socle vivant de témoignages du passé arrachés à la pierre et incorporés à la vie quotidienne. Gardons toutefois à l’esprit que les mascarons n’ont d’humain que l’apparence, ils savent aussi mourir. Le calcaire poreux, support tendre souvent plébiscité par les outils du sculpteur, subit de plein fouet les stigmates du temps se posant ainsi en ennemi de la pérennité. Hormis d’anonymes dégradations, certains visages ont été absorbés, dissous par la ville et ses métamorphoses incessantes. Au sortir du XVIIIe siècle, la rigueur néoclassique ostracise peu à peu ce peuple de pierre sous prétexte qu’il ne ne répond pas aux canons artistiques du courant dominant. Malgré une résurrection dans la seconde moitié du XIXe siècle, à la faveur d’une bourgeoisie marchande nostalgique du siècle d’or bordelais, (fig. 5 Château Descas 3 Quai de la Paludate) la « folie du mascaron » fut définitivement emportée, à l’ombre des édifices de béton, par la modernité.  

Bibliographie indicative :

  • DAMESTOY Jean, Mascarons. Bordeaux du XVIe au XVIIIe siècle. Bordeaux, Mollat,1997.
  • FIGEAC-MONTHUS Marguerite, LACHAUD Stéphanie. Ville & Vin en France et en Europe du XVe siècle à nos jours. La Crèche, La Geste, 2021.
  • ROSENBERG Jean-Louis, Mascarons de Bordeaux. Les veilleurs de pierres. Pau, Édition Cairn, 2008.
  • SARGOS Jacques, Bordeaux, Chef-d’œuvre classique. Bordeaux, L’horizon chimérique, 2009.

L’auteur :

BOURGUET Franck est fils de viticulteur, étudiant à l’université Bordeaux Montaigne en Master 2 d’Histoire moderne et contemporaine, parcours Développement, Innovation et Environnement (2021 – 2022). Sous la direction de Stéphanie LACHAUD, il réalise actuellement un mémoire sur « Le Clairacais viticole au XVIIIe siècle ». État des lieux de ses recherches en cours dans le Carnet Hypothèse LIQUOREUX D’AQUITAINE. Développement, patrimoine et réputation des vins blancs doux et liquoreux : « À la recherche des vins blancs doux disparus de Clairac en Agenais ». https://liquoreux.hypotheses.org/354.   

Habiller la ville, signalétique et emblème : la carotte de tabac

La carotte de tabac, son origine 

La carotte de tabac est, aujourd’hui, le symbole commun à tout débit de tabac situé sur le territoire français. En effet, si l’obligation, pour les buralistes, d’exposer cette signalétique date de 1906 ; cette carotte, elle, trouve son origine plus en amont dans le temps. 

Rappelons alors que le tabac, cette plante entrée petit à petit dans l’habitude de consommation des Français, est vendue, au XVIe siècle, sous forme de feuilles ficelées les unes aux autres. Pour les consommer (qu’il s’agisse de les fumer ou de les mastiquer), il fallait les rapper, leur donnant alors une apparence s’approchant d’une carotte. 

Ill. 1 : Carotte de tabac. Source : Musée de Nouvelle-Calédonie

C’est sous Louis XIV et son célèbre ministre Colbert que la vente du tabac devint monopole royal, puis monopole d’État, une spécificité française en Europe. Cette vente reste encore aujourd’hui très encadrée, contrairement aux pays voisins et notamment l’Allemagne, qui autorise la vente aussi bien dans des superettes que dans des distributeurs automatisés.

La systématisation d’un symbole

À partir du moment où la carotte de tabac devint l’emblème des bureaux de tabac en 1906, il fallut l’exposer en dehors du bureau, visible et reconnaissable. Ainsi, elle se normalise et se standardise pour créer un repère visuel commun. Au même titre que d’autres symboles urbains (croix verte des pharmacies, poteau du barbier), cette carotte vise à créer dans un espace défini, un repère reconnaissable et identifiable. Obligation et monopole d’État (via les Douanes) rendent ce mobilier urbain uniquement lié à une sorte de commerce, la vente de tabac. 

A ce titre, sont définies des formes, tailles et couleurs qui garantissent l’unité et la standardisation de cette signalétique, même si plusieurs évolutions sont apparues au cours du temps. Par exemple, la carotte, à l’origine, marron, est devenue rouge ; de même si le mot « tabac » n’était pas visible dans les premiers temps, son inscription sur la carotte est aujourd’hui obligatoire.  

Ill. 2 : Carotte de buraliste, fin 19e siècle. Source : Musée de Normandie
Ill. 3 : Carotte de tabac avec éclairage néon. Source : Le monde du tabac

Enfin, la carotte connaît sa dernière modification (arrêté du 13 février 2020) bien plus récemment, avec une obligation d’éclairage. Elle entre alors dans le cadre d’un mobilier urbain nocturne et plus seulement diurne. Par ailleurs, comme la carotte en elle-même ne suffit pas toujours, elle peut, outre sa forme losange et sa couleur rouge, être adaptée aux couleurs bleues, blanc et rouge.

Ill. 4 : Nouvelle carotte de tabac tricolore. Source : Le monde du tabac

Enfin, si un modèle unique d’enseigne n’existe pas en tant que tel, un choix restreint de carotte est approuvé. Ce catalogue doit correspondre aux modèles et marques déposés auprès de l’INPI (Institut National de la Propriété Intellectuelle) et/ou par l’organisation professionnelle représentant les buralistes. Ce symbole, véritable repère pour les consommateurs, comme pour les non-consommateurs du tabac, est aujourd’hui définitivement ancré dans l’espace urbain puisqu’il existe environ 24 000 bureaux/débits de tabac. Plus encore, il fait partie d’un imaginaire commun, spécifiquement français. 

Les Reflets, Franck Scurti, mobilier urbain et représentation artistique 

Franck Scurti est un artiste lyonnais né en 1965. Plasticien de formation, il reprend les codes des enseignes communes à la ville et les déforme, les édite et les interprète à sa manière. En 2013, dans le cadre des Pléiades, auxquelles participe la gare de Toulouse-Matabiau, Franck Scurti reprend les symboles de la carotte de tabac, mais aussi de l’opticien ou encore de la pharmacie.  

Cette création garde, dans les grandes lignes, le symbolisme de ces enseignes, en particulier celle de la carotte de tabac : le rouge, le losange, ici déformé telle une flaque d’eau, le mot « tabac », et l’éclairage. Mais, l’artiste en a délibérément rendu les contours abstraits. Il s’agit justement de détourner une forme de rigidité, de standard, et de transformer, ici, un objet du quotidien. 

Ill. 5 : “Les Reflets”, à la gare de Toulouse-Matabiau. Source : Les Abattoirs – Musée – Frac Occitanie Toulouse

“Incorporer des symboles commerciaux dans le code visuel d’un édifice qui n’en comporte pas a priori est aussi une façon onirique de commenter l’environnement commercial et notre usage de l’espace urbain. Un “Reflet” vu de loin, par exemple de la route, s’intègre à l’échelle de la rue et aux codes commerciaux. {…} Les enseignes peuvent être montrées groupées dans un même espace ou alors être disséminées sur plusieurs lieux, aussi bien à l’extérieur qu’à l’intérieur, sur les murs d’un musée ou sur ceux de la ville”. Franck Scurti. 

La carotte de tabac devient alors le centre d’une attraction artistique, ce qui renforce l’intérêt de cette création. La refonte du symbolisme de la carotte permet aussi au public (piéton, automobiliste, et autre usager de la ville) de se questionner sur ce mobilier du quotidien. 

L’artiste met face-à-face une réalité urbaine, mais aussi un imaginaire collectif de ce qu’est la ville et ses symboles. 

Bibliographie indicative :

L’auteur :

BOULLIN Luc est étudiant en seconde année de Master Développement Innovation et Environnement (2021-2022) à l’université Bordeaux Montaigne. Son mémoire, sous la direction du Pr. Christophe BOUNEAU, porte sur « Le Greenwashing dans les élections de la métropole bordelaise (2014-2020).

Habiller la ville d’une architecture hostile

L’apparition d’innovations dans le mobilier urbain qui ont pour objectif d’empêcher les populations de stagner dans l’espace public se développent depuis une quinzaine d’années. Relevant simultanément d’initiatives publiques et privées : ces nouveautés technologiques et techniques agitent les consciences collectives.

Chronologie des dispositifs anti-SDF : invention des dispositifs de répulsion

Entre 1993 et 2011, de nombreuses municipalités prennent des arrêtés anti-mendicité dans le but de limiter la stagnation des populations précaires et sans domicile fixe dans les centres villes. Dans certaines communes, ces arrêtés ne passent pas l’épreuve du contrôle de légalité. Par exemple, le tribunal administratif de Montpellier annule des dispositions prises par les maires des mairies concernées. Par ailleurs, les communes sont forcées de constater que ces dispositions ne remplissent pas le but initial : limiter la propagation de ces populations dites indésirables. Elles décident donc de se tourner vers l’utilisation de dispositifs visant à transformer l’espace public en espace hostile et de fait, à contribuer à l’exclusion et à l’invisibilisation de ces populations.

En 2007, un répulsif à l’odeur nauséabonde commercialisé sous le nom de Malodore, est conçu pour chasser les SDF et lancé en France. Puis c’est un émetteur d’ultra son du nom de Mosquito qui est installé dans l’espace public gallois (2008) avant de connaître un certain succès en Belgique la même année. Cette invention, fruit du travail d’un particulier, a pour objectif de chasser les jeunes de moins de 25 ans de l’espace public en émettant des fréquences ultra aiguës que seule cette tranche d’âge peut entendre.

Ces deux dispositifs rencontrent une forte indignation collective et si Malodore a été retiré provisoirement de la vente, quelques bailleurs sociaux, des municipalités ou autres entreprises privées continuent aujourd’hui de les utiliser dans le monde, en toute discrétion.

C’est ainsi que le mobilier urbain ou l’architecture hostile fait son apparition progressive dans l’espace public.

La naissance de l’architecture hostile : une grappe d’innovations

Métro parisien : installation de plans inclinés sur les bancs traditionnels du métro qui servent de lieu de repos aux personnes sans domicile fixe. Crédit : Bruno Lévêque, MaxPPP

Le mobilier urbain hostile le plus caractéristique est celui qui empêche toute possibilité de se reposer. Les innovations ne manquent pas. Dans le métro parisien, des plans inclinés sont installés sur les bancs du métro, des chaises individuelles sont fixées sur les bancs carrelés. Dans les villes, les piques et les herses envahissent les marches ou autres pieds de porte, empêchant toute tentative de prise de repos.

Londres, pics installés pour empêcher la mendicité ou le repos. Source : twitter, 2014

Ces initiatives nuisent aux personnes sans domicile, mais aussi aux personnes vulnérables dans l’espace public : public en situation de handicap, femmes enceintes, personnes âgées.

Depuis le début du XXIème siècle, le développement de ces innovations ne s’arrête plus. Avec la création des bancs anti-sieste, il y a désormais les surfaces planes recouvertes de galets coulés dans le béton, ou aménagées avec des plantes denses et parfois même, des cactus.

Les lumières bleues sont développées et installées dans le but d’empêcher les toxicomanes de venir se droguer (elles empêchent de voir les veines) et dans un registre un peu plus léger, les lumières roses sont mises en place pour éviter que les adolescents ne se regroupent dans des parkings ou autres espaces publics, la lumière rose ayant pour effet de révéler tous les défauts de la peau et notamment l’acné.

Lumière bleue, néon « anti-junkies ». Crédit : Esparta, Flickr

L’indignation collective : des initiatives citoyennes et artistiques à la mise en place de dispositifs de lutte contre le mobilier anti-SDF

En réaction à cette transformation des équipements urbains, une multitude d’initiatives voient le jour. On peut ainsi recenser plusieurs médias qui dénoncent, photographies à l’appui, ce mobilier urbain hostile.

Pour commencer, le livre Unpleasant design, dirigé par Selena Savic et Gordan Savicic en 2013 recense de manière sarcastique ces inventions et livre des analyses sociologiques de leurs impacts pour la population. La même année, sur la plateforme Tumblr, le blog Marche ou Crève est créé. On y trouve depuis 8 ans une série de photographies réalisées en ville, afin de collecter les innovations dites anti-SDF.

Devanture de la banque Société Générale, place de la Victoire à Bordeaux : un dispositif métallique type cornière est fixé sur le mur entre les deux distributeurs afin d’empêcher le public de s’assoir pour mendier . Source : Blog Marche ou Crève, Tumblr, 2013

De plus, à mi-chemin entre la réflexion sociologique et artistique, le collectif Survival Group publie dès 2007 une série de photographies alimentées en partie par l’artiste Arnaud Elfort. 

« Il [Arnaud Elfort] tente ainsi de décoder le vocabulaire formel des villes contemporaines et se penche sur la définition de l’espace public, ses limites, la manière de le partager ou pas, mais aussi sur les structures de pouvoir et de contrainte qui y sont en jeu.»

De même, les artistes Oliver Show et Sarah Ross innovent à leur tour en proposant des créations loufoques dans le but de dénoncer l’absurdité du mobilier urbain anti-SDF.
Par exemple, Oliver Show installe des bancs sur l’espace public avec des drains de chantier tandis que Sarah Ross crée des combinaisons rembourrées, les Archisuit, qui lui permettent de pouvoir s’allonger sur les plans inclinés ou de s’imbriquer sur les bancs munis d’arceaux métalliques.

L’Archisuit de Sarah Ross. Crédit : Sarah Ross

Dans un registre plus sarcastique encore, la fondation l’Abbé Pierre se mobilise via le développement d’un prix, sorte de Gérard du mobilier urbain.  Les Pics d’Or sont décernés pour la première fois en 2019. L’année précédente, la fondation avait mis à disposition Soyons Humains, une cartographie des mobiliers anti-SDF sur le territoire français. La journaliste Géraldine Houdoyer explique les différentes catégories : 

« “Fallait oser” pour le dispositif le plus décomplexé, “Le clou” pour le plus agressif, “Ni vu ni connu” pour le plus fourbe, ou encore “Faites ce que je dis, pas ce que je fais” pour le plus contradictoire. »

Enfin Design for everyone est un collectif bruxellois créé en 2017 à l’occasion de la visite de la Chancelière allemande dans la capitale belge. Leur mobilisation est innovante dans le sens où les membres du collectif proposent des solutions ni destructrices ni invasives qui réhabilitent le mobilier urbain non inclusif en le rendant accessibles et pleinement fonctionnel. Il conçoit des aménagements qui viennent s’emboîter sur les espaces pensés comme problématiques et excluants.

Une réalisation de Design for everyone, 22 mai 2021. Crédit : collectif Design For Everyone, Facebook

Vers une normalisation de l’architecture hostile comme mobilier urbain de l’espace public ?

Trente ans après la promulgation des premiers arrêtés anti-mendicité, les innovations visant à exclure les populations précaires n’ont pas manqué de se développer dans l’espace public. Si des initiatives de mobilisations citoyennes voient le jour depuis une dizaine d’années, on peut tout de même s’interroger sur la banalisation de ces installations sur nos territoires. En effet, il semblerait que la majorité des usagers ne remarquent plus ce mobilier urbain hostile. En dehors de quelques actions marginales, la population s’est adaptée à ces infrastructures qui suscitent de moins en moins de questionnements et d’indignation. 

Pour continuer de débattre sur le sujet, il est intéressant de s’interroger sur les réaménagements réalisés dans les aéroports ou les gares : les banquettes d’attentes ayant laissé leur place à des sièges individuels, empêchant les voyageurs de se reposer lors de leurs escales et incitant certainement une partie d’entre eux à réserver des chambres dans les hôtels à proximité de ces lieux de circulation. Repousser les populations indésirables, inciter à la consommation, voilà quelques-uns des nouveaux objectifs des aménagements dans les espaces publics.

Indications bibliographiques :

  • Terrolle, Daniel. « La ville dissuasive : l’envers de la solidarité avec les sdf », Espaces et sociétés, vol. 116-117, no. 1-2, 2004, pp. 143-157.
  • AFP, « Le maire d’Argenteuil chasse le SDF au répulsif », Libération, 24 août 2007.
  • « Le Malodore toujours en vente », leparisien.fr, 26 août 2008
  • Morgan MASSON, « Les précédents dispositifs anti-SDF qui ont fait polémique en France », Huffington Post, 5 octobre 2016
  • Josselin THONNELIER, « Ville rigide, ville sécuritaire : quand les bancs publics créent des exclusions », UrbanNews.fr, 6 décembre 2013 
  • Thibaut ALLEMAND, « Survival groupe : interview d’Arnaud Elfort », LM Arts et Culture, 5 avril 2010
  • Géraldine HOUDOYER, « Pour dénoncer le mobilier urbain anti-SDF, la fondation Abbé Pierre décerne ses “Pics d’or” », France Bleu, 13 février 2019
  • Léo MOUREN et Maud LESCOFFIT, « Comment les villes pratiquent la chasse aux SDF », Libération, 26 décembre 2014
  • « Ce collectif a trouvé comment hacker le mobilier anti-sdf. Une initiative géniale. », +Positivr, 16 novembre 2018

L’auteur :

Carole Moreau-Soquet, étudiante de Master 2 parcours Développement, Innovation, Environnement (2021-2022). Elle travaille sous la direction de Christophe Bouneau, en histoire américaine sur le sujet « Renaissance et économie culturelle des villes désindustrialisées aux Etats-Unis depuis les années 70 : les métamorphoses de la Rust Belt ». Le sujet du billet n’a donc pas de rapport direct avec son mémoire en cours, mais s’interroge sur la thématique de l’exclusion des populations précaires et des initiatives populaires qui tendent à lutter contre les injustices et les inégalités sociales ; finalement assez proche des difficultés que peuvent rencontrer les habitants de la Rust Belt, oubliés des plans de relances et de renaissance économique qui bénéficient à ces territoires.

Habiller les villes françaises de leur passé colonial

ABOLITION DE L’ESCLAVAGE DANS LES COLONIES FRANÇAISES / 27 AVRIL 1848 / PEINTURE DE FRANÇOIS AUGUSTE BIARD

L’Europe et la France ont bâti une grande partie de leur puissance sur leur passé colonial, en puisant des ressources à la fois en termes d’hommes, de minerais et de produits agricoles. Ce passé est aujourd’hui vivement controversé et des actions de commémoration viennent rappeler à la mémoire de chacun ce passé construit aux dépends de certains territoires et de certains peuples. Dans ce cadre, plusieurs villes françaises témoignent leur reconnaissance au travers de monuments exposés dans des lieux riches en histoire. 

Les « grandes découvertes » des XVe et XVIe siècles sont faites par les pays européens portés par une économie en pleine expansion, à commencer par le Portugal et l’Espagne, puis par la France, l’Angleterre, la Hollande et la Russie. Tous ces pays sont à la recherche de matières premières comme les épices ou l’or car l’Empire Ottoman contrôle le commerce terrestre vers les Indes. Les Occidentaux cherchent à gagner l’Inde et la Chine soit en longeant l’Afrique (expéditions portugaises), soit en traversant l’Atlantique (Espagnols, puis Anglais et Français), soit en cherchant une voie septentrionale (Hollandais). Les Russes, quant à eux, empruntent les routes sibériennes. Peu à peu, l’Europe s’enrichit et les expéditions se déplacent vers le continent outre-Atlantique tout en s’intensifiant en Afrique. Cette intensification entraîne le développement du trafic d’esclaves. C’est le début du commerce triangulaire entre les produits européens, les denrées nouvelles du continent américain et les esclaves africains. 

On dénombre entre 15 et 20 millions d’esclaves en provenance d’Afrique vers les principaux pays européens. La France, quant à elle, déclare en 1815 cette pratique illégale, même si en pratique, elle n’arrête pas de suite la traite. Finalement, le 27 avril 1848, l’abolition définitive de l’esclavage est promulguée et en 2001, le trafic d’esclaves est caractérisé comme un « crime contre l’Humanité », à l’initiative de Christine Taubira, députée d’origine guyanaise.

Depuis 2006, la France organise une « journée nationale de commémoration des mémoires de la traite, de l’esclavage et de leur abolition ». Tous les 10 mai en métropole – certains départements outre-mer ont choisi d’autres dates – des événements sont organisés pour se remémorer l’histoire du commerce triangulaire qu’exerça la France entre le XVe et le XIXe siècle, ce que retracent dans certaines villes des statues qui commémorent ce passé. 

Fers – Paris

C’est à Paris, le 4 avril 2009, que l’une des premières statues est installée. L’artiste Driss Sans-Arcide, célèbre plasticien surnommé le « Musée Khômbol », inaugure pour la première fois en France une sculpture en mémoire de l’esclavage, intitulée Les bracelets brisés (ou Fers), en hommage au général Thomas Alexandre Dumas (1762-1806) qui devient le premier général afro-antillais de l’armée française. 

FER / BRACELETS BRISÉS / PARIS LA DOUCE / CAROLINE HAUER

Celle-ci représente deux bracelets symbolisant chacun un moment de la vie du général : le premier, ouvert avec la chaîne ancrée au sol, représente son statut d’esclave lorsqu’il était enfant ; le second, fermé, voit les maillons de la chaîne se diriger vers le ciel, ce qui représente l’élévation sociale que connaît Alexandre Dumas en devenant Général d’armée sous Napoléon Ier

La sculpture est inaugurée le 4 avril 2009, sous le patronage de l’UNESCO et avec la présence du président américain Barack Obama. Elle mesure environ 4 mètres de hauteur et pèse près de 5 tonnes. C’est une œuvre majestueuse trônant sur la place du général Catroux, non loin du parc Monceau. Il existe deux autres œuvres honorant la mémoire des Dumas sur cette place, celle de Gustave Doré érigée en 1883 et celle de René de Saint-Marceaux datant de 1906. 

Modeste Testas – Bordeaux

Statue de Modeste Testas (1765-1870) achetee par deux freres bordelais au XVIIIe puis affranchie, Bordeaux *** Local Caption *** Bordeaux Gironde Modeste Testas architecture bourse maritime esclave espace vert femme sculpture sud-ouest urbanisme ville

L’implication de la ville de Bordeaux dans la traite d’esclaves est mise en scène au travers de la statue de Modeste Testas, inaugurée le 10 mai 2019 et façonnée dans une fonderie mérignacaise par Woodly Caymitte dit Filipo, jeune artiste tahitien.

Elle se situe quai Louis XVIII, devant la Bourse Maritime. L’emplacement est d’autant plus symbolique que ce bâtiment joua un rôle non négligeable lors des arrivées d’esclaves au port de Bordeaux. En effet, la ville a fortement participé au commerce triangulaire ce qui a contribué à l’enrichissement de cette région viticole. 

La femme représentée par cette statue s’appelle Marthe Adélaïde Modeste Testas née Al Pouessi, du nom de son propriétaire bordelais. Née en Afrique Orientale en 1765, elle passe sa vie à Saint Domingue dans une plantation sucrière. Comme elle, près de 150.000 esclaves entre le XVIIe et le XIXe siècle passent par Bordeaux avant de rejoindre les colonies.

BUSTE DE TOUSSAINT LOUVERTURE / PARC DES BERGES / SITE DE LA MAIRIE DE BORDEAUX

Une autre statue commémorant le passé esclavagiste de la ville habille les quais de Bordeaux. Il s’agit du buste de Toussaint Louverture, donné par Haïti et inauguré en 2005 dans le parc des berges de la Bastide, rive droite. Cet homme connaît un parcours hors du commun : esclave, affranchi, puis général dans l’armée française en 1791, il devient par la suite un symbole pour les mouvements d’émancipation des colonies françaises. Il est emprisonné au début du XXe siècle, après avoir joué un rôle déterminant dans la révolution haïtienne, entre 1791 et 1802. Cependant, son histoire est contestée puisqu’il semble que lui-même ait possédé des esclaves après avoir été affranchi.

Les Marrons de la Liberté – Guyane

LES MARRONS DE LA LIBERTÉ / ACADEMIE DE GUYANE / LOBIE COGNAC / MEMOIRE ESCLAVAGE DE BORDEAUX

Outre la France métropolitaine, les DOM et TOM témoignent d’une activité maritime importante, mémoire du colonialisme et de l’esclavagisme. 

La Guyane célèbre l’abolition de l’esclavage tous les 10 juin, en mémoire de la date de la signature de l’arrêté qui promulgue l’abolition de l’esclavage. En 2008, les Marrons de la liberté sont inaugurés sur le rond-point Adélaïde Tablon à Rémire-Montjoly, du nom d’une femme incarnant la lutte pour la liberté et l’égalité des peuples. En effet, à la suite d’une révolution en 1890, elle est faite prisonnière, et décide de se rendre à Cayenne pour son procès, nue en refusant les vêtements proposés par le gouverneur. 

La statue nommée Fiiman en bushi-tongo, signifie « Homme Libre » dans la langue des Bushinengues, descendants d’esclaves africains déportés au Suriname, pays frontalier de la Guyane. Elle représente un couple dans une tenue d’abattis, autrement dit d’esclaves, plus précisément d’éleveur de bétail et de cultivateur. On y aperçoit un homme les bras en l’air comme un signe de victoire brisant ses chaînes et une femme, un pagne autour de la taille, libérant un oiseau, symbole de liberté. Cette œuvre de l’artiste guyanais Lobie Cognac mesure plus de 5 mètres de hauteur. 

On surnomme aussi cette statue « Les Marrons de la Liberté » pour évoquer le marronnage, c’est-à-dire le fait pour un Guyanais de s’échapper d’une plantation pour rejoindre la forêt et ainsi fonder de petites communautés de personnes libres, composées d’ex-esclaves. Le plus souvent, ces marrons se réfugiaient autour de la rivière qui fait aujourd’hui office de frontière entre le Suriname et la Guyane, le Maroni. 

En somme, les monuments en mémoire de l’esclavage sont de plus en plus présents dans les villes portuaires métropolitaines et dans les anciens comptoirs, devenus départements. Cependant, l’histoire resurgit et fait entrevoir les personnages historiques français ayant joué un rôle dans l’esclavagisme, à l’image de Colbert, auteur du Code Noir, trônant devant l’assemblée nationale, et dont la question de son déboulonnage est récurrente. 

Depuis le 26 septembre 2020, une nouvelle statue a fait son apparition dans la capitale. Il s’agit d’une statue déjà présente aux Abymes en Guadeloupe depuis 1999, qui se trouve désormais dans le 17ème arrondissement parisien dans le jardin du même nom, « la Mulâtresse Solitude ». Née Rosalie, elle transforme son prénom et devient Solitude lorsqu’elle décide d’intégrer les rebelles de la résistance. Lors du rétablissement de l’esclavage par Napoléon en 1802, elle est engagée au sein de la lutte guadeloupéenne. Elle subit un sort tragique car elle est pendue le lendemain de son accouchement. 

Bibliographie indicative :

  • DUBY Georges, « Atlas historique Duby », Larousse, 2016, p. 152-157 & 178-179
  • HAUER Caroline, « Paris : Fers brisés, hommage au général Thomas Alexandre Dumas, une œuvre signée Musée Khômbol alias Driss Sans-Arcidet – XVIIème », Paris La Douce, 15/08/2019
  • LE MAO Caroline (dir), AUGERON Mickaël, BONIN Hubert, CAUDRON Olivier « Mémoire noire – Histoire de l’esclavage : Bordeaux, La Rochelle, Rochefort, Bayonne », Bordeaux, Mollat, 311 pages, 08/10/2020
  • THESEE Françoise, FOUCHARD Jean, « Les Marrons de la liberté », Revue française d’histoire d’outre-mer, tome 61, n°222, 1er trimestre 1974. pp. 178-181
  • VENAYRE Sylvain, « abolition de l’esclavage dans les colonies françaises », Encyclopædia Universalis [en ligne], consulté le 18 octobre 2021 ; http://www.universalis-edu.com.ezproxy.u-bordeaux-montaigne.fr/encyclopedie/abolition-de-l-esclavage-dans-les-colonies-francaises/

L’auteur :

TOUCHARD Maxime est étudiant en Master 2 Développement, Innovation et Environnement à l’université Bordeaux Montaigne (2021-2022). Son sujet de master porte sur les « Trajectoires d’innovation dans l’équipement du golf depuis le milieu du XVIII° siècle » sous la direction du Pr. Christophe Bouneau. 

Habiller la ville afin de la dévoiler ?

Christo et Jeanne-Claude, deux artistes pour un même projet

Christo Vladimirov Javacheff et Jeanne-Claude Denat de Guillebon sont nés le 13 juin 1935, le premier en Bulgarie à Gabrovo, la seconde au Maroc à Casablanca. 

Photographie du couple. Source : Site internet de France Inter

Christo réalise entre 1953 et 1956 des études aux Beaux-Arts de Sofia et après s’être essayé quelques fois en tant que jeune diplômé d’art, il décide de rejoindre un des noyaux emblématiques du domaine artistique, la ville de Paris en 1958. Cette même année, Jeanne-Claude, présente aussi à Paris, découvre son travail et leur collaboration artistique prend vie. L’année 1958 marque ainsi le début de l’ère artistique de « Christo et Jeanne-Claude ». C’est en 1959 que leur idylle est officialisée après la séparation de Jeanne-Claude avec son premier mari. 

Leurs œuvres se caractérisent par plusieurs aspects. Pour commencer, ils pratiquent l’empaquetage car ils « voilent pour dévoiler ». En outre, leurs œuvres prennent vie dans l’espace public. Et enfin, elles se caractérisent par leur caractère éphémère. Après avoir signé toutes leurs œuvres du nom unique de Christo, ils décident en 1994 d’ajouter le prénom de Jeanne-Claude afin de bien figurer que l’ensemble de leurs œuvres est le fruit d’une co-création, d’une collaboration artistique. 

On leur doit de nombreuses réalisations comme la Wrapped Coast en Australie, recouvrant 92 000 m2 de la côte australienne en 1968 et 1969. En 1983, ce sont onze îles de Floride qui sont entourées de tissu flottant rose. On pense aussi à The Floating Piersen, en Italie qui permit aux visiteurs de marcher sur l’eau pendant deux ans grâce au tissu flottant ou plus récemment en 2016 à cette œuvre sur la Tamise à Londres comprenant 7 506 barils empilés sur une plate-forme flottante. 

Du Rideau de fer à l’Arc de Triomphe en passant par le Reichstag : œuvrer au cœur de l’espace public

Trois œuvres sont emblématiques de l’œuvre artistique du couple Christo et Jeanne-Claude.

Le Rideau de fer. Source : Google Images

La première à occuper l’espace public fut celle du Rideau de fer en 1962. Elle prit place rue Visconti à Paris pendant huit heures. Elle regroupe des dizaines de barils empilés visant à représenter dans Paris la sensation de ce Rideau de fer coupant en deux une ville au lendemain de la construction du Mur de Berlin (13 août 1961). Cette œuvre, bien qu’artistique, laisse transparaître un message politique, que l’on retrouve dans nombre de leurs autres réalisations. En effet, Christo et Jeanne-Claude relèvent à chaque fois divers défis, qu’ils soient politiques, techniques, esthétiques ou financiers. Dans le cas du Rideau de fer, les défis politiques, techniques et esthétiques furent ceux où l’accent a été mis.

Le Reichstag de Berlin recouvert 1971-95. Source : Site internet Le Monde

Ensuite, l’œuvre majeure de leur carrière fut celle de l’Empaquetage du Reichstag de Berlin entre le 24 juin et le 7 juillet 1995. Elle fut un immense succès populaire puisqu’elle a été vue par 5 millions de personnes. Le couple avait cette idée d’empaqueter le Reichstag de Berlin depuis 1971, mais la réalisation de leur œuvre se situe entre la chute du Mur de Berlin la nuit du 9 au 10 novembre 1989, la réunification de l’Allemagne en 1990 et l’inauguration de la rénovation du bâtiment du Parlement allemand en 1999. Ce Reichstag fut créé en 1894 par Otto Von Bismarck avant d’être victime d’un incendie le 27 février 1933, au lendemain de l’arrivée au pouvoir d’Hitler. Il fut aussi divisé en deux durant toute la période du Mur de Berlin. L’œuvre Empaquetage du Reichstag releva différents défis et pour commencer un défi politique, et ce, dès la demande d’accord pour sa réalisation, comme le rappelle Nicolas Patin :

« Le 25 février 1994, la question fut débattue au Bundestag, à Bonn. Christo assistait à la séance, depuis les balcons des spectateurs, et chacun était bien conscient que ce débat inédit – le Parlement discutait d’art ! – faisait déjà partie de l’œuvre en elle-même. » 

Par cette interprétation de l’œuvre de Christo et Jeanne-Claude, leurs mots résonnent davantage, puisque selon eux, « L’œuvre d’art, ce n’est pas le projet, mais le processus »Ils montrent d’autant plus d’intérêt aux défis menant à la réalisation de l’œuvre qu’à la réalisation finale en tant que telle. Une fois arrivés au premier jour où l’œuvre est exposée, le défi selon eux est abouti. 

Ce sont les 15 km de corde et 100 000 m2 de tissus en polypropylène recouvert d’aluminium nécessaires à sa réalisation qui résument le mieux les défis techniques et esthétiques de l’Empaquetage du Reichstag, même si la réalisation de l’échafaudage pour protéger l’édifice n’est pas en reste. Quant au défi financier, il provient du financement lui-même puisque, à l’instar de la majorité de leurs œuvres, il procède essentiellement de leurs propres fonds.

Enfin, la troisième œuvre et la plus récente est édifiée à titre posthume, l’Empaquetage de l’Arc de Triomphe. Pensée par eux, mais réalisée sans eux, elle a pris place dans l’environnement parisien entre le 18 septembre et le 3 octobre 2021. Cette œuvre représente 3000 mètres de corde et 25 000 m2 de tissus. Christo et Jeanne-Claude habillent encore la ville après leur passage. Le couple avait déjà œuvré dans Paris en 1985 en empaquetant le pont Neuf afin de dénoncer la politique d’architecture royale d’embellissement de la ville de Paris sous la monarchie absolue du XVIe siècle sous Henri III. 

Une œuvre urbaine à impact visuel : le rôle de l’œuvre éphémère

En partant du principe que ce qui est temporaire est précieux, chacune de leurs interventions dans l’espace public ne durait que deux semaines tout au plus. Il s’agissait d’un moment festif, parce que ponctuel : « le temps court de la fête » rend l’œuvre spéciale et inédite. Ce qui reste de l’œuvre éphémère, au-delà des souvenirs dans la mémoire collective, ce sont des morceaux de la toile offerts aux visiteurs, tandis que la photographie conserve l’instant sur le temps long. 

Considérant que ce qui nous entoure finit par perdre notre attention, que nous voyons sans regarder et encore moins observer, ces œuvres, qui peuvent à première vue paraître étranges, font passer des messages importants. Ils appellent ce procédé : l’« Opération de dévoilement par le recouvrement »Autrement dit, il s’agit d’habiller la ville pour mieux la regarder !

On peut se demander quelle résonnance une œuvre d’une telle ampleur, en 2021, peut avoir dans l’opinion publique vis-à-vis de l’écologie. En effet, lors de son dévoilement sur l’Arc de Triomphe, de nombreuses réactions dans la presse et dans l’espace public au sujet de l’impact environnemental du tissu ont jailli. Cette œuvre fut aussi critiquée pour la représentation de la société de consommation car elle est constituée d’un tissu créé spécialement pour une œuvre éphémère. En effet, bien que le tissu de l’œuvre ait trouvé une solution pour une seconde vie dans l’usine allemande qui l’a produit, sa production même a un impact écologique. Enfin, les réactions sur les réseaux sociaux sont divergentes. Pour certains, il s’agit d’art absurde, masquant la beauté originale du monument. Pour d’autres, le message diffusé par les artistes est entendu car ils constatent que cette œuvre éphémère permet de poser à nouveau le regard sur le monument.

Quelques avis divergents sur Twitter avec dans la barre de recherche « Arc de Triomphe » et « Christo » au sujet de la perception de l’œuvre dans l’opinion publique.

Bibliographie indicative :

L’auteur :

ROMARY Pauline est étudiante en seconde année de Master Développement Innovation et Environnement (2021-2022) à l’université Bordeaux Montaigne. Son mémoire, sous la codirection de Corinne Marache et de Charles-François Mathis, porte sur « Les pratiques écologiques dans la métropole Bordelaise des années 1980 aux élections municipales de 2020 : la question de la Nature en ville ».

La Biennale de Venise, quand l’art contemporain se greffe au paysage urbain.

Venise n’est pas qu’un objet touristique : elle ne se réduit pas à ses palais majestueux, à ses gondoliers qui promènent les touristes au rythme de leurs chants traditionnels, ou encore à ses hôtels hors de prix. Elle est aussi mondialement célèbre pour la Biennale, qui s’y tient chaque année. Ainsi, même si le tourisme est sans conteste son pilier économique, la ville rayonne également dans le monde de la culture. Annulée l’an dernier en raison de la pandémie mondiale, l’édition 2021 a nourri de grands espoirs pour la fondation italienne d’art, qui compte en moyenne plus de 500 000 visiteurs par an. Hélas, la ville peine à retrouver ses touristes. 

Mais qu’est-ce que la Biennale ?

La Biennale di Venezia est en fait le nom d’une fondation italienne, créée en 1893, et dont la première édition s’est déroulée en 1895. Celle-ci organise des manifestations d’art contemporain depuis la fin du XIXe siècle, mais propose également, depuis les années 1930, de la musique, de la danse, du théâtre, du cinéma, et de l’architecture. Elle se retrouve dans le Giardini, l’Arsenale et le Lido où se tient le prestigieux festival de cinéma de la Mostra de Venise. En 1980, se tenait la première Exposition Internationale d’Architecture.

D’abord désignée comme l’« Exposition Internationale d’Art de la Cité de Venise », c’est à l’occasion de sa deuxième édition, en 1897, qu’elle prit le nom de Biennale

Aussi variées que soient ses manifestations, nous nous intéresserons uniquement à l’exposition d’art contemporain, et notamment à l’Esposizione internazionale d’arte di Venezia ainsi qu’à l’Exposition Internationale d’Architecture de Venise, qui ont lieu tous les deux ans, car ce sont celles qui impactent le plus le paysage urbain vénitien. 

Quand l’art contemporain prend possession de la ville 

Biennale 2014, sculpture de Heinz Mack, île de San Giorgio Maggiore. Symbolise l’importance de la colonne dans l’histoire de l’architecture. 
Source : https://www.dezeen.com/2014/06/24/the-sky-over-nine-columns-venice-installation-heinz-mack/

En se promenant dans les rues de Venise, il est possible d’être surpris en voyant apparaître sur son chemin une main géante tout droit sortie de la lagune, ou encore de se trouver nez à nez avec une sculpture géante de cheval. Cela a de quoi surprendre, et contraste fortement avec l’architecture historique de la ville, composée de vieux palais et de vieilles maisons de briques. Il se créé comme un mélange d’époques, entre l’atmosphère séculaire vénitienne et la modernité des œuvres d’art disposées un peu partout. La Biennale s’approprie la ville et la redessine à sa guise, que ce soit à l’extérieur comme à l’intérieur des palais. La Biennale peut ainsi également remplir un rôle touristique, et s’apparenter à une nouvelle façon d’arpenter la ville. 

Les œuvres d’art, qu’elles plaisent ou non, revisitent les palais en leur conférant une nouvelle dimension artistique, voire politique, lorsqu’elles font passer un message. Ce fut le cas lors de l’édition 2015, lorsque Vik Muniz dénonça la tragédie des naufrages des migrants avec son œuvre « Lampedusa » : une barque de 15 mètres de long, imitant un bateau en papier, et recouverte de l’édition du journal vénitien La nuova Venezia, paru le lendemain de la tragédie maritime d’octobre 2013, qui titrait « Migranti, centinaia di morti ». Cette barque de papier, évoquant la fragilité des embarcations utilisées par les migrants pour traverser, voulait sensibiliser l’opinion publique en voguant sur les canaux vénitiens.

Biennale 2015, barque “Lampedusa” de Vik Muniz, un exemple de Biennale politique.
Source: http://vikmuniz.net/news/lampedusa-at-the-56th-venice-biennale
 

Faire apparaître des problématiques contemporaines par le biais de l’art

Biennale 2019, sculpture “Construire des ponts”, de Lorenzo Quinn.
Source: photo personnelle de l’auteur. 

Plus qu’une simple manifestation artistique, la Biennale de Venise porte aussi un regard sur le monde actuel. Ainsi la 17eédition d’architecture s’intitulait « Comment vivrons-nous ensemble ? », faisant écho à la pandémie mondiale de 2019. Cela s’inscrit dans les problématiques actuelles tournées vers le développement durable et la conscience écologique, au cœur des préoccupations. Par exemple, par l’utilisation de matériaux durables, comme le bois, il s’agit de montrer comment d’autres communautés utilisent l’architecture et la transforment pour vivre confortablement ensemble. 

Pour l’édition de 2017, l’artiste italien Lorenzo Quinn avait réalisé une sculpture de mains géantes, s’agrippant à un bâtiment historique de Venise, afin d’alerter sur la montée des eaux, qui menace la ville un peu plus chaque année, les mains soutenant symboliquement le « Ca’ Sagredo Hotel ». Lors de l’édition suivante, en 2019, il avait également exposé une série de mains géantes liées, au dessus d’un canal de l’Arsenale, pour représenter la construction des ponts, très nombreux dans la cité des doges. Cette fois-ci, le message rendait hommage aux bâtisseurs de la ville de Venise.

            La Biennale, grâce aux œuvres d’artistes internationaux, est un exemple fort de la transformation du paysage urbain par l’art. Son succès et sa renommée internationale ne sont plus à démontrer, et à chaque nouvelle édition, elle propose une nouvelle façon d’habiller la Sérénissime. Cette question d’habillage de la ville par l’art contemporain appelle à évoquer les paquebots de croisière, qui eux aussi modifient le paysage de Venise. En effet, depuis des années, ces immenses navires, trop gros pour le Grand-Canal, font partie du décor vénitien, au grand dam des habitants locaux, qui craignent pour la sécurité de l’écosystème de leur cité. Un mouvement, le Comitato No Grandi Navi, se bat pour bannir ces navires de Venise. Cela s’inscrit dans la lutte contre le tourisme de masse, pour protéger la ville. Cette lutte s’est réaffirmée après le déconfinement, et vise notamment, en plus d’interdire les navires de croisière dans la lagune, à maîtriser les flux touristiques en instaurant des jauges et à réguler les locations saisonnières, ce qui est paradoxal car Venise vit principalement du tourisme. Cependant, la ville voit de plus en plus sa population locale diminuer à cause du tourisme, effectivement beaucoup d’habitants partent vivre à Mestre ou sur le Lido, où la vie est plus calme et moins chère, une façon de montrer que trop de tourisme tue le tourisme.

Paquebot Queen Victoria, un exemple du problème des gros navires à Venise.
Source: photo personnelle de l’auteur, 2017. 

Bibliographie indicative :

L’auteur :

Nathan Esquié est étudiant en deuxième année de Master d’Histoire moderne et contemporaine, à l’Université Bordeaux Montaigne, dans le parcours Développement, Innovation et Environnement. Son mémoire porte sur l’économie du crime organisé à Chicago durant la prohibition à travers le film de gangsters, sous la direction du Pr. Christophe Bouneau.

L’écran numérique « intelligent », nouveau système de l’affichage urbain ?

De nouveaux écrans en ville…

On peut les apercevoir dans la rue, le long des grandes avenues sur les façades des bâtiments, ces grands écrans numériques qui ont peu à peu envahi le paysage et animent la vie urbaine. Ces nouveaux supports connaissent un succès grandissant à travers les métropoles du monde entier et ne sont désormais plus seulement localisés dans les centre-villes emblématiques, tels que Times Square à New York ou Shibuya à Tokyo. On différencie dès lors plusieurs types de supports numériques qui viennent renouveler le mobilier urbain contemporain. D’une part, on retrouve un support pour le moins futuriste, l’écran numérique interactif qui implique la participation du spectateur dans le message diffusé. La première illustration (fig.1) révèle en ce sens à travers une campagne publicitaire pour la marque de SUV, GMC, une interaction entre un passant et un écran numérique. Ce dernier étant doté de capteurs, identifie l’âge et le profil du spectateur pour adapter le contenu de son message en fonction de la personne, proposant ainsi une nouvelle forme de communication. De fait, la nature des messages diffusés n’a en soit pas fondamentalement changé à savoir, dans le cadre d’un message publicitaire faire la promotion d’un produit destiné à la consommation. Tout l’enjeu de l’innovation réside alors dans la monopolisation de l’attention du spectateur dans le but de créer un lien entre le message et le sujet. Dès lors, l’innovation technologique apporte à travers le perfectionnement de cet outil une tout autre dimension au message exposé, fondée sur l’interaction entre le consommateur et la publicité elle-même, l’échange entre le regardé et le regardant. Plus qu’une simple exposition fixe et inerte, ce nouveau mobilier urbain intègre le spectateur en acteur du message offrant une certaine proximité avec les passants qui circulent dans la rue.

Figure 1: Campagne publicitaire de la marque américaine de SUV, GMC Vertical Impression, 16 octobre 2020, Source: <file:///C:/Users/Utilisateur/Zotero/storage/Y363QGMR/7-of-the-most-impressive-examples-of-digital-out-of-home-advertising-campaigns.html>.

D’autre part, on peut identifier les écrans numériques dynamiques. Tout aussi originaux, ils proposent la diffusion d’un contenu en temps réel dans le but de captiver l’attention du spectateur. En guise d’exemple, on retrouve en 2013 à Londres au carrefour de Piccadilly Circus, lieu emblématique de l’affichage digital dans le monde, une campagne publicitaire originale de la compagnie aérienne British Airways. En effet, un panneau d’affichage dynamique révèle un enfant se déplaçant sur l’image et pointant du doigt le ciel dès qu’un avion de la compagnie prend son envol (fig.2). Étant doté d’une antenne connectant l’écran au réseau et à l’aéroport d’Heathrow, l’ensemble des données relatives au passage des avions de ligne dans la zone sont retransmises à l’écran à la surprise des passants. Ces écrans intelligents font très vite l’objet d’une vive curiosité et interrogent sur l’avenir de l’affichage en ville et de l’évolution du mobilier urbain. De plus, ces exemples mettent en lumière également une évolution historique saisissante de la publicité qui s’inscrit dans une certaine continuité de la révolution numérique initiée par Internet et les technologies sans fil dans les années 1990.

Figure 2 : Campagne publicitaire de la compagnie aérienne British Airways (Londres), 1min30, Novembre 2015, Source: <https://www.1min30.com/brand-marketing/comment-les-marques-utilisent-le-digital-out-of-home-dooh-au-sein-de-leurs-campagnes-marketing-28542>.

Mutations de l’affichage urbain : transition d’un « support d’information » à un « support de communication » (Stéphanie Le Gallic).

La multiplication de ces nouveaux canaux d’information soulève de nombreuses questions relatives à l’évolution des stratégies de communication, certes dans le cadre du monde publicitaire mais également à travers la communication culturelle et artistique. Les nombreuses campagnes de prévention illustrées par exemple par la crise du Covid-19 s’inscrivent également dans cette dynamique. En effet, on pouvait observer pendant la crise et encore aujourd’hui des messages de remerciement adressés aux travailleurs qui assuraient les services indispensables au bon fonctionnement de la société malgré la pandémie (fig.3). La diffusion sur les panneaux numériques de ce genre de messages personnels révèle une évolution des stratégies de communication orientée vers une forme plus inclusive et représentative de l’affichage urbain.

Dès lors, on observe un changement de paradigme propre au système d’affichage. En effet, les écrans et leur contenu ne sont plus donnés simplement à voir comme des supports d’une information brute et sans vie mais au contraire, comme des supports qui suscitent l’engagement et la participation des passants. Ces derniers peuvent en ce sens à une échelle individuelle modifier leur environnement et influencer le paysage urbain. Ainsi, l’essor des écrans dynamiques contribue à voir émerger le concept de « ville-spectacle » allant jusqu’à dissimuler des bâtiments par des animations vidéo au point de modifier notre rapport au milieu urbain. En somme, déambuler dans la rue deviendrait une nouvelle forme de divertissement qui n’est pas sans rappeler les représentations de villes entièrement technologiques présentes dans le cinéma de science-fiction.

Figure 3 : Campagne de sensibilisation pour la crise sanitaire (États-Unis), the tkink tank, avril 2020. Source: <https://www.thinktank.org.uk/blog/3245-good-job.php>.

La smart-city comme projet de ville « idéale »

Le concept de « ville intelligente » ou smart city repose sur l’usage intensif des technologies d’information parmi lesquelles le système d’affichage digital s’intègre parfaitement. Dès lors, ce phénomène de numérisation du paysage urbain met en perspective le développement des réseaux urbains, véritable maillage d’interconnexions. En effet, les écrans numériques interactifs et dynamiques incarnent pour le mieux cette volonté d’orienter le paysage urbain vers un modèle plus intelligent et intégré aux réseaux de communication. Ainsi, ces nouveaux outils participent à l’idée d’une construction d’une ville « sensible » comme le suggère la quatrième illustration affichant un message publicitaire pour la chaîne de fast-food McDonald’s à Manchester (Fig.4). Le contenu affiché s’adapte à la température ambiante de l’air à l’aide de capteurs mettant en avant une boisson rafraîchissante lors d’une journée de forte chaleur afin de susciter l’envie du spectateur. Le développement de l’intelligence artificielle permet à l’écran avec la détection et l’enregistrement d’un large éventail de données comme les températures voire les niveaux de pollution pour appréhender l’environnement proche et optimiser l’information.

En somme, les écrans numériques intelligents, nous fournissent des exemples pertinents de l’aboutissement historique du développement des réseaux dans le milieu urbain. En effet, ils s’inscrivent dans la continuité des pratiques d’affichage depuis les premiers kiosques à journaux inaugurés sur les grands boulevards parisiens sous le Second Empire.

Figure 4: « Campagne publicitaire de l’entreprise McDonald’s, (Manchester)June 4, 2019. Source: <https://grandvisual.com/mcdonalds-weather-reactive-dooh-summer/>.

Cependant, nous pouvons interroger les différentes trajectoires de l’innovation contemporaine qui nous confrontent à l’écueil d’une forme de déterminisme technologique. En effet, ce phénomène urbain ne constituerait qu’un simple transfert, voire une extension des technologies héritées des réseaux sociaux au milieu urbain et sur la voie publique. Ainsi, le soi-disant « progrès » de l’innovation peut être remis en cause à travers les différentes utilisations de ces nouveaux outils numériques.

La multiplication des écrans est-elle révélatrice d’une « crise de la représentation » (Daniel Bougnoux) ?

La multiplication des écrans dans notre espace domestique et depuis peu dans l’espace urbain public révèle certaines dérives notamment autour de la médiatisation abusive et la surcharge informationnelle présente dans notre société. Si la dynamique de développement des réseaux fait directement écho aux valeurs démocratiques, à savoir le partage de l’information ou la proximité, force est de constater comme le démontre Daniel Bougnoux que « notre crise de la représentation peut se lire comme une avancée ou une poussée de la participation ». En clair, à l’heure où les différentes formes de médias et de représentations ne cessent de croître et connaissent un succès général, on observe paradoxalement un certain malaise lié à l’abondance de l’information et à la surcharge publicitaire. Ainsi, l’intégration de ces écrans d’affichage certes dynamiques ou interactifs apparaîtraient selon Julia Bonaccorsi « comme des agrandissements des écrans personnels ». Les nouvelles technologies ne proposeraient donc en réalité qu’une extension dans la rue de notre activité individuelle sur les smartphones. Pourtant, paradoxalement, un article des Échos publié en juin 2019 tend à démontrer le manque d’efficacité de la publicité numérique, révélant que les taux d’attention et de mémorisation demeurent plus faibles que sur les autres médias en raison de la masse d’information diffusée. Malgré l’avènement des écrans interactifs et intelligents qui tentent de pallier ce déficit en proposant un format différent, c’est un véritable combat qui se joue pour capter l’attention du spectateur et le pousser à la consommation. Par conséquent, ce phénomène serait-il le signe d’un passage à un « âge post-représentatif » voyant le recul de notre intérêt pour la contemplation, entraînant de fait, un effacement progressif de la culture et de nos références communes ?

En somme, la multiplication des écrans numériques d’un genre nouveau en ville met en perspective l’évolution des formes d’affichage sur la voie publique en tant que symbole de la « ville intelligente ». Néanmoins, ce mobilier urbain innovant révèle une certaine obstination dans la poursuite du « tout technologique » propre à nos sociétés contemporaines demeurant un sujet d’interrogations.

Bibliographie indicative :

  • BONACCORSI, Julia. « Le sens collectif de l’écran dans la ville ». Interfaces numériques, 5 (1), 2016. <https://doi.org/10.25965/interfaces-numeriques.2942>.
  • BOUGNOUX, Daniel. « Chapitre 10 : La transition numérique : tous en scènes ? », La crise de la représentation, La Découverte, 2019, pp. 189-209.
  • LE GALLIC, Stéphanie. « Le bâtiment, support d’informations, XXe-XXIe siècles », Flux, vol. 111-112, no. 1-2, 2018, pp. 32-43.
  • LLOVERIA, Vivien. Susan PerryL’illusion pixel. Pourquoi le numérique ne changera pas le monde, Lemieux Éditeur, 2015. Interfaces numériques, 5 (1), 2016. <https://www.unilim.fr/interfaces-numeriques/2972>.
  • PICON, Antoine. « L’avènement de la ville intelligente », Sociétés, vol. 132, no. 2, 2016, pp. 9-24.
  • RICHEBOIS Veronique. “La Publicité Numérique Est-elle Vraiment Efficace ?” Échos, Paris, 24 juin 2019. <https://nouveau-europresse-com.ezproxy.u-bordeaux-montaigne.fr/Search/ResultMobile/183>.

L’auteur :

RILIEVO Louis est étudiant en Master 2 Développement, Innovation et Environnement à l’université Bordeaux Montaigne (2021-2022), son sujet de mémoire porte sur l’étude de l’émergence des systèmes inhabités en tant qu’outil de défense à partir d’un cadre géographique bien précis, le Moyen-Orient qui constitue un laboratoire aux innovations technologiques. Il s’intéresse autant au processus d’innovation de cet outil émergent depuis les années 1990 qu’à la guerre géoéconomique qui sévit sur le marché de la défense de même que les débats de société que soulèvent le développement des systèmes inhabités dans nos sociétés contemporaines. Après avoir effectué deux années en classe préparatoire littéraire au lycée Bertran de Born à Périgueux, il a eu ensuite l’opportunité de participer à un échange d’une année en Angleterre à l’université de Chester dans le cadre du programme Erasmus afin de valider sa troisième année de Licence.